Arte decorative și aplicate din Japonia ▲. Tipuri japoneze de artizanat Care este numele artei decorative japoneze
Japonia este o țară uimitoare din est situată pe insule. Un alt nume pentru Japonia este Țara Soarelui Răsare. Clima blândă, caldă, umedă, lanțurile muntoase de vulcani și apele mării creează peisaje magnifice printre care cresc tinerii japonezi, ceea ce lasă, fără îndoială, amprenta artei acestui mic stat. Sunt oameni aici cu primii ani Se obișnuiesc cu frumusețea, iar florile proaspete, plantele ornamentale și grădinile mici cu un lac sunt un atribut al caselor lor. Toată lumea încearcă să organizeze o piesă pentru ei înșiși animale sălbatice. Ca toate naționalitățile orientale, japonezii au menținut o legătură cu natura, pe care au onorat-o și respectat-o de-a lungul secolelor civilizației lor.
Umidificarea aerului: spălatorul de aer „WINIX WSC-500” generează mici particule de apă. Moduri de funcționare ale mașinii de spălat Winix WSC-500: Spălatorul de aer „WINIX WSC-500” are un mod de funcționare automat convenabil. În același timp, se menține cea mai optimă și confortabilă umiditate din cameră - 50-60% și modul de purificare și ionizare a aerului cu plasmă („Plasma Wave™”) este activat implicit.
Arhitectura Japoniei
Multă vreme, Japonia a fost considerată o țară închisă, contactele au fost doar cu China și Coreea. Prin urmare, dezvoltarea lor a urmat propriul său drum special. Mai târziu, când diverse inovații au început să pătrundă pe teritoriul insulelor, japonezii le-au adaptat rapid pentru ei înșiși și le-au refăcut în felul lor. Stilul arhitectural japonez prezintă case cu acoperișuri masive curbate pentru a le proteja de ploaia abundentă constantă. Palatele imperiale cu grădini și pavilioane sunt o adevărată operă de artă.
Din locuri de cult, găsite în Japonia, putem evidenția temple șintoiste din lemn, pagode budiste și complexe de temple budiste care au supraviețuit până în zilele noastre, apărute într-o perioadă ulterioară a istoriei, când budismul a intrat în țară de pe continent și a fost declarat religie de stat. Clădirile din lemn, după cum știm, nu sunt durabile și vulnerabile, dar în Japonia se obișnuiește să se recreeze clădirile în forma lor originală, astfel încât chiar și după incendii acestea sunt reconstruite în aceeași formă în care au fost construite la acea vreme.
Sculptură japoneză
Budismul a avut o influență puternică asupra dezvoltării artei japoneze. Multe lucrări reprezintă imaginea lui Buddha, astfel încât numeroase statui și sculpturi ale lui Buddha au fost create în temple. Erau făcute din metal, lemn și piatră. Abia după ceva timp au apărut maeștri care au început să realizeze sculpturi portret seculare, dar cu timpul nevoia de ele a dispărut, astfel încât reliefurile sculpturale cu sculpturi adânci au început să fie folosite din ce în ce mai des pentru decorarea clădirilor.
Sculptura netsuke în miniatură este considerată forma de artă națională a Japoniei. Inițial, astfel de figuri au jucat rolul unui breloc care a fost atașat de centură. Fiecare siluetă avea o gaură pentru un șnur de care erau atârnate obiectele necesare, deoarece hainele la acea vreme nu aveau buzunare. Figurinele Netsuke descriu personaje seculare, zei, demoni sau diverse obiecte care aveau o semnificație secretă specială, de exemplu, o dorință de fericire în familie. Netsuke sunt realizate din lemn, fildeș, ceramică sau metal.
Arte decorative din Japonia
Fabricarea armelor cu tăiș a fost ridicată la nivelul de artă în Japonia, ducând la perfecțiune fabricarea sabiei de samurai. Săbiile, pumnalele, ramele pentru săbii, elementele de muniție de luptă serveau ca un fel de bijuterii bărbătești, indicând apartenența la clasă, așa că erau realizate de meșteri pricepuți, decorate cu pietre prețioase și sculpturi. Meșteșugurile populare japoneze includ, de asemenea, ceramică, lac, țesut și gravură în lemn. Produsele ceramice tradiționale sunt pictate de olari japonezi cu diverse modele și glazuri.
Pictura japoneza
În pictura japoneză a prevalat la început tipul monocrom al picturilor, strâns împletite cu arta caligrafiei. Ambele au fost create după aceleași principii. Arta de a face vopsele, cerneală și hârtie a venit în Japonia de pe continent. În acest sens, a început o nouă rundă de dezvoltare a artei picturii. La acea vreme, unul dintre tipurile de pictură japoneză erau suluri lungi orizontale de emakinomo, care descriu scene din viața lui Buddha. Pictura de peisaj în Japonia a început să se dezvolte mult mai târziu, după care au apărut artiști specializați în scene din viața socială, pictând portrete și scene de război.
În Japonia, de obicei, pictau pe paravane, shoji, pereții casei și haine. Pentru japonezi, un ecran nu este doar un element funcțional al căminului, ci și o operă de artă pentru contemplare, determinând starea de spirit generală a încăperii. Îmbrăcămintea națională, kimonoul, este, de asemenea, o piesă de artă japoneză, purtând o aromă orientală deosebită. Panourile decorative pe folie de aur folosind culori strălucitoare pot fi, de asemenea, clasificate drept lucrări de pictură japoneză. Japonezii au dobândit o mare pricepere în a crea ukiyo-e, așa-numita gravură în lemn. Subiectul unor astfel de picturi au fost episoade din viața orășenilor obișnuiți, artiști și gheișe, precum și peisaje magnifice, care au devenit rezultatul dezvoltării artei picturii în Japonia.
De-a lungul timpului, poporul chinez a creat multe obiecte de artizanat de renume mondial. Din cele mai vechi timpuri, s-au transmis abilitățile și secretele confecționării produselor din diverse tipuri de piatră, lemn, lut și lac, precum și secretele producerii țesăturilor și broderii. Deja în antichitate, maeștrii chinezi, după ce au învățat să identifice și să arate calitățile artistice ale unui material, foloseau în acest scop jocul culorilor sale, pete, diferențe de figuri și netezime a suprafeței. Cele mai vechi vase din lut și piatră se remarcă, ca și cele antice, prin armonia perfectă a formelor și claritatea diviziunilor.
Meșterii chinezi au adoptat multe abilități, maniere și tehnici și modele tradiționale din cele mai vechi timpuri. Cu toate acestea, însăși nevoile pe care le-a propus noua eră istorică au dat naștere a numeroase noi tipuri și tehnici de meșteșuguri artistice. Asociat cu viața de zi cu zi și cu nevoile tot mai mari ale populației urbane, meșteșugul artistic în artele plastice din China a devenit nu numai unul dintre cele mai răspândite și populare, ci și unul dintre cele mai active tipuri.
