Kitaev fotograf. Presentation av en ny bok av Alexander Kitaev. Patina. Gamla sommarträdgården
Alexander Kitaev 1952 föddes i Leningrad. Arbetade som fotograf på ett varvsföretag (1978-1999). Han fick sin inledande fotografiska utbildning på fotoklubben VDK och på fotojournalistkurserna på Journalisternas hus. Sedan 1975 har han varit aktiv i kreativ utställningsverksamhet - författare till 35 personliga och deltagare i mer än 70 grupputställningar i Ryssland och utomlands. Medlem av Russian Union of Photographers (1992). Medlem i föreningen "Photopostscriptum" (1993). Medlem av Union of Artists of Russia (1994). Hans verk finns i ryska och utländska offentliga och privata samlingar. Arbetar för närvarande som frilansfotograf.
SOLOUTSTÄLLNINGAR
1988
"En stad utan kumach." butik-showroom "Nevsky, 91", Leningrad
1991 "Leker med rymden." Designföretaget "Sosnovo", Leningrad.
1994
"A POSTERIORI". "PS-Place", St. Petersburg.(k)
"Konstanter". Utställningshall i Moskva-regionen (katalog).
"Vertumnus tricks." Studio "Pall", St Petersburg
1995 "Vit interiör". "Gyllene trädgården". Förlaget "LIMBUS-PRESS", St. Petersburg
1996 "PHOTOSYNKYRIA 96". 9:e internationella mötet. Thessaloniki, Grekland
"Petersburg album". Galleri "Old Village", St Petersburg
"En blick från insidan" (FOTOFAIR'96) . Central showroom"Manege", St Petersburg
"Petersburg genom Wubbo de Youngs ögon, Amsterdam genom Alexander Kitaevs ögon." Nieuwe Kerk, Amsterdam; Centrala utställningshallen "Manege", St. Petersburg.
"Bilder av det heliga berget". KODAK Pro-Center, St. Petersburg.
GRUPPUTSTÄLLNINGAR
1988 "...en stad som är bekant till tårar." Utställningsåtgärd från föreningen "Community of Photographers", Leningrad - Moskva.
1989
"Skrattvapen." All-Union fotoutställning, Armavir (k)
IV Biennale för analytisk fotografi. Yoshkar Ola, Cheboksary (k)
1993 "Årlig utställning av Union of Photographers of Russia." Konstnärernas centrala hus, Moskva
"Photopostscriptum". Ryska museet, St. Petersburg (k)
1994-96 ”Självidentifiering. Aspekter av S:t Petersburgs konst på 1970- och 1990-talen." Kiel, Berlin, Oslo, Sopot, St. Petersburg
1995 "Den senaste fotokonsten från Ryssland." Frankfurt, Düsseldorf, Karlsruhe, Hannover, Gerten, Tyskland.
1997 "Petersburg' 96", Central Exhibition Hall "Manege", St. Petersburg
"Northern Dream" (CD-ROM-fotoshow) som en del av "Salyut, St. Petersburg"-festivalen, World Financial Center, New York, USA
"Fönster till Nederländerna", utställningscentret av Union of Artists, St. Petersburg; Lily Zakirova Gallery, Hesden; De Waag Showroom, Lesden; Groningen Conservatory, Groningen;
"Fotorelä: från Rodchenko till idag", Stadsgalleriet "A-3", Moskva;
"100 fotografier av St. Petersburg", bibliotek uppkallat efter. V.V. Majakovskij, St. Petersburg; Ryska kulturcentret, Prag;
"Projekt. Kastas framåt", Konstnärsförbundets utställningscenter, St. Petersburg (katalog);
"Ny fotografi från Ryssland", Gary Edwards Gallery, Washington, D.C., USA;
"Utställning av verk av folkfotostudion "VDK", Kulturpalatset i Viborg, St. Petersburg;
"Flytta. Från Leningrad till St. Petersburg,” Museum of F. M. Dostoevsky, St. Petersburg;
"Babels torn", Galleri "Art Collegium", St. Petersburg;
"Container INCOGNITA", Museum of F. M. Dostoevsky, St. Petersburg
SAMLINGAR
Ryska statens museum, St Petersburg
Statens museum för S:t Petersburgs historia, St. Petersburg
Museum för fotografiska samlingar, Moskva
Gary Ranson Center for Humanitarian Researches, Austin, Texas, USA
Navigator Foundation, Boston, USA
Mendl Kaszier Foundation, Antwerpen, Belgien
Samling av restaurangen "Vena", St. Petersburg
Samling av Free Culture Foundation, St Petersburg
Samling av förlaget "LIMBUS-PRESS", St. Petersburg
Bank "Imperial", St Petersburg
Paul Zimmer, Stuttgart, Tyskland
Herbrand, Köln, Tyskland
och andra privata samlingar i Tyskland, Finland, Grekland, Nederländerna, USA och Ryssland.
Källa http://www.photographer.ru/resources/names/photographers/26.htm
Om boken av Alexander Kitaev "St Petersburg Light in the Photographs of Karl Doutendey"
Dmitry Severyukhin
Alexander Kitaev
St Petersburg ljus i fotografier av Karl Doutendey
St Petersburg, Rostock, 2016 – 204 sid. (PHOTOROSSIKA-serien)
ISBN 978-5-94668-188-9
För köp och distributionsförfrågningar vänligen kontakta:
[e-postskyddad],
[e-postskyddad];
www.rostokbooks.ru
Boken av den berömda fotografen, curatorn och fotografihistorikern Alexander Kitaev i St. Petersburg berättar om olika stadier i livet och arbetet för den enastående fotografipionjären Karl Doutendey, som skapade de första pålitliga fotografiska bilderna av representanter för de övre skikten ryska samhället.
Boken vänder sig till ett brett spektrum av läsare som är intresserade av fotografiets historia och S:t Petersburgs kultur.
Namnet på fotografiets pionjär, Karl Doutendey, är föga känt inte bara för allmänheten utan även för specialister, under tiden spenderades 19 år av Doutendeys liv och arbete i huvudstaden ryska imperiet, och han stod vid själva ursprunget till det ryska ljusmåleriet. Utan att gå in på att lista orsakerna till det aktuella läget kommer vi bara att notera en - under nästan hela 1900-talet bidrog Rysslands statsstruktur milt uttryckt inte till studiet av förrevolutionär kultur, och , som ett resultat visade sig ett enormt lager av dokument och material om rysk fotografis historia vara dåligt bemästrade och beskrivna. Fram till nu var kanske den enda källan till kunskap om fotografens liv och arbete den konstnärliga självbiografin om hans son, den berömda tyska konstnären och poeten Max Doutendey, aldrig publicerad på ryska. Och nu, på 204 sidor av boken av Alexander Kitaev, en berömd rysk fotograf och fotografihistoriker, läser vi för första gången en verifierad biografi om ljusmålaren, presenterad i detalj och med stöd av dokument. Dessutom återger den mer än 170 fantastiska, sällsynta fotografiska skatter från inhemska och utländska statliga samlingar, såväl som privata samlare i Ryssland och Tyskland. Här publicerade författaren dussintals dokument relaterade till den första tiden av rysk fotografi. 