Întreaga lume folosește vaze, cești și alte articole chinezești. În patria sa, porțelanul chinezesc, împreună cu alte tipuri de artă, are cea mai largă aplicație. Ceramica chinezească este, de asemenea, folosită pentru placarea lucrărilor sculpturale.
Ceramică. Deja în antichitate, chinezii foloseau soiuri de lut de înaltă calitate pentru ceramica lor. Cu toate acestea, meritul real pentru inventarea porțelanului aparține maeștrilor Chinei medievale. În epoca Tang, într-o perioadă de înaltă prosperitate în toate domeniile vieții spirituale chineze, au apărut și s-au răspândit rapid primele produse din porțelan. Porțelanul a fost cântat de poeți și venerat ca o bijuterie. Producția de porțelan în China a fost facilitată de depozitele bogate de materiale necesare pentru acesta: piatră de porțelan (un compus natural de feldspat și cuarț) și argilă locală - caolin. Combinația acestor două componente oferă proprietățile necesare de ductilitate și fuziune. Fiecare dintre obiectele din porțelan chinezesc este profund gândit, executat nu ca o piesă de meșteșuguri, ci ca o operă de artă independentă. Formele vaselor subțiri sunt rotunde, moi și masive. Deosebit de faimos în acest moment a fost porțelanul alb ca zăpada produs în orașul Xingzhou, neted și mat, păstrând monumentalitatea produselor antice. Multe vase din acest timp au fost vopsite cu glazuri colorate strălucitoare, în care se amestecau oxizi de cupru, fier și mangan, dând tonuri bogate de galben, maro, verde și violet. Dar porțelanul a atins diversitatea și noblețea sa deosebită în secolele XI-XIII. În perioada Tang, ceramica avea o varietate de culori. Dar sub Suna, ea se distinge deja prin simplitate și modestie. Ceramica chineză are linii precise și fine și simplitatea culorii. Utilizarea culorilor naturale este tipică pentru această perioadă. Culorile gri-albastru și gri-verde pot fi adesea găsite pe un vas sau o vază chinezească. Crăpăturile mici nu sunt un defect al maestrului, ci un pas subtil gândit. Neregulile în glazură, picăturile uscate de furnir și fisurile mici pe întreaga suprafață a produsului dau o senzație de completitudine.
Porțelanul Ming, spre deosebire de porțelanul Song, este multicolor. Meșterii i-au folosit suprafața albă ca zăpada ca fundal pitoresc, pe care au așezat întregi compoziții de peisaj sau de gen. Există o mulțime de subiecte și tipuri de tablouri, precum și combinații colorate: porțelan albastru și alb pictat sub glazură de cobalt de tip și design moale și nobil, glazuri colorate bogate în culori, tricolore și cinci culori. Și mai multe tehnici și tipuri de porțelan au apărut în secolele XVII-XVIII. Apar vase negre, netede și strălucitoare, vase vopsite deasupra cu emailuri strălucitoare și strălucitoare. Până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, când toate celelalte forme de artă erau deja în declin, nivelul artistic al porțelanului chinezesc a rămas ridicat. Spre deosebire de perioadele anterioare, formele produselor din porțelan din timpul dinastiei Qing (secolele XVII-XIX) au fost mai complicate și mai rafinate. Repetarea modelelor vechi capătă proporții mai elegante, iar până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. se dezvoltă o pretenție excesivă a conturului. Din acest moment, decorarea porțelanului se caracterizează printr-o varietate și bogăție de motive și teme și, în unele cazuri, o mai mare saturație a ornamentației. Acest lucru este vizibil în special în pictura cu cobalt și în gama așa-numitei „familii verzi”. Scene complexe cu mai multe figuri, mici motive vegetale sau oricare dintre nenumăratele teme ale picturii se disting prin marea complexitate și atenție a structurii compoziționale.
Tipurile de artă aplicată Tang și Song sunt diverse. În acest moment, oglinzile de bronz au fost realizate după modele antice, bogat decorate pe verso cu un model luxuriant în relief de plante cu flori, animale zburdatoare, păsări și fructe. Adesea, astfel de oglinzi erau făcute din argint, acoperite cu cel mai subțire strat de aur și încrustate cu sidef și pietre prețioase.
Modelele țesăturilor „ke-sy” (mătase tăiată) sunt deosebit de apropiate de pictura din acest timp. Au fost create pe baza modelelor de la artiști celebri. Ke-sy se distinge prin moliciune extraordinară, tandrețe și textura mată granulată prețioasă. Păsările ușoare pe ramuri, peisajele, mugurii înfloriți ai prunului meihua roz moale sunt principalele motive descrise în ke-sy.
Apariția atelierelor de emailuri pictate în China datează din perioada Kangxi, asociată cu influențele vest-europene emanate din Franța. Influența gravurilor religioase aduse de misionarii iezuiți poate fi explicată prin emailurile obișnuite chinezești pe metal în secolul al XVIII-lea. tehnici de umbrire, trasarea imaginilor de-a lungul conturului și alte mijloace, de natură grafică expresie artistică. Urmele influențelor europene sunt vizibile nu numai în subiectele și modul de pictură, ci și în formele emailurilor chinezești din secolul al XVIII-lea. Produsele germane și engleze din cupru și argint din secolele XVI-XVIII au servit adesea drept prototipuri. Emailurile făcute pentru cea mai mare utilizare au fost numite „huang zhi” - „vase galbene (adică „imperiale”)”, deoarece galbenul a fost mult timp considerat culoarea simbolică a împăratului chinez. Decorul unor astfel de emailuri este dominat de imagini din genul „huangyao” („păsări de flori”), scene ale intrigilor chinezești și compoziții ornamentale: imagini cu capete de flori de lotus țesute într-un lăstar sub formă de viță de vie și un zoomorf. model care se întoarce la decorul vaselor antice din bronz. În emailurile pictate, sunt populare seturi compozite de farfurii de diferite forme, care au fost dezvoltate în porțelan chinezesc deja în perioada Kangxi. Adesea, plăcilor li s-a dat forma unui evantai deschis, decorat cu imagini din genul „flori și păsări” pe un fundal alb. Într-o serie de cazuri, porțelanul și emailurile pe metal sunt legate atât prin rutele comune de sosire în Europa, cât și prin asemănarea formelor, a motivelor picturii și a culorii. Cu toate acestea, în ciuda asemănării neîndoielnice cu porțelanul, emailurile pictate pe metal se caracterizează printr-o originalitate artistică foarte evidentă ca tip cu totul special de meșteșug chinezesc, care a intrat în contact cu arta europeană cu mai multă îndrăzneală decât tipurile ei tradiționale.
Meșteșugurile artistice și arta aplicată în Japonia se numesc „kogei”. Sursa majorității ideilor artistice pentru operele de artă a fost dragostea profundă pentru natură. Oamenii i-au simțit de multă vreme frumusețea în cele mai obișnuite, mici, fenomene de zi cu zi.
Operele de artă decorativă și aplicată japoneză includ în mod tradițional lac, porțelan și produse ceramice, sculpturi în lemn, oase și metal, țesături și îmbrăcăminte decorate artistic, lucrări de armament etc. Specificul operelor de artă aplicată este următorul: au un caracter pur utilizare practică, utilitară, dar în același timp joacă și un rol pur estetic, servind drept decor pentru viața de zi cu zi a unei persoane. Estetica obiectelor din jur pentru japonezi nu era mai puțin importantă decât scopul lor practic.
Norocos. Produsele de lac sunt cunoscute în Japonia din cele mai vechi timpuri, rămășițele lor se găsesc în siturile arheologice din epoca Jomon. În climatele calde și umede, straturile de lac au protejat produsele din lemn, piele și chiar metal de distrugere. Produsele de lac din Japonia au găsit cea mai largă aplicație: vase, ustensile de uz casnic, arme, armuri. Lacurile tradiționale japoneze sunt roșii și negre, precum și aurii; Până la sfârșitul perioadei Edo, a început producția de lac galben, verde și maro. Inapoi sus
secolul XX S-a obtinut un lac de culori alb, albastru si violet. Există multe tehnici decorative asociate cu utilizarea lacului: maki-e - utilizarea pulberii de aur și argint; urushi-e - pictura cu lac; Hyomon - o combinație de pictură cu lac cu incrustații de aur, argint și sidef. Până pe la mijlocul secolului al XVII-lea. Kyoto a rămas principalul centru pentru dezvoltarea artei lacului. Ogato Korin și-a început cariera acolo. Produsele sale de lac au fost marcate de o unitate specială de formă și decor, „curgând” lin de la o parte la alta a produsului. Combinația de diferite materiale a creat o textură de suprafață neobișnuită și o gamă rară de culori.
Ceramică. Japonezii au o pasiune deosebită pentru produsele ceramice. Cele mai vechi dintre ele sunt cunoscute din săpăturile arheologice și datează din perioada Jomon (epoca de piatră). Dezvoltarea ceramicii japoneze și, mai târziu, a porțelanului a fost influențată semnificativ de tehnologiile chineze și coreene, în special de ardere și de acoperire cu glazură colorată. O trăsătură distinctivă a ceramicii japoneze este atenția nu numai la forma, ornamentul decorativ și culoarea produsului, ci și la senzațiile tactile pe care le provoacă atunci când a intrat în contact cu palma unei persoane. Abordarea japoneză a ceramicii a implicat forme neuniforme, rugozitatea suprafeței, crăpături răspândite, dungi de glazură, amprentele maestrului și o demonstrație a texturii naturale a materialului. Produsele ceramice artistice includ în principal boluri pentru ceremoniile ceaiului, ceainice, vaze, oale, vase decorative și vase de sake. Inițial, forma vasului a fost făcută din crengi și iarbă, apoi a fost acoperit cu lut la ardere, crengile și iarba ardeau, lăsându-și urmele pe pereții vaselor. Vasele de mijloc şi perioadă târzie Jomon seamănă deja cu vase de sculptură. În secolele VI-XI. Sub influența olarilor din Coreea, maeștrii japonezi au trecut la arderea produselor din lut cu o glazură galben-verzuie. Cam in aceeasi perioada au aparut produse din faianta adevarata - argila higroscopica acoperita cu glazura.
Produsele din porțelan sunt în principal vaze cu pereți subțiri, cu decor rafinat, seturi de ceai și vin și diverse figurine. În masa de produse din porțelan care au fost produse în secolele XVII-XVIII. în toată țara, s-au distins două tipuri principale: produse scumpe, pictate fin, din atelierele din Kutani și Nabeshima și porțelanul Arita și Seto, care era produs în serie mare. Produsele atelierelor din Kutani aveau o formă plastică, neuniformă. Pictura lor a fost realizată folosind pete mari de culoare și a fost amplasată liber pe suprafața vaselor. Produsele lui Nabeshima erau de obicei decorate cu imaginea unui singur motiv vegetal realizat în pictura sub glazură, uneori completată cu pictura policromă supraglazuită. Atelierele lui Arita si Seto produceau produse de masa. Acest fel de mâncare a fost decorat cu compoziții decorative elegante de flori, fluturi și păsări. O parte semnificativă a porțelanului japonez a fost produsă special pentru export în țările occidentale.
Smalț. Perioada de la mijlocul până la sfârșitul secolului al XVII-lea. a devenit foarte fructuoasă în istoria dezvoltării artei smalțului în Japonia. În acest moment, maeștrii japonezi au atins perfecțiunea în culoare. Folosind metoda de eșantionare, au selectat topirea optimă a sticlei, care a servit ca bază pentru smalț, și diverse variații de oxizi care i-au conferit o nuanță deosebită, transparență sau strălucire lăptoasă, o strălucire misterioasă. Toate rețetele de succes au devenit un secret, păzit cu grijă în familia maestrului. În Japonia, emailurile erau numite „sippo”, care înseamnă „șapte pietre prețioase”. Aceasta însemna că în bijuterii, smalțul ar putea înlocui aurul, argintul, smaraldul, coralul, agatul, cristalul și perlele. Cel mai vechi exemplu de smalț descoperit în Japonia datează de la sfârșitul secolului al VII-lea. Două tehnici de smalț cunoscute - champlevé și cloisonné - s-au răspândit aproape simultan în Japonia. Meșterii au folosit smalț cloisonné pentru a decora gărzile (tsuba) săbiilor de samurai, arcuri și săgeți decorative, pentru a decora case, cufere, sertare pentru depozitarea pensulelor și cerneală pentru caligrafie, pudră de ceai și tămâie. Atelierele primilor artizani care au lucrat la smalț se aflau în Kyoto, mai aproape de palatele împăraților și nobililor, care erau principalii cumpărători ai acestor produse.