Karl Doutendeys liv, fullt av upp- och nedgångar, är fascinerande. Han föddes i lilla Saxon Aschersleben. 1839, året fotografiet föddes, förlorade han sin far och studerade till optiker-mekaniker. 1841 köpte han en camera obscura i Leipzig och, efter att självständigt ha bemästrat daguerreotypien, gick han in på en professionell porträttmålares väg, full av kommersiella risker och konkurrens. År 1843 producerade den nykonverterade konstnären daguerreotypiporträtt av hertig Leopold av Dessausses och hans familj. Samma år, efter att ha fått ett brev till den ryska kejsarinnan, anlände den 24-årige saxen till St. Petersburg. Han blev snart en av de bästa daguerreotypisterna i huvudstaden, och 1847, tidigare än de flesta av hans kollegor, gav han upp daguerreotyping och gick över till lovande fotografisk teknik med Talbot-metoden. Genom att göra porträtt av representanter för de övre skikten av det ryska samhället, i början av 1850-talet. Mästerinnovatören tog en ledande plats i St. Petersburgs fotografiska värld. I mitten av 1850-talet, efter uppfinningen av kollodioteknik och den totala marschen av den så kallade. " visitkort", skilde han sig igen - han var den första i Ryssland att introducera fotolitografi, fotograferade de bästa representanterna för den ryska kulturen och distribuerade deras porträtt genom tidningar och konstsalonger. I St Petersburg var Doutendey gift två gånger. Hans första fru, efter att ha fött fyra döttrar, begick självmord. Hans andra fru, en Petersburgare, födde sin son här. År 1862 utvecklades familje- och affärsförhållandena på ett sådant sätt att fotografen tvingades lämna Ryssland och bosätta sig i Bayern, i Würzburg, där nya upp- och nedgångar väntade honom. Här, efter att ha startat verksamheten från grunden och kallat sig "fotograf från St. Petersburg", blev han återigen en ledande porträttmålare och en rik man. Under den tyska perioden av hans liv dog hans andra hustru, som födde honom ytterligare en son, i en obotlig sjukdom, hans förstfödde begick självmord, och hans yngste son, som blankt vägrade fortsätta sin fars arbete, blev, som redan nämnts, en poet och konstnär. 
Kitaevs bok "St. Petersburg Light in the Photographs of Karl Dautenday" är mer än bara en biografi om en av de första fotograferna som arbetade i det kejserliga Rysslands huvudstad. Författaren, som fördjupar läsaren i den sociala atmosfären i Nikolaev och sedan S:t Petersburg efter reformen, talar i detalj om fotografiets början i Ryssland och Europa, visar både mästarens professionella miljö och den psykologiska miljön där pionjärer inom ljusmåleri var tvungna att verka. Boken är skriven i ett tydligt språk och vackert illustrerad med förstklassiga artefakter från tidig fotografering.
Karl Doutendeys storslagna verk förblev i glömska i mer än 150 år och firar nu sin sanna uppståndelse. Alexander Kitaevs bok belyser inte bara det fantastiska livet och det fotografiska arvet efter fotografiets pionjär, utan gör den också fascinerande intressant historia andra kulturen hälften av 1800-taletårhundrade.
Dmitry Severyukhin,
Doktor i konstvetenskap, professor
De var inte uttråkade
Kommentar av Alexander Kitaev
Från dagen för publiceringen 1839 började ljusmålning snabbt erövra världen. Fotografer, som är i hänsynslös och oupphörlig rörelse, klättrar nu uppför klippiga toppar, dyker nu ner i havets djup, i historiskt en kort tid erövrade jordklotet, varefter de rusade in i universums avgrund och började alltmer tränga in i mänskliga själars kosmos. Återutsänds i mer än två århundraden i rad av tidskrifter och tidningar - "Fotografi har i dag nått enastående perfektion" - är en oförminskad kliché av rubrikerna på rapporter om dess militära operationer. Denna attack av fotografer på alla fronter, på alla områden mänsklig aktivitet, på grunderna för universum som har utvecklats under århundraden, åtföljdes (och åtföljs) av kontinuerlig modernisering och förbättring av ljusmålningsverktyg, vilket multiplicerade arsenalen av politiker och biktfader, vetenskapsmän och konstnärer, krigare och civila. Men även idag är början på denna storslagna omfattande invasion fortfarande dåligt förstådd. Trots Benjamins långvariga uttalande – "Dimman som höljer fotografiets ursprung är inte så tjock...", förblir försöken att röra vid våren helt rudimentära, och som en konsekvens är idag många avantgardefigurer från fotografiets pionjärer är knappt synliga genom tjockleken av skoningslösa år. Det finns många anledningar till detta, och det är inte nödvändigt att lista dem här, men det är viktigt att notera att förkastandet av den nya konstens tekniska natur spelade ett grymt skämt för mänskligheten: i mer än ett sekel den mest pålitliga tillflyktsort för inkunabel tidiga år fotografier fanns bara kvar i lättillgängliga registerskåp och familjealbum. Naturligtvis var effekten av ljusmålning inte lika uppenbar och synlig som ångmaskinen, byggandet av järnvägar, införandet av elektricitet och flygteknik, utan av alla tekniska innovationer som genererades under "järnåldern" och fantastiska samtida, bara fotografi hade en chans att få status som en annan musa och gå med i deras runddans. Men så blev det inte. 
"Fotografi befriade måleriet från tråkigt arbete, särskilt från familjeporträtt," sa Auguste Renoir, efter att ha gjort karriär som sekulär porträttmålare. Det var just detta, enligt den framstående impressionistiska, sorgliga arbetet som blev rollen som Doutendey och de flesta av de första ljusmåleriproffsen. De var inte uttråkade, och bara under det första halvseklet av fotografiets existens fyllde "solens ledare" familjealbum med så många intryck som inte skulle ha gjorts av alla renoirer från alla världens länder tillsammans . Miljontals jordbor dök villigt upp framför deras ljusmålningsprojektiler och bevarade deras autentiska utseende för eftervärlden. Samtidigt var det fotografiska porträttets inträde i vardagen, i vardagen (området för konst är tabu!) var långt ifrån fredligt och orsakade ibland allvarligt avslag av många intellektuella. Under andra hälften av 1800-talet blev "en ny sorts målning" utskälld och förnedrad, men det finns inte en enda belackare som inte skulle komma till fotografen för att ta ett porträtt av sig själv och sedan stolt skicka ut det till vänner och släktingar. Och ändå, eftersom "människor gjorde solen - skönhet och drivkraft universum - att vara en målare" (Bulgarin), på grund av skönhetskännares arrogans och känslomässiga försumlighet har otaliga värdefulla "fotografier från livet" försvunnit. På kort tid med historiska mått mätt har kanske mycket fler ljusmålningsverk gått förlorade än något annat kulturminne från krig och revolutioner, bränder, översvämningar och andra naturkatastrofer och katastrofer som orsakats av människor.
Det råder ingen tvekan om att Karl Doutendey är en av dem nyckelfigurer V fotografier XIXårhundradet, och att studera hans liv och yrkesväg är av yttersta vikt för att förstå de processer som pågår vid den tiden i samhället och inom fotografiet. Mästaren stod vid ursprunget till människosläktets numera favorittyp av aktivitet och levde med fotografi, multiplicera och förbättra den, i mer än ett halvt sekel. Under sträckan de reste tillsammans utvecklades ljusmålning från en silvertavla på vilken Daguerre fick en solstråle att fånga den synliga världen, till Doutendeys klient Conrad Roentgens upptäckt av okända strålar som kan rita det osynliga på en ljuskänslig fotografisk glasplatta. 1 Men den stora majoriteten av intrycken som skapats av Doutendey har gått förlorade idag, och de överlevande bråkar olika länder. (Det senare är dock inte deprimerande, eftersom internationalism är ett generiskt inslag i fotografiet.) I en sådan utgångssituation började arbetet med att återskapa pionjärens biografi. 
Det tryck som den praktiske Karl Doutendey utövade på sin romantiska avkomma visade sig vara så kraftfullt att han följde med den "förlorade sonen" i världsresor, förföljt honom i många år. Kanske avtog spänningen först när boken "The Spirit of My Father" publicerades ur den inte längre unge och berömda författaren Max Doutendeys penna. I den återgav Maximilian tydligt och talangfullt sin fars berättelser från barndomen om hans första experiment inom fotografi, de skrapsår han upplevde i Ryssland och hans passionerade men meningslösa önskan att överföra sitt livsverk i sin sons händer, med undantag för sina favorit vandringsrim. Förutom denna ovärderliga källa är vi skyldiga författaren ytterligare en skatt: efter att ha tillbringat sitt liv i ständiga vandringar lyckades han på något mirakulöst sätt bevara sin fars arkiv, varav en del senare hamnade i Würzburgs kommunala arkiv som en del av ”författaren Max Doutendey-fonden.”2 Samlingar av familjefotografiska porträtt under deras första ägares jordiska liv, liksom under den första generationens arvingars liv, väckte för övrigt inget allmänt intresse och tjänade uteslutande som familjeminne. (Och detta är deras skillnad från ett bildporträtt.) Bara under det turbulenta 1900-talet för Europa, med barnbarn och barnbarnsbarn, många familjearkiv ofrivilligt hamnat i museisamlingar, och då endast som hjälpnytta, belysande material för vissa studier inom den materiella kulturens område.
Och här är det omöjligt att inte uppmärksamma skillnaden mellan familjealbumet för en vanlig klient och fotografens eget arkiv. I båda: ansikten som är kära i hjärtat, men om det i det första finns färdiga och betalda exempel på någon annans arbete, så är det annorlunda i deras författare-utförare. Varje fotograf vet att bilder tagna "för sig själv" och "för sin egen", och inte för en nyckfull kund, är den säkraste nyckeln till att förstå en kollegas ambitioner, uppdrag och arbetsmetoder. Vem, om inte de närmaste släktingarna och vännerna, kan med tillbörlig ödmjukhet och förståelse tålmodigt uthärda en ljusmålares övningar som behärskar innovationer? Vem annars om inte de, som förvandlas till uppgivna statister, blir de första modellerna av konstnären som söker perfektion, deltagare i hans ändlösa experiment, hans riskfyllda experiment, under vilka porträttmålaren, när han går ut i det okända utan rädsla för att misslyckas, kan prova ny optik , testa fotografiskt material, sätta upp tveksamt ljus, öva på nya poser, kompositionstekniker, etc., etc.? Doutendey, precis som många fotografer av alla framtida generationer, finslipade sina färdigheter genom att fotografera nära och kära, och lyckligtvis hade vi en hel del sådana fotografier till vårt förfogande. Jag borde inte gå in på en konsthistorisk analys, och Doutendey kallade sig aldrig konstnär, men det är häpnadsväckande hur graciöst hans fotografier med sina döttrar, sina söner och andra släktingar är uppbyggda, hur exakta och avslappnade många av hans singelporträtt är. - allt detta är tecken på inte bara hög skicklighet och en välutvecklad känsla för skönhet, utan också ovillkorlig talang.
Utan att göra anspråk på att vara en fullständig översikt över alla bevarade verk av Karl Doutendey, försökte författaren endast identifiera fotografier som avslöjar och förklarar huvudstadierna yrkesverksamhet mästare och milstolpar i utvecklingen av ett en gång nytt yrke - fotografi. Huruvida detta lyckades får läsaren att bedöma.
A. Kitaev
Källa http://www.photographer.ru/events/review/6900.htm
Bilder på Alexander Kitaev kan ses här
Alexander KitaevFotograf, curator, fotohistoriker. Född 1952 i Leningrad. Medlem av Union of Photographers of Russia (1992), Union of Artists of Russia (1994). 1977 tog han examen från fakulteten för fotojournalister vid City University of Work Correspondents vid Leningrad House of Journalists. Han var medlem i amatörfotoföreningar: fotoklubbarna VDK, "Friendship" (1972-1982); "Mirror" (1987-1988). Arbetade som fotograf på ett varvsföretag (1978-1999). Medlem av organisationsrådet för festivalen "Traditionellt höstfotomaraton" (1998-2003). Frilansande artist sedan 1999. År 2000 organiserade han förlaget Art-Tema, som specialiserat sig på att publicera publikationer om fotografi (art director, 2000-2001). Redaktör för avsnittet "Art Attic" i onlinetidningen Peter-club (2000-2001). Art director för Raskolnikov fotogalleri (2004-2005). Författare till mer än sjuttio personliga utställningar i Ryssland, England, Tyskland, Holland, Grekland, Italien, Schweiz, deltagare i mer än 150 grupputställningar. Från 1996 till 2010 som curator genomförde han arton utställningsprojekt. Författare till texter om fotografiets historia, författare och sammanställare av ett antal album och böcker. Fellow i stadshuset i Paris (2006).