Reînvierea tehnicii smalțului este asociată cu munca maestrului Tsunekichi Kaji (1803-1883), care a trăit la periferia orașului Nagoya. A studiat meșteșugurile străine, în principal europene, care au venit în Japonia și, pe baza acestora, a dezvoltat noi tehnologii pentru lucrul cu email cloisonné. Succesul lui Kaji a inspirat alți artizani. A început căutarea unor noi metode de lucru. Așadar, în acel moment, a apărut tehnologia „contra-smalțului”, tehnica gin-bari, care consta în lipirea foliei de argint pe o suprafață de cupru acoperită cu un strat subțire de email. Tehnologia musen-jippo, dezvoltată de maestrul Sosuke Namikawa (1847-1910), presupunea îndepărtarea firelor de separare după ce primul strat de email s-a uscat și reumplerea cu email transparent. Au existat câteva zeci de variații ale tehnicii - Moriage, Uchidashi, Akasuke, Kodai Moe, Nagare-gusuri și altele, care au făcut posibilă obținerea unor rezultate excelente atunci când sunt combinate. Japonia este prima țară din lume în care smalțul a început să fie aplicat nu numai pe semifabricate metalice, ci și pe ceramică și porțelan. Maestrul Yasuyuki Namikawa (1845-1927), care a lucrat la Kyoto, a devenit celebru în tehnica smalțului pe ceramică.
Modelele tipice împrumutate din China pentru produsele smalț japoneze au fost imagini cu flori (crizanteme, bujori, inflorescențe de paulownia, prune, cireșe) și imagini oarecum japoneze cu dragoni, lei și alte animale mitice, păsări și fluturi. Adesea simbolismul urărilor de bine a fost încorporat în imagini. Nuanțele paletei au variat în funcție de scopul produsului. Astfel, mărfurile de export erau executate în culori strălucitoare, chiar sclipitoare, care erau preferate de clienții europeni, iar cele destinate uzului casnic erau vopsite în culori calme, mai conforme cu viziunea estetică asupra lumii a japonezilor.
Arta și cultura Chinei și Japoniei sunt extrem de originale, ceea ce i-a interesat și a atras mereu pe europeni. Începând cu secolul al XVII-lea, atât motivele chinezești, cât și cele japoneze au pătruns în tendințele artistice și stilistice ale Europei de Vest. Până în prezent, cultura acestor două țări este interesantă atât de studiat, cât și de împrumutat.
Sfera produselor metalice artistice a inclus sculptura și ustensilele din templu, armele și obiectele decorative utilizate în viața de zi cu zi varietatea și perfecțiunea prelucrării metalelor tradiționale (bronz, fier, cupru, oțel) a fost combinată cu utilizarea aliajelor complexe, remarcate prin; o multitudine de nuanțe de culoare și proprietăți plastice. Cele mai frecvente dintre ele au fost shakudo, care producea diverse nuanțe de negru, maro, albastru și violet, și shibuichi, care a servit ca o sursă aproape inepuizabilă de tonuri de gri. Rețetele de fabricare a aliajelor erau un secret profesional și se transmiteau de la maestru la student.
În secolele XVII-XVIII. Din ordinul orășenilor înstăriți, s-au realizat imagini sculpturale pentru altarele casei, precum și imagini cu sens binevoitor și care protejează vatra familiei. Printre ei se numără Daruma, călugărul legendar, al cărui nume în Japonia este asociat cu originea ceaiului, Daikoku - zeitatea fericirii și a bogăției, Jurojin - zeitatea fericirii și longevității.
Odată cu aceasta, unele obiecte de uz casnic au servit scopului decorativ. Acestea erau arzătoare de tămâie, vaze, vase, cutii, tăvi, care se caracterizau prin combinarea diferitelor metale într-un singur produs, utilizarea sculpturilor ajurate, gravurilor, crestături și incrustații.
Tradiția aplicării decorului emailat pe o bază metalică a venit în Japonia din China la sfârșitul secolului al XVI-lea. Tehnica smalțului a avut 4 varietăți: cloisonné, champlevé, gravat și pictat. Smalțurile au fost numite „siplo” - șapte bijuterii: aur, argint, smarald, coral, diamant, agat, perle, care, conform legendei, aduceau fericire oamenilor. Emailurile japoneze cloisonne din secolele XVII-XVIII, bazate în mare parte pe mostre chinezești, s-au distins printr-o paletă limitată de tonuri ușor atenuate, un model geometric clar și un fundal de culoare verde închis. La mijlocul secolului al XIX-lea. Tehnica smalțului a cunoscut o renaștere. S-au obtinut emailuri stralucitoare multicolore, care aderau strans de baza metalica si erau usor de macinat. Înflorirea artei smalțului cloisonne la sfârșitul secolului al XIX-lea. a fost asociat cu numele celebrului maestru Namikawa Yasuyuki. Din atelierul lui au ieșit produse de dimensiuni mici, acoperite complet cu emailuri, aplicate cu grijă de bijuterii. Imagini cu flori, păsări, fluturi, dragoni și fenix, numeroase tipuri de ornamente tradiționale și-au găsit un loc în dantelă complexă țesută a modelului. Folosirea foliei de aur a creat o strălucire strălucitoare pe suprafața lustruită a produsului.
Fabricarea și decorarea armelor are tradiții străvechi în Japonia. Sabia a fost văzută ca un obiect sacru dat de zeița soarelui Amaterasu Omikami nepotului ei, pe care l-a trimis pentru a conduce pământul și a eradica răul. O sabie dreaptă cu ascuțire cu două fețe (Ken sau Tsurugi) a devenit un accesoriu al cultului șintoist și a devenit unul dintre regaliile imperiale.
În Evul Mediu, sabia a devenit un simbol al clasei războinice, întruchipând puterea, curajul și demnitatea samurailor. De asemenea, se credea că în ea trăiau sufletele strămoșilor decedați. În secolul al VII-lea a fost creată o formă de sabie cu o ușoară îndoire pe spatele lamei, ascuțire pe o singură față, care a supraviețuit aproape neschimbată până în secolul al XIX-lea. și a fost numit „nihonto” (sabie japoneză).
Din secolul al XVI-lea aristocrații și reprezentanții clasei militare au fost obligați să poarte două săbii: una lungă - „katana” și una scurtă - „wakizashi”, care era destinată comiterii sinuciderii rituale. În cazul încălcării codului de onoare, oamenilor de știință, artizanilor și țăranilor, cu permisiunea specială, li se permitea să poarte numai wakizashi sau o sabie fără pază „aikuchi”.
Procesul lung și laborios de a face o lamă a fost aranjat ca un ritual solemn, însoțit de rugăciuni speciale, vrăji și îmbrăcarea fierarului în haine de ceremonie. Lama a fost sudată din mai multe benzi, forjată de cel puțin cinci ori, șlefuită și lustruită. De la sfârşitul secolului al XII-lea. lamele au început să fie decorate cu șanțuri, imagini ale soarelui, lunii, stele, dragoni, inscripții-vrăji, realizate prin gravură și relief în profunzime.