Verken förvaras i Statens ryska museum, St. Petersburg; Ryska nationalbiblioteket, St. Petersburg; St Petersburgs statliga museum för historia; Yaroslavls konstmuseum; Museum "Moscow House of Photography"; Moskvas museum för modern konst; Statens ryska fotografimuseum, Nizhny Novgorod; Museum för fotografiska samlingar, Moskva; Museum of Nonconformist Art, St Petersburg; State Center of Photography (ROSPHOTO), St Petersburg; Fotografiskt museum "Metenkov House", Jekaterinburg; Litteratur- och minnesmuseet F.M. Dostojevskij, St Petersburg; Museum för institutet för rysk litteratur (Pushkinhuset), St. Petersburg; St Petersburg State Museum of Musical and Theatre Arts, St Petersburg; Museum "House of V.V. Nabokov", St. Petersburg. Verken ingår i samlingarna av: Free Culture Foundation, St. Petersburg; Stiftelsen för historisk fotografi uppkallad efter. Karla Bulla, St Petersburg; Ruarts Foundation, Moskva; Museum of the History of Photography, St. Petersburg; Museum för organisk kultur, Kolomna; Lumiere Brothers Center for Photography, Moskva; Harry Ranson Center for Humanities Research, Austin, Texas, USA; E. Yu Andreeva, St. Petersburg; V. N. Valrana, St. Petersburg; Gallerier "Artnasos", St. Petersburg; Gisich Galleries, St. Petersburg; M. I. Golosovsky, Krasnogorsk; A. V. Loginova, Moskva; O. I. Plyushkova, Sankt Petersburg; Luke & A Gallery of Modern Art, London; Navigator Foundation, Boston, USA; Norton och Nancy Dodge Collection, USA; Jane Voorhees Zimmerli konstmuseum, Rutgers; Staten University of New Jersey, New Brunswick, NJ, USA; Mendi Kaszier Foundation, Antwerpen, Belgien; Jean Olaniszyn Collection, Losone, Svizzera; M. Redaelli & P. Todorovch, Sorengo, Svizzera; Rysk konstsamling Gianni Foraboschi, Milano, Italien; Mark Faist, Houston, TX, USA; Locarno Cultural Center "Rivellino LDV", Svizzera, etc.
Gav föreläsningar om fotografiets historia och teori och genomförde mästerkurser vid Statens museum för historia i St. Petersburg; Statens ryska fotografimuseum (Nizjnij Novgorod); Fotografiskt museum "Metenkov House" (Ekaterinburg); Ungdomsutbildningscentrum i staten Eremitaget; Museum of the History of Photography (St. Petersburg); Museum för fotografihistoria (Kolomna); Baltic Photo School (S:t Petersburg); Foundation "Petersburg Photo Workshops" (St Petersburg); Skolan för bildkonst (Moskva); Kaliningrads fotografförbund; State Center of Photography ROSPHOTO (St Petersburg); Leica Akademie (Moskva), etc.
Op.:
Välsignelse / inst. Konst. I. Chmyreva. St Petersburg, 2000
Ofrivillig landskapslinje / upprätt. Konst. V. Savchuk. St Petersburg, 2000
Still-ljus / infälld Konst. I. Chmyreva. St Petersburg, 2000
Fotografisk tid av Karl Bulla / St. Petersburg. 1903 i fotografier av K.K. Bulls: katalog, 2003
Vasily Sokornov. Specialitet: utsikt över Krim / Vasily Sokornov. Typer av Krim: katalog. St Petersburg, 2005
Levande varelser i ljusmålningsrepresentation / Ellipsis. Om fotografiets historia. Album. St Petersburg, 2005
St. Petersburgs första ljusmålare / Ivan Bianki – St. Petersburgs första ljusmålare: katalog. St Petersburg, 2005
Livsbejakande genre / Naken. Album. St Petersburg, 2006
Subjektiv. Fotograf om fotografi. St Petersburg, 2006
Om fotografi, S:t Petersburg och sekelskiftet / Boris Smelov. Retrospektiv: State Universitys katalog, 2009
Genre: Petersburg. Album. St Petersburg, 2011
Subjektivt om fotografer. Brev. St Petersburg, 2013
St Petersburg expedition av Ivan Bianki / Ryska världen: almanacka. St Petersburg, 2014
St. Petersburg i verk av tyska fotografer från 1800-talet: katalog. St Petersburg, 2014
Petersburg av Ivan Bianchi. Poste restante. St Petersburg, 2015
Belyst.:
Photopostscriptum: katalog / emb. Konst. A. Borovsky, St. Petersburg, 1993
Självidentifiering. Befattningar i St. Petersburg konst från 1970 till idag. Berlin, 1994
Die neue russische Fotografie: Catalogue. Leverkusen, Tyskland, 1998
Ryska museet presenterar: Abstraktion i Ryssland. XX-talet / Almanacka. Vol. 17. Kamrem. St Petersburg, 2001
Savchuk V. Konvertering av konst. St Petersburg, 2001
Fotografi av den post-erotiska eran / Ontologi av möjliga världar / material vetenskaplig konferens under. ed. BI. Lipsky. St Petersburg, 2001
Black & White Petersburg 1703-2003: Katalog. St. Petersburg, 2002
Naken i den post-erotiska tidsåldern. Das rigorose Glück. Erste Annaerung. HRg. Bernd Ternes und dem RG-Verein. Marburg, 2002
St. Petersburg i svartvitt. Ryska statens museum, Palace Editions, 2003
Valran V.N. Leningrads tunnelbana: målning, fotografi, rockmusik. St Petersburg, 2003
Två vatten. Sankt Petersburg. Album. St Petersburg, 2003
Ryska museet presenterar: Svartvitt Petersburg / Almanacka. Vol. 45. Kamrem. St Petersburg, 2003
Ryska museet presenterar: Kejsar Paul I. Den nuvarande bilden av det förflutna / Almanacka. Vol. 100. Kamrem. St Petersburg, 2004
Savchuk V. Filosofi för fotografi. St Petersburg, 2005
Stigneev V. T. Århundrade av fotografi. 1894-1994. Essäer om historien om rysk fotografi. M., 2005
Nakenhet. Ny rysk fotografering. Album. Klin, 2006
Fotostafettlopp från Rodchenko till idag. Sidor från historien om sovjetisk och modern rysk fotografi. M., 2006
Podolsky N. Homo foton. Alexander Kitaev / Bakom linsen. Essä om S:t Petersburgs fotografer och fotografi. SPb.-M, 2008
Utpost. Fotoalbum. M, 2012
Fotofest 2012 biennal. Finstilta auktion. Houston, Texas, USA
Podolsky N. Konstnärens gen i fotografisk verklighet. Essä om konstfotografi. St Petersburg, 2013
Vasiliev S. Yrke-fotograf. Tjeljabinsk, 2014
Sköna konster i St. Petersburg. M, 2014
Utställningen av Alexander Kitaev på Lumiere Brothers Center for Photography blev en riktig händelse i huvudstadens kulturliv. Kitaev är en av de ledande fotograferna i St. Petersburg, en arrangör och curator för många projekt och på senare tid en fotografihistoriker. I historien om fotografiska bilder av S:t Petersburg från tiden för Ivan Bianchi till idag tar han utan tvekan sin plats genom att skapa en unik bild av STADEN. Kitaevs huvud- och favorittema, St. Petersburg, presenteras i så stor skala för första gången. Utställningen omfattar 130 originalverk skapade under ett kvarts sekel.
Alexander Kitaev från intervjuer genom åren:
"Det finns ett sådant koncept - en "flermaskinsoperatör", det vill säga en person som äger flera arbetsspecialiteter. Inom fotografering är jag en sådan "multi-pall operatör."
"Mitt professionella credo har utvecklats genom många års erfarenhet: "Gör aldrig det som efterfrågas idag." Att arbeta med dagens ämne uppfattas av mig som en order, som våld mot fri kreativitet, som bara ska svara på själens inre rörelser.”
"I ett vackert ögonblick insåg jag att fotografi hade absorberat allt annat i mig, att mitt blod, förutom röda och vita blodpartiklar, även innehöll ljuskänsliga silverhalider, och utan deras ständiga avkänning var jag inte livskraftig, att fotografering hade blivit mitt sätt att leva, sätt att uppfatta och kommunicera. Detta hände runt 1987."
"Kameran ska bli en förlängning av handen och frigöra huvudet för att vara helt nedsänkt i att skapa bilden."
"... St. Petersburg är tidlös för mig, och jag försöker förmedla den oföränderliga andliga kärnan i denna stad som en personlighet. Hon är motsägelsefull, denna personlighet.”
"Porträttet kommer aldrig att försvinna, eftersom varje person på denna planet är intresserad i första hand av sig själv, av sig själv i de föreslagna eller antagna omständigheterna. En annan sak är att ett porträtt inte lämpar sig för de sofistikerade intellektuella och formella postmodernistiska spel som råder i dagens konst. Det är nu viktigt för många artister att ropa "jag!!!" så högt som möjligt. Och det spelar ingen roll för honom om det finns ett eko. Och i ett porträtt kommer konstnären alltid i andra hand, karaktären kommer först. Och porträttet är adresserat till åtminstone morgondagen. Och ett porträtt förutsätter åtminstone behärskning av hantverk och skola. Men för samtidskonsten är inte allt detta "relevant". Det är därför många konstnärer idag inte gör porträtt. Jag är i bakkanten. För mig är "relevans" i förhållande till konst ett smutsigt ord."
Alexander Kitaev Foto av Stanislav Chabutkin.
— Alexander, in senaste åren Du har kraftigt minskat din utställningsaktivitet, dina personliga utställningar har blivit lika sällsynta som en semester. Vad betydde den här utställningen för dig?
— Det fanns faktiskt en tid då jag årligen höll flera personliga utställningar, för att inte tala om att delta i dussintals grupputställningar. Jag sköt mycket, jag tryckte mycket och jag ville att folk skulle se frukterna av mitt arbete. Nu engagerar jag mig allt mer i fotografiets historia och undervisning. Det blir mindre och mindre tid att organisera våra egna utställningar. Men om jag blir erbjuden att göra en utställning och villkoren verkar acceptabla för mig så håller jag med. Den aktuella utställningen består av flera serier och cykler av fotografier som skapats tidigare. Var och en av dessa serier var till viss del ett skede i mitt liv, men de ställdes aldrig ut tillsammans. Det är osannolikt att utställningen kan beskrivas som en sammanfattning, utan snarare en retrospektiv.
— Du är naturligtvis en av de mest kända ryska fotograferna. Är en sådan popularitet trevlig, och hur lever man med den?
— Termen "berömd" är knappast tillämplig på en fotograf. Den bakom objektivet visar sig sällan vara mer känd än de framför objektivet. Kanske är detta yrkets detaljer. Hur kan vi inte komma ihåg arkitekterna? Deras konstverk är ständigt framför våra ögon, vi alla beundrar och beundrar dem, men få människor kommer ihåg ansiktena, såväl som namnen på skaparna. Det är samma sak med fotografer: de lyser upp och helgar världen, men de själva stannar nästan alltid i skuggan. Så vi kan bara tala om mycket begränsad berömmelse, det vill säga om berömmelse i en viss krets av människor som på grund av sin yrkesverksamhet på ett eller annat sätt är kopplade till "konsumtionen" av fotografi.
Att jag, som du uttrycker det, är ”känd” (i en viss krets) har enligt mig två helt objektiva skäl. Jag har hållit på med fotografering väldigt länge, och under den här tiden har det skett ett naturligt generationsskifte. Och i vilket samhälle eller yrke som helst måste det alltid finnas någon form av auktoritativ äldre. Just nu visar det sig att det är jag. Så det handlar inte om några speciella talanger hos mig, utan jag behöll helt enkelt den ursprungliga kreativa impulsen och känslan av mig själv, författaren, som en liten länk i ett oändligt fotografiskt stafettlopp. Nåväl, en annan aspekt är också relaterad till tid. Ungefär från början av XXIårhundradet, med tillkomsten av ny fotografisk teknik, tog miljontals människor runt om i världen fotografering. Många av dem vill förbättra sin hobby och letar efter vem de ska lära sig av, vem de ska följa. Många gillar mina fotografier - det är där lagen kommer ifrån stora nummer, och min berömmelse.
Tja, när det gäller "trevlighet" och "hur livet är", så finns det två sidor, precis som vilket mynt som helst. Eftersom jag är i allmänhetens ögon måste jag titta på många fotografier, oftast dåliga. Och inte bara titta, utan säg något om dem, förklara dem, för de kommer till mig för råd, för hjälp, för en bedömning. Detta tröttar ut och mattar ögat. Samtidigt gör min popularitet att jag kan lösa många problem med mindre ansträngning och energi. Oavsett om det handlar om att handla med köpare eller att förhandla med tjänstemän för att anordna utställningar.
— Hur odlar man en konstnär i sig själv?