Detalii și rama sabiei din secolul al XVI-lea. au fost create de meșteri speciali - armurieri și bijutieri. Lama a fost introdusă într-un mâner, a cărui bază era formată din două blocuri de lemn, fixate cu un inel metalic „futi” și vârfuri „kasira” mânerul era adesea înfășurat în pielea unui rechin sau a unei raie, numită „la fel”; (rechin). Exista credința că un astfel de mâner păstrează puritatea rituală a sabiei și protejează proprietarul. Piese mici din metal gofrat „menuka” au fost atașate de mâner pe ambele părți, ceea ce a asigurat o prindere mai sigură a sabiei cu ambele mâini. Pe deasupra, mânerul a fost înfășurat cu șnur sau împletitură, creând un model împletit la suprafață. Un detaliu important al sabiei a fost „tsuba” (garda) - plastic de protecție care separă lama de mâner, teaca unei săbii mici era adesea decorată cu plăci metalice finisate cu grijă „kozuka”, care reprezenta mânerul unui cuțit mic; introdus într-un buzunar special din teacă.
În secolele XVII-XIX. armele, care își pierduseră valoarea practică, au devenit un plus decorativ la costumul unui bărbat. În decorarea sa au fost folosite diverse materiale și tehnici de realizare a bijuteriilor, sculptură ajurata, incrustații cu aliaje, diferite metode de creare a compozițiilor în relief, emailuri și lacuri. Tsuba a dobândit o perfecțiune artistică deosebită și a început să fie privită ca o operă de artă independentă. Subiectele imaginilor au fost motive tradiționale caracteristice altor tipuri de artă: flori, păsări, peisaje, pilde budiste, legende istorice, chiar aprecieri ale vieții urbane. Detaliile unei săbii au fost combinate în stilul de execuție și adesea reprezentau o dezvoltare a unui singur complot.
Printre armurierii care s-au specializat în decorarea săbiilor, cel înființat în secolul al XV-lea era deosebit de renumit. școala Goto, ale cărei șaptesprezece generații de maeștri și-au păstrat gloria timp de 400 de ani.
Sursa celor mai multe idei artistice pentru opere de artă și literatură a fost dragostea profundă pentru natură. Oamenii i-au simțit de multă vreme frumusețea în cele mai obișnuite, mici, fenomene de zi cu zi. După cum o demonstrează poeziile adunate în secolul al VIII-lea în antologia „Man’yoshu” - cel mai vechi monument poetic din Japonia - nu numai florile, păsările, luna, ci și frunzele mâncate de viermi, mușchi, pietre și iarba ofilită au dat. imbold la bogata imaginatie poetica a poporului.
Acest sentiment sporit al frumuseții naturii este cauzat în mare parte de peisajele deosebit de pitorești ale insulelor japoneze. Dealurile acoperite cu pini într-o zi însorită dau impresia unor panouri decorative strălucitoare ale picturii Yamato-e. Pe vreme înnorată, aerul umed învăluie câmpurile, pădurile și munții într-o ceață argintie care se topește. Contururile obiectelor sunt neclare și par să se dizolve treptat în ceața gri. Nu întâmplător peisajele japoneze seamănă cu picturile monocrome, pictate cu cerneală neagră groasă și spălaturile sale pe mătase albă.
Căutarea neobosită a expresiei artistice a condus la o varietate uimitoare de tehnici de prelucrare a materialelor, care este o altă caracteristică a artei decorative și aplicate japoneze.
Operele de artă japoneză au subliniat de multă vreme valoarea practică imediată a obiectului în sine. Simplitatea și rigoarea sunt principalele trăsături distinctive artele aplicate ale Japoniei. Maeștrii japonezi preferă forme clare, calme, fără nicio pretenție sau artificialitate.
Dezvoltându-se de-a lungul secolelor 10-12, școala națională de pictură Yamato-e a avut un impact imens atât asupra artelor plastice, cât și asupra artelor decorative din secolele următoare. Artiștii acestei școli au creat lucrări pe paravane, despărțitori și uși glisante în palatele aristocrației feudale sau cronici ilustrate ale acelor vremuri și romane scrise pe pergamente orizontale lungi și care povestesc despre viața și distracția aristocrației de curte.
Planeitatea și generalitatea imaginii, convenționalitatea și culoarea strălucitoare a trăsăturilor, în care s-au manifestat calitățile decorative ale picturii Yamato-e, sunt și ele caracteristice artei aplicate a Japoniei.
Asemănarea metodelor artistice în artele plastice și decorative s-a exprimat, în plus, în practica îmbinării elementului vizual cu caligrafia în picturi și pe obiecte de uz casnic. Hieroglifele scrise cu pricepere, parcă curgând peste imagine, alcătuind un scurt poem sau o parte din ea, evocă luminate în privitor. asocieri si creste efectul decorativ. În timp ce admiră un obiect, un japonez își face plăcere nu numai din aspectul său, ci și din citirea și descifrarea scrisului cursiv care completează compoziția.
Epoca de piatră (Era Jōmon)
Majoritatea oamenilor de știință cred că insulele japoneze au fost locuite de oameni deja în perioada paleolitică (40-12 mii î.Hr.). Nu există ceramică în paleolitic, motiv pentru care arheologii japonezi numesc uneori paleolitic perioada culturii non-ceramice.
Cultura epocii neolitice este bogată și diversă, a cărei perioadă străveche în Japonia a fost numită „Jomon” (mileniul VIII - prima jumătate a mileniului I î.Hr.). Printre realizările culturii Jomon, un loc aparte îl revine vaselor ceramice care au fost sculptate fără utilizarea roții de olar. Forma vaselor s-a schimbat în timp. Inițial, forma vasului a fost făcută din crengi și iarbă, apoi a fost acoperit cu lut la ardere, crengile și iarba ardeau, lăsându-și urmele pe pereții vaselor. Mai târziu, meșterii au sculptat vasul și, pentru a nu se destrama, l-au înfășurat cu frânghie de iarbă. („Jomon” înseamnă „ornament de frânghie”). Pe măsură ce cultura Jomon s-a dezvoltat, scopul funcțional al vaselor s-a schimbat, multe dintre ele au început să dobândească simbolism ritual. Vasele din perioada Jomon mijlocie și târzie seamănă deja cu vasele de sculptură. Ornamentele aplicate cu un băț sau o coajă, precum și modelele modelate, reflectau conceptul mitologic și estetic complex al viziunii asupra lumii a creatorilor lor. În această etapă, s-a dezvoltat deja o tehnică înaltă. prelucrarea produsului.
Complexitatea ideilor religioase ale creatorilor lui Jomon este evidențiată și de dogu - sculpturi din lut. Amuletele Dogu sunt de dimensiuni mici. Au o formă ovală sau dreptunghiulară și sunt neapărat decorate cu ornamente.