— Mycket beror på utgångsvillkoren: familj, umgängeskrets, födelseort etc. Jag föddes, som man säger, i en ”enkel” familj. Mina föräldrar är bondebarn. Hans pappa blev bilmekaniker och hans mamma blev sjuksköterska. Så umgängeskretsen bland släktingar var inte särskilt främjande för kreativiteten. Men de lärde mig hårt arbete. I min ungdom, förutom att fotografera, behärskade jag många hantverk. Att arbeta dumt, mekaniskt var alltid ointressant för mig, och i varje hantverk uppfann jag något och visade ett kreativt förhållningssätt. När fotografiet började ta första platsen i mitt liv insåg jag att utan att ändra min umgängeskrets (och jag arbetade som mekaniker på en fabrik) kunde jag inte behärska konst, inte hantverk, på egen hand. Sedan, i början av 1970-talet, gick jag med i en av de bästa fotoklubbarna i landet under de åren - klubben i Viborgs kulturpalats (VDK). Detta var det första steget. Senare, när jag redan arbetade som fotograf-hantverkare på en fabrik, tillbringade jag mycket tid och engagerade mig ihärdigt med humanitär självutbildning. Ett steg till: 1987 blev jag medlem i fotoklubben Zerkalo, där den kreativa atmosfären då var i full gång. Nåväl, då hade jag tur: jag träffade och blev vän med den underbara artisten och polymaten Pavel Potekhin. Det var han som avslutade min konstnärliga utbildning.
Jag är övertygad om att titeln konstnär inte kan vara en självbeteckning. Vid alla tidpunkter och i alla generationer av fotografer har det funnits mästare vars verk fallit utanför det allmänna sortimentet. För att på något sätt markera, markera dem från total massa, samtida kallade dem konstnärer. Jag har redan sagt någonstans att när jag började ha utställningar och jag hörde från besökare i min riktning: här är han, en konstnär, jag såg mig nervöst omkring och sökte med ögonen: vem handlar det om? Det visade sig att det handlade om mig. Det var väldigt ovanligt. Nu är den här titeln ganska komprometterad. Många universitet och andra utbildningsanstalter konstnärer utbildas samtidigt som ingenjörer och lärare gymnasium. Och många som tar upp en kamera beställer genast ett visitkort som säger att dess ägare är en fotograf-konstnär. På något sätt vill jag inte gå med i de här leden. Jag har en känsla av att saker och ting inte är sig likt nuförtiden. I begreppet "fotograf-konstnär" finns det ingen mer meningän i uttrycket "spårvagnspassagerare".
— För att fotografera S:t Petersburg så gripande måste man känna och känna det väl. Hur bildades din vision av staden?
– Hur bildades den? Jag ska försöka berätta för dig, men tro inte att detta var någon sorts medveten uppgift som ställdes på mig själv i min ungdom. Allt hände på något sätt av sig självt. Jag har alltid läst mycket, och stora poeter och författare har skapat många verk om S:t Petersburg som ingår i världslitteraturens skattkammare. När jag mötte min blick med ett eller annat S:t Petersburg-ämne - ett torg, gata, byggnad etc., visste jag redan något om dem från litteraturen. Men jag har alltid velat veta mer - biografin om ämnet som intresserade mig: vilka var föräldrarna, när föddes han, vad var klockan? För att tillfredsställa denna nyfikenhet var det nödvändigt att studera S:t Petersburgs historia och på grund av denna historia i allmänhet; historien om S:t Petersburgs arkitektur och arkitektur i allmänhet; biografier om skapare och kända invånare, och därav geografi. Separat, ikonografin av St. Petersburg, och därav historien bild och form. Det finns ett helt komplex här, det är omöjligt att lista allt. För mig är en sak säker: Staden har format mig och min vision. Kanske valde han det för något. Och jag står i hans skuld. Jag vet inte hur det gick till, men till skillnad från många av mina landsmän går jag inte till barrikaderna i kampen mot den eller den innovationen i St. Petersburg. Jag vet att "genius loci" kommer att klara av allt som inte behagar honom, och Gud kommer att hantera resten. Det verkar för mig att jag har bott i den här staden i mer än trehundra år och jag vet att inga taktiska ingrepp kan ändra dess strategi. Det är han, Staden, som äger oss, inte vi som äger den!
När jag intog min stad tänkte jag inte på att sälja mina bilder och fotograferade nästan aldrig på beställning. Jag var alltid kunden själv. Och han tjänade sitt levebröd och sin kreativitet genom annan, tillämpad fotografering. Jag tror att detta satt sina spår på mina fotografier.
— Kan du nämna fotografierna som konstnären Alexander Kitaev verkligen började från?
— Du vet att jag jobbar inom olika genrer, eller hur? Så jag minns fotografiet mycket väl, varefter jag sa till mig själv: nu kan du fotografera St. Petersburg. Det vill säga, jag insåg att jag lyckades förkroppsliga känslan av Sankt Petersburg som levde i mig i ett ark med en bild. Detta hände runt 1982, efter mer än tio års fotografering. Sedan kände jag inom mig själv - och de runt omkring mig hade ännu inte sett detta - att det som kritiker senare började kalla "Kitaevsky Petersburg" började dyka upp. Samma sak hände i andra genrer. Förutom att när jag började fotografera (cirka 1989) började jag genast göra något väsentligt annorlunda än vad som gjordes i den här genren av mina föregångare.
Joseph Brodsky förklarade en gång för eleverna att en poets verk alltid är arbete i utveckling, urval och att poeten på något sätt är Herkules. Hans bedrifter är hans dikter. Det är omöjligt att förstå vad Hercules är från ett arbete, två eller tre. Hercules är hela tolv. Så här är det i fotografering: från ett fotografi är det omöjligt att beräkna vare sig början på vägen eller fotografens skala. Och det är inte en herkulisk sak att kalla dina handlingar bedrifter...
— Är din oklanderliga förmåga att komposition en medfödd känsla eller resultatet av arbete och många års erfarenhet?
– Varken det ena eller det andra. Här håller jag med Thomas Mann: "den färdighet som du känner ett inre behov av förvärvas ganska snabbt."
Att ta ett fotografi innebär att bombardera en emulsion (eller matris) med fotoner. Denna bombning är inte alltid riktad. Men du måste göra det åtminstone i bulk. För att inte komma in i mjölken måste du förvärva färdigheten att behärska kompositionen. Kanske S:t Petersburgs invånare lär sig denna färdighet snabbare och lättare. Invånarna i Nevadeltat är omgivna av ett fantastiskt harmoniskt utrymme skapat av förstklassiga arkitekter. Allt detta från barndomen uppfostrar ögat. Allt som återstår är att ta vara på frukterna av denna utbildning och bli bättre på den.