Cultura perioadei inițiale a societății antice (Cultura Yayoi)
La mijlocul mileniului I î.Hr. e. În istoria etnică și culturală a Japoniei au loc schimbări calitative. Cultura Jomon este înlocuită de cultura Yayoi (secolul III î.Hr. - secolul III d.Hr.). Există 2 puncte de vedere despre aspectul ouălor. Unii cred că Yayoi a crescut din Jomon. Alții spun că creatorii lui Yayoi au fost triburi care au migrat de pe teritoriul Peninsulei Coreene.
Poporul Han, care locuia pe continent, intrase deja în epoca metalelor și l-a adus pe insulele japoneze. Japonia a intrat imediat în epoca bronzului și a fierului.
Ceramica Yayoi este unică. Ceea ce era nou era folosirea roții de olar. Forma simplă, calmă, plastică și modelul liniilor drepte inerente ceramicii Yayoi nu au nimic în comun cu ceramica Jomon, care se disting prin varietatea formelor și complexitatea designului. Realizate folosind o roată de olar, aceste vase sunt sferice și simetrice. Desenele constau în linii ondulate sau drepte care se desfășoară în întreaga navă. Frumusețea formei unor astfel de vase constă în geometria lor, silueta clară și conformitatea lor cu scopul lor funcțional.
În cele din urmă, în epoca Yayoi a existat o tranziție de la unelte de piatră la bronz și apoi la fier. Elemente individuale însoțesc monumentele Yayoi: săbii și sulițe de bronz (în special în nordul Kyushu), clopote de bronz (Kinai).
Formarea vechiului popor japonez, care a început în esență odată cu apariția purtătorilor de cultură Yayoi pe insulele japoneze, a durat câteva secole (din secolele VI-V î.Hr. până în secolele I-2 d.Hr.). În timpul perioadei Yayoi, s-au format în cele din urmă trăsăturile tipului economic și cultural care este inerent japonezilor până în prezent și în nucleul său. Există o cultivare intensivă a orezului cu irigații arabile cu plantarea de puieți precultivați în zone speciale din câmp. Fără orez și produse făcute din acesta, este imposibil să ne imaginăm vreun aspect al culturii japoneze și dezvoltarea formelor sale moderne.
Și un alt element important al culturii este legat la origine de cultura Yayoi. Acest element în sine japonez. În ceea ce privește rădăcinile de bază, gramatica și sintaxa, limba japoneză este legată de coreeană A fost adusă din Coreea de coloniști, purtători ai culturii Yayoi.
Epoca de bronz
Unul dintre centrele culturii bronzului la începutul erei noastre a luat forma în nordul Kyushu. Cele trei simboluri principale ale acestei culturi au fost săbiile de bronz cu lamă largă, oglinzile de bronz și amuletele magatama. Aceste trei articole sunt încă simboluri ale puterii imperiale japoneze. Poate că aceste obiecte erau simboluri ale aristocrației în curs de dezvoltare. Multe săbii cu lamă largă au fost găsite în afara gardului templului, poate că au fost oferite ca sacrificii. Multe dintre oglinzile de bronz găsite au un ornament liniar unic pe verso, închis în panglici, triunghiuri și figuri geometrice. Însuși aspectul acestui ornament liniar evocă o asociere cu razele soarelui. Populația din Kyushu de Nord venera oglinzile și le asocia cu cultul Soarelui. Pentru a venera Soarelui răsărit, oglinzile (împreună cu săbiile) erau atârnate de ramurile copacilor.
Un alt centru al culturii bronzului în Japonia Antică a fost în Kinai (Central Honshu). Cele mai interesante monumente ale acestei culturi sunt vârfurile de săgeți din bronz, brățările și în special clopotele - dotaku. Cele mai vechi clopote nu depășeau 10 cm înălțime, iar cele mai mari de mai târziu au ajuns la 1 m 20 cm Toate clopotele au o secțiune transversală ovală și un vârf plat. Unele sunt complet lipsite de decor sau au un ornament magic sub formă de bucle spiralate. Majoritatea dotaku-urilor au un arc în vârf, decorat cu ornamente. Partea inferioară a suprafeței exterioare a clopotelor este aproape întotdeauna lipsită de ornamente. Se pare că această parte anume a servit drept suprafață de lovire, iar clopotul a fost bătut din exterior. Este misterios că amintirile cu clopotele au dispărut din memoria oamenilor, nu există mențiuni despre ele în miturile și legendele japoneze. (Majoritatea clopotelor au fost găsite în tranșee speciale de pe vârful dealurilor. Probabil că aveau o semnificație rituală și magică pentru închinarea Raiului sau Munților. Clopotele păstrau imagini cu bărci, o casă de vânătoare pe sălbatici înalți.)
Datele arheologice, mitologice, precum și dovezile din surse scrise, ne permit să stabilim că în procesul de interacțiune dintre aceste două centre ale culturii bronzului, procesul de formare a vechiului grup etnic japonez a început intens, culminând cu pisica. a devenit cultura Epocii Fierului - cultura Yamato.
Epoca fierului (Yamato)
Cea mai importantă etapă din istoria etnică a japonezilor antici a avut loc în prima jumătate a mileniului I d.Hr. e. În această perioadă, formarea etnului antic japonez a fost finalizată. Societatea țării Yamato (III – începutul secolului VI) a stat în pragul formării statului.
În secolele IV-VI d.Hr. e. Japonia a fost unificată politic sub statul antic Yamato.
În IV, Japonia a invadat Peninsula Coreeană. Începe procesul de percepere a unei culturi continentale foarte dezvoltate.
Acest proces se reflectă în obiectele de artă: oglinzi de cupru, coifuri de aur, cercei de aur și argint, brățări de argint, curele, săbii, vase sueki, realizate pe baza unor tehnici de ceramică foarte dezvoltate importate de pe continent.
Cultura societății în perioada sistemului de drept Ritsure (înainte de XII)
Introducerea budismului. Sume uriașe de bani sunt cheltuite pentru construcția de temple budiste luxoase, ridicarea unor statui magnifice ale lui Buddha și fabricarea de ustensile pentru templu. Se dezvoltă o cultură luxoasă a aristocraților.
Ceramică. Având originea în vremuri străvechi, arta ceramică din Japonia sa dezvoltat, totuși, extrem de lent.
În secolele VI-XI, sub influența olarilor din Coreea, meșterii japonezi au trecut la arderea produselor din lut cu o glazură galben-verzuie. Cam in aceeasi perioada au aparut produse din faianta adevarata - argila higroscopica acoperita cu glazura.