Jag måste notera att de så kallade kompositionslagarna inte är något som upptäckts en gång för alla, studerat och rekommenderat för oumbärlig tillämpning, vilket garanterar framgång. Det mänskliga ögat blir mer och mer beväpnat, och de klassiska termerna för kompositionslagarna formulerades redan i de sköna konsternas barndom, vid tiden för deras ganska enkla verktyg. "Tonalt och linjärt perspektiv", "rytm", "plottkompositionellt centrum", "mångfald" etc. - ingen har avbrutit detta. En modern konstnär använder dock en lins med ultravidvinkel eller ultralång fokus, fotograferar på infraröd film eller tittar in i det osynliga med hjälp av röntgenstrålar, etc. Allt detta bryter de vanliga idéerna om rymd och motiv. , som uppmuntrar oss att tänka kreativt om reglerna för komposition och anpassa dem till den moderna synen på människan. Enligt min mening uppstår alltid kompositionslagarna efter att arbetet har ägt rum. En konstnär, inte genom att läsa en lärobok, utan genom att lyssna på något från ovan, skapar ett perfekt verk. En teoretiker kommer, bryter ner bilden i dess komponenter, väger, rör, mäter dem och lägger allt på hyllorna. Sedan skriver han recept för att skaffa mästerverk.
— Är den ständiga strävan efter perfektion en strävan efter något omöjligt och ouppnåeligt?
- Inte riktigt! Bara önskan att uppnå maximalt möjligt. En viss stämgaffel låter inom mig som lyssnar som jag förstår om jag har uppnått det eller inte. Här, som i all kreativitet, finns det två aspekter: tekniken och själva konsten.
Rent teknikmässigt är det så. Du vet att jag fortfarande jobbar med silverteknik, eller hur? Och det, till skillnad från digitalt, digitalt, låter dig inte ta ett steg tillbaka. Hela den silverfotografiska tekniska processen, med sin obligatoriska flerstegs- och icke-omedelbara bildbehandlingscykel, sätter en viss livsrytm. Silverfilmen på 35 mm är bara cirka sextiofem meter lång. Men varje gång du har att göra med henne, knäböjer du framför henne. Den måste vara korrekt exponerad och du kan inte "rengöra" filmen och exponera den igen. Man kan inte utveckla och inte fixa, fixa och inte skölja, skölja och inte torka etc. Detta disciplinerar. Detta tvingar, tvingar oss att bara gå framåt, mot ett idealiskt, perfekt negativt - trots allt måste vi i det andra skedet skapa ett lika perfekt positivt avtryck. Och även här finns det en hel del finesser, ansvar och fallgropar. Här är ett exempel. Att arbeta med naturpapper kräver alltid två händer. Det vet varje grafiker. Det var grafiken som alltid kändes, och jag fick lära mig att känna, papper, dess struktur och täthet, dess beteende i längsgående och tvärgående riktningar. Vi har alltid uppskattat taktil kommunikation med henne. Och hur den vårdslösa hanteringen av arbetet på papper förolämpade dem, och sedan mig! En viss köpare kommer och tar arket med en hand - det är det, vecket är garanterat! Jag pratar inte ens om fingeravtryck... Du kan direkt se: framför dig står en amatör med en ficka full av cirkulationspapper.
Detta är en sida av saken. En annan är att en fotograf som strävar efter att vara kreativ ständigt måste klämma laboratorieassistenten ur sig själv droppvis. Åh, hur många av mina kollegor tror att ett idealiskt tryck är ett fotokonstverk, som helt glömmer bort att ett verk inte så mycket är en produkt som ett budskap. Bildproduktionstekniken är så bra idag att vi är helt omgivna av tekniskt kompetenta fotografiska bilder. Men om de avbildar eller reflekterar något, så är det för det mesta skaparens ganska primitiva inre värld. Och de ger ingenting till vare sig själen eller hjärtat hos en sofistikerad tittare. Här ska jag återigen tillåta mig att citera Brodsky: ”Ett av de största problemen som en poet står inför idag, vare sig den är modern eller inte, är att poesin som föregick honom – med andra ord arvet – är så omfattande att tvivel helt enkelt uppstår. kan du lägga till något till det, modifiera dina föregångare eller förbli dig själv. ...Att tro att man kan säga något kvalitativt nytt efter personer som Tsvetaeva, Akhmatova, Auden, Pasternak, Mandelstam, Frost, Eliot... betyder att vara en väldigt självsäker eller en väldigt okunnig typ. Jag skulle placera mig i den senare kategorin. När du först börjar skriva vet du lite om vad som kom före dig. Först mitt i livet får du denna kunskap, och den böjer dig till marken eller hypnotiserar.”
— När du utvärderar ditt eget arbete, litar du bara på dig själv?
"De senaste åren har jag försökt att bara lyssna på mig själv. Jag har redan pratat om den inre stämgaffeln. Det finns få hits unisont med mig, men jag vill inte dansa till någon annans melodi. Jag vet inte ens vad mer jag kan lägga till här.
Men du behöver inte alltid bara lyssna på dig själv. Jag ska berätta den här historien. När jag var fotograf på ett varv irriterades jag över produktionsuppdrag som tvingade mig att producera upplagor av tillämpad fotografi på ädelsilverfotografipapper. Det verkade för mig att jag kunde använda varje sådant ark mer användbart: skriva ut något på det konstverk, eller till och med "oförgängliga". Det var särskilt irriterande när det rörde sig om kopior av elektriska kretsar av en eller annan anordning av en ubåt eller ytfartyg. Det fanns trots allt redan ritningsutrustning och en kopiator - snabbare och billigare. Men nej! Sjömännens krav var oföränderliga: bara silvertryck! Jag började titta på det, och det visade sig att i en aggressiv miljö är det bara gammal god silverteknik som bevarar bilden och hjälper därigenom besättningen i nöd att fly. När det gäller människors överlevnad i extrema situationer, hur kan du argumentera? Vilka är mina konstnärliga ambitioner jämfört med människors liv?
— Hur var dina relationer med dina kollegor, fanns det en önskan att få deras erkännande?
– I olika skeden på olika sätt. En gång i tiden var det ärligt talat såklart viktigt att få erkännande från kollegorna. Och det är varför. Historiker från sovjettiden skrev till exempel om fotograferna från det förrevolutionära Ryssland så här: "Dmitrievs kreativitet utvecklades under de svåra förhållandena under tsartiden." Nu säger man ofta att den och den växte upp under Sovjetunionens outhärdliga förhållanden. För fotografer förvärrades "tillståndens svårighetsgrad" av sovjetiska institutioners absoluta icke-erkännande av fotografering bland konsterna. Men vi, fotografer, tänkte annorlunda! Dessutom arbetade vi i ett informationsvakuum och kände till och såg väldigt lite av våra utländska kollegors arbete, både föregångare och samtida. Så vi fick lära oss mest av varandra. Det fanns inga andra specialister! Detta är ett inslag i det inhemska fotografiska samhället. Jag minns hur en ström av gallerister, curatorer och konsthistoriker efter Perestrojkan vällde in i vårt land från väst, som försökte få reda på något av sina ryska kollegor om vår moderna fotokonst. De blev förstummade: "Vad? Foto? Finns det verkligen sådana artister? Det vill säga, fotografering, som sex, kunde inte existera i det sovjetiska landet...
Sedan kom olika tider och olika relationer. På något sätt, obemärkt, kom ett erkännande från mina kollegor till mig. Jag vet från mig själv hur svårt det är att upprätthålla renheten i uppfattningen och uppskattningen av arbetet från långvariga vänner och bekanta. Jag vill ha lite distans. Då är det åtminstone lite likt perception i absolut värde.
Den ikoniska fotografen, curatorn och historikern för rysk fotografi i St. Petersburg Alexander Kitaev presenterade tre nya album.
Går längs Marlinskaya Alley
Albumet av den berömda fotografen, curatorn och fotografihistorikern Alexander Kitaev i St. Petersburg presenterar fotografiska bilder av Peterhof-parkerna, skapade 1993-1995. Boken vänder sig till ett brett spektrum av läsare som är intresserade av fotokonsten och kulturen i S:t Petersburg.
Alexander Kitaev - författare och deltagare i prestigefyllda utställningar av samtida fotografi som hålls i många länder runt om i världen. Författare till ett flertal publikationer och föreläsningar om fotografiets historia och teori, samt böcker: "Subjective" (2000); ”Subjektivt om fotografer. Bokstäver" (2013); "Petersburg av Ivan Bianchi. Poste restante" (2015).
Fotografier av Peterhof-cykeln har inkluderats i offentliga och privata samlingar i Ryssland och främmande länder, publicerades i ett antal album och böcker om samtidskonst, och ställdes även ut i personliga utställningar.
http://rostokbooks.ru/shop; [e-postskyddad]; tel. +7 921 9063507
Athos vintage
”Jag var en ortodox man och en rysk konstnär på berget Athos. Och bara...” – upprepar Alexander Kitaev efter den romantiska författaren Boris Zaitsev. Zaitsev, den största representanten för " Silveråldern"Rysk litteratur, besökte den tusen år gamla klosterstaten på berget Athos i Grekland 1927. Kitaev, en erkänd klassiker inom silverfotografi, efter att ha bestämt sig för att skapa ett autentiskt "porträtt" av samtida Athos, gjorde fem expeditionsresor till det heliga berget under andra hälften av 1990-talet. I den här utgåvan återges bara en liten del av Kitaevs Athonite-intryck, vilket tydligt visar författarens förmåga att förstå mysteriet med den bisarra symbiosen mellan natur och människa, samexisterande som jämlikar på en av de heligaste platserna i den ortodoxa världen.
Albumet är av intresse inte bara för älskare av fotografi, utan fungerar också som en unik källa för fans och forskare av den ortodoxa trons historia.
 |
 |
 |
För köpförfrågningar vänligen kontakta:
http://rostokbooks.ru/shop; [e-postskyddad]; tel. +7 921 9063507; +7 921 9655644
Patina. Gamla sommarträdgården
Albumet presenterar utsökta fotografiska bilder av Sommarträdgården, skapad av mästaren i början av 1980-1990-talet. Den högsta bildkulturen, karakteristisk för en av de mest berömda representanterna för den klassiska riktningen av St Petersburg School of Art Photography, gjorde det möjligt att skapa bilden av en gammal parkensemble, glorifierad av lysande ryska poeter under de senaste tre århundradena .
”Vi har nog sagt adjö till den gamla Sommarträdgården för alltid. Vår barndoms sommarträdgård, där de bleka bilderna av forntida gudar och nymfer verkade som snälla spöken gömda i tätheten av vild grönska eller i höstlövets våta guld. Goda spöken har lämnat oss, men idylliska minnesnoter kommer att finnas kvar i poetiska linjer och i fotografiets silverpatina”, skriver D. Severyukhin.
 |
 |
 |
Genom att släppa album i "Classics"-serien som är optimala i volym, kvalitet och pris, siktar förlagen på att introducera en enorm armé av amatörfotografer till verk som har blivit klassiker inom rysk fotografi.
Du kan köpa Alexander Kitaevs album på hyllorna på bokavdelningarna på ROSPHOTO, Borey-galleriet, ART-BOOK på Academy of Arts, Library of Science Academy och i bokhandlar i St. Petersburg, i Moskvas fotografihus. (Moskva, Ostozhenka, 16).
18 november School of Visual Arts (Moskva) bjuder in den berömda fotografen, curatorn och fotohistorikern Alexander KITAEV till en exklusiv föreläsning som en del av skolans nya sektion #PETERPHOTOFEST-2018. fortsättning*.
Ämnet för Alexander Kitaevs föreläsning: "FOTOMANI. Ett skifte från ett fashionabelt vardagsrum till en allmänning.
Börja på 15. 00
Vi kommer att lära oss om den fotografiska pandemin som bokstavligen uppslukade hela mänskligheten under det första århundradet av fotografins uppfinning och kommer att förstå den bokstavliga innebörden av orden: "fotomani", "kartomani", "albummani", vi kommer att bli förvånade över att det verkar vara en produkt av det 21:a århundradet "inget fotografi - ingen man" eller händelser" har sina rötter i 1800-talet.
Alexander KITAEV: "Ljusmåleriet, som visade ett stort löfte om att bli en ny konst, har ödmjukat sina ambitioner sedan 50-talet av 1800-talet och har, efter att ha börjat tjäna vanliga människors vardagliga behov, etablerat sig i titeln hantverk. Bredvid representanten för kyrkan som hade helgat familjeceremonier sedan urminnes tider reste sig en ny karaktär – en fotograf som bevakade dessa händelser. De kyrkliga riternas sakrament och mystiska ljusmålningar slogs samman i familjealbumet, vilket markerade början på att bygga sin egen genealogiska tradition, liknande släktträdet som tidigare ansågs vara adelns exklusiva privilegium. Där, som bevis på hans engagemang i politiska och offentligt liv länder, tillsammans med att illustrera stadierna familjeliv fotografier började porträtt av kändisar dyka upp sida vid sida. I fotografiets historia kallades detta fenomen "kartomani" eller med andra ord "albummani". Vilket dock inte förändrar essensen – passionerad insamling av fotografiska kort och placera dem i hemalbum har fått karaktären av en pandemi.”