Până în secolul al XVI-lea, producția ceramică era reprezentată de câteva cuptoare. Vasele de modă grosieră erau făcute din faianță și, mai des, din așa-numitele. „masă de piatră” - argilă tare, non-higroscopică și, prin urmare, nu necesită glazură. Doar orașul Seto din provincia Owari producea produse de calitate superioară. Produsele au fost acoperite cu glazură verde, galbenă și maro închis și au fost decorate cu ornamente ștanțate, sculptate și aplicate. Ceramica acestui centru era atât de diferită de produsele brute din alte locuri încât și-au primit propriul nume, setomono.
Din a doua jumătate a secolului al XVII-lea. A început înflorirea ceramicii japoneze, care avea calități decorative caracteristice întregii arte din perioada de izolare a țării. Începutul acestei perioade de glorie este asociat cu opera lui Nonomura Ninsei. S-a născut în provincia Tamba. Ninsei este o formă tradițională de ceramică populară din provincia sa, pictată cu vopsele emailate. A creat un nou tip de ceramică, pur japoneză ca spirit și imagine (ninsei-yaki), folosită pentru ceremonia ceaiului.
Ogata Kenzan a avut o influență notabilă asupra dezvoltării producției de ceramică în Kyoto și în alte provincii. Produsele sale au devenit renumite pentru picturile sale, în care a folosit tehnicile de pictură multicoloră ale școlii Yamato-e și a reținut pictura monocromă cu cerneală neagră.
Metal. Japonezii s-au familiarizat pentru prima dată cu produsele din bronz și fier importate de pe continent la începutul erei noastre. În secolele următoare, după ce au îmbunătățit metodele de extracție și prelucrare a metalelor, meșterii japonezi au început să producă săbii, oglinzi, bijuterii și hamuri pentru cai.
Odată cu începutul răzvrătitelor feudale sângeroase în secolul al XII-lea, numărul fierarilor-armurieri care fabricau armuri, săbii etc. a crescut Renumita forță și puterea lamelor japoneze datorează foarte mult armuririlor din acea vreme, care au trecut pe seama lor. urmașii secretele forjarii și călirii săbiilor.
Succese semnificative în perioada de izolare a țării au fost remarcate în lucrările artistice pe metal. Părțile metalice aplicate care împodobeau mânerul și teaca sabiei au fost realizate de bijutieri specialiști ca și până acum, atenția principală a fost acordată confecționării gărzii.
Țesut și vopsit. De asemenea, țesutul și vopsirea s-au dezvoltat cu succes. Cea mai semnificativă dezvoltare a producției textile în această perioadă a fost inventarea procesului de vopsire yuzen-zome. Această metodă a făcut posibilă reproducerea unor modele grafice fine pe îmbrăcăminte și este încă un tip de vopsire specific japoneză.
Produse de lac. Producția artistică de produse lac a atins un vârf excepțional în Japonia, deși locul de naștere al tehnologiei lacului este China.
Lacul se obține din seva arborelui de lac. Acopera în mod repetat suprafața netedă pregătită anterior a bazei unui produs din lemn, țesătură, metal sau hârtie.
Primele informații de încredere despre producția de lac în Japonia ca meșteșug artistic datează din perioada de glorie a culturii de curte în secolele VIII-XII. Atunci s-a răspândit producția de detalii arhitecturale, statui budiste, articole de lux și ustensile de uz casnic din lac, de la mobilier la betisoare.
În secolele următoare, produsele lac au devenit din ce în ce mai importante în viata de zi cu zi Oameni japonezi. Produse precum vase, cutii pentru instrumente de scris, cutii de toaletă, cutii suspendate pe curele, piepteni și ace, pantofi și mobilier au început să fie utilizate pe scară largă.
Obiectele tehnicii maki-e sunt deosebit de elegante: pulberea de aur sau argint împrăștiată pe suprafață este fixată cu lac și apoi lustruită. Gusturile luxuriante și înflorate ale acelei vremuri au fost întruchipate pe deplin în produsele de lac și au primit o dezvoltare deosebit de semnificativă ca obiecte decorative. Pe lacul Biwa se află insula Chikubu, unde s-a păstrat un templu, care este un exemplu de utilizare a lacului de aur pentru a decora interiorul unei clădiri.
Lacul bogat ornamentat era folosit și pentru a face obiecte de uz casnic și vesela folosite în reședințe de ceremonie. Printre ele se numără tot felul de mese, suporturi, cutii, cutii, tăvi, seturi de veselă și ceai, țevi, agrafe de păr, compacte cu pulbere etc. Aceste lucruri, bogat decorate cu aur și argint, întruchipau în mod clar spiritul epocii Momoyama. (maestrul lacului Hon'ami Koetsu).
Până pe la mijlocul secolului al XVII-lea. Kyoto a rămas principalul centru de dezvoltare a artelor decorative și aplicate. Ogato Korin și-a început cariera acolo. A creat capodopere nu numai de pictură, ci și de ceramică, lac, pictură pe țesături, evantai etc. Celebrele produse de lac ale lui Korin au fost marcate de o unitate specială de formă și decor, „curgând” lin de la o parte la alta a produsului. Combinația de diferite materiale a creat o textură de suprafață neobișnuită și o gamă rară de culori.
Printre alți maeștri ai lucrărilor de lac, s-a remarcat Ise Ogawa Haryu. În lucrările sale, a folosit pe scară largă incrustații cu porțelan, fildeș, lac sculptat roșu, carapace de țestoasă, aur, argint, plumb și alte materiale.
Artă decorativă și aplicată de la sfârșitul secolului al XVI-lea – începutul secolului al XVII-lea. era diversă, deoarece răspundea nevoilor stilului de viață al diferitelor pături sociale ale societății.
În artele decorative și aplicate, ca și în alte domenii ale culturii, s-au reflectat toate principalele tendințe ideologice și estetice ale vremii.
Noile tendințe ale artei și culturii japoneze spre fast ostentativ și decorațiuni excesive, asociate cu stilul de viață și cerințele culturale ale noii elite militare-feudale în creștere rapidă și straturilor urbane bogate în creștere rapidă, s-au reflectat clar în artele decorative și aplicate.
Armă. Armele au ocupat un loc special în viața clasei militare. Principala armă a samuraiului a fost sabia, în care era pusă în valoare calitatea lamei și designul acesteia.
Producția de săbii era realizată de familii de armurieri care și-au transmis abilitățile din generație în generație. Produsele diferitelor școli diferă în proporții, forma lamei și calitate. Meșteri remarcabili și-au scris numele pe lame, iar produsele lor sunt păstrate în colecțiile muzeelor până astăzi.
Mânerul și teaca lamei au fost decorate de armurieri și bijutieri. Săbiile de luptă erau decorate destul de strict, dar săbiile purtate cu îmbrăcăminte civilă erau decorate foarte bogat.
Între lamă și mâner a fost plasată o protecție plată, de obicei de design artistic. Decorul de gardă a devenit o ramură specială a artei japoneze. Dezvoltarea intensivă a acestei arte a început în a doua jumătate a secolului al XV-lea. Un artist remarcabil care a pus bazele unei dinastii de meșteri specializați în decorarea sabiei a fost samuraiul Goto Yujo.
Arta de a face gărzi a înflorit la sfârșitul secolului al XVI-lea și începutul secolului al XVII-lea. Pentru a le decora, au fost folosite toate tipurile de prelucrare a metalelor - incrustație, sculptură, crestătură, relief.
La cumpăna secolelor XVI-XVII. în decorarea armelor, ca și în alte forme de artă, au început să apară trăsături de extravaganță. Părțile hamului de cal și teaca pentru săbiile de samurai, încălcând tradiția oțelului, sunt realizate din ceramică acoperită cu glazură strălucitoare (Furuta Oribe).
Odată cu răspândirea ceremoniilor ceaiului și a ceaiului în secolele XV-XVII, a apărut o nouă meserie de meșteșugari care confecționau ustensile de ceai și, în special, ceainice de fier, stricte și rafinate ca formă, cu ornamentație rară.
Sculptură în lemn.În secolele XVII-XVIII în Japonia s-au înregistrat progrese semnificative în sculptura ornamentală în lemn, care a atins un grad ridicat de perfecțiune. A decorat clădirile templelor, palatele și reședința shogunilor și a fost utilizat pe scară largă la fabricarea de articole de uz casnic mici pentru cetățeni.
O zonă foarte importantă de aplicare a artei cioplitorilor a fost producția de măști pentru teatrul Noh și capete pentru păpuși ale teatrului Dzeruri. Se crede că cele mai bune exemple de măști pentru teatru au fost create în secolele XV-XVI, în perioada de apogeu, și măști din secolele 17-28. au fost doar o imitație a celor vechi, dar imitația a fost atât de pricepută încât sunt folosite și astăzi și sunt foarte apreciate.
Porţelan. Masa de produse din porțelan, care în secolele XVII-XVIII. a fost produs în toată țara, existau două tipuri principale: produse scumpe, pictate fin, din atelierele din Kutani și Nabeshima și porțelan din Arita și Seto, produse în serie mare.
Produsele atelierelor Kutani din perioada timpurie aveau o formă plastică, neuniformă. Pictura lor a fost realizată folosind pete mari de culoare și a fost amplasată liber pe suprafața vaselor. Mai târziu, porțelanul Kutani a căpătat forme uscate, modelate și decor.
Produsele lui Nabeshima erau de obicei decorate cu un singur motiv vegetal realizat în pictura sub glazură, uneori completată cu pictura policromă supraglazuită.
Atelierele lui Arita si Seto produceau produse de masa. Această vesela a fost decorată cu compoziții decorative elegante de flori, păsări, fluturi etc.
Lucrări Dinastia Raku din ceramică japoneză ocupă un loc special, unic în istoria ceramicii și a tuturor artelor decorative și aplicate din Japonia. Dinastia meșteșugarilor de la Kyoto și-a menținut continuitatea timp de cincisprezece generații, continuând să creeze ceramică în aceeași tradiție artistică din care a luat naștere la mijlocul secolului al XVI-lea.
Produsele reprezentanților dinastiei Raku nu vizau inițial producția de masă sau chiar în serie, ci crearea de lucrări unice pentru un cerc restrâns de cunoscători ai ceremoniei ceaiului cha-no-yu. Repertoriul atelierului a constat în principal din boluri de ceai (chawan), arzătoare de tămâie (koro) și, mai rar, cutii de tămâie (kogo) și vaze pentru aranjamente florale (cabane). Această aparentă limitare a capacităților maeștrilor Raku a dus la rafinamentul și cristalizarea stilului atelierului. Toate aceste obiecte poartă o amprentă vie a individualității maeștrilor care le-au creat și a timpului căruia îi aparțin.
La baza tehnologiei familiei Raku au fost acele tehnici de turnare și sticlă care au fost dezvoltate la sfârșitul secolului al XVI-lea în timpul lucrării maestrului remarcabil, fondatorul dinastiei Raku, Raku Tejiro (楽 長次郎, ?-1589). Produsele au fost turnate manual (probabil din cauza plasticității scăzute a argilelor locale, care făcea imposibilă întinderea lor pe roata de olar) și acoperite cu glazură de plumb fuzibilă într-o manieră policromă (în imitație a ceramicii tricolore chinezești Santsai). din epoca Ming (1368-1644)) sau glazură monocromă roșie și neagră. Produsele monocrome au devenit cele mai faimoase printre maeștrii de ceai și au fost numite aka-raku (raku roșu) și kuro-raku (raku negru). 
Cea mai caracteristică etapă tehnologică a lui Raku este arderea: la o temperatură în camera de ardere de 850 până la 1000°C, produsele sunt îndepărtate rapid și răcite în aer liber sau prin scufundare în apă (ceai verde). Atât formele nepretențioase, dar vii și expresive ale bolurilor, cât și efectele de glazură care apar în timpul răcirii puternice, au conferit produselor atelierului expresivitate, individualitate și au îndeplinit cerințele esteticii wabi care a definit ceremonia ceaiului de la Sen no Rikyu (1522-1522-). 1591) și cei mai apropiați adepți ai săi. În secolul al XVII-lea, recunoașterea acestui stil inovator de ceramică s-a reflectat nu numai în valoarea ridicată a lucrării chawan a atelierului Raku, ci și în numeroasele imitații și interpretări ale utsushi („copii cu diferențe”) create de diverse artiști ceramici. Hon'ami Koetsu (1558-1673) și Ogata Kenzan (1663-1743), cei mai influenți maeștri ai artelor decorative din perioada Edo (1603-1868), au studiat cu maeștrii familiei Raku și și-au format propriile interpretări colorate ale acest stil.
Astfel, în Japonia din secolul al XVII-lea existau deja atât produse ale familiei Raku, cât și cele create de ceramiști din alte ateliere și artiști independenți în „stilul raku”. În ciuda faptului că numele unui tip special de ceramică a devenit un nume propriu, moștenit în cadrul atelierului de la Kyoto de la Raku Tejiro: I, termenul „raku” a căpătat un sens independent. Așa au început să numească ceramica creată în tradițiile tehnologice și estetice ale celebrului atelier de ceramică. Un număr mare de produse în stilul raku (în mare parte încă destinate ceremoniei ceaiului cha-no-yu) au fost create de maeștri de-a lungul secolelor XVII-XIX.
Deschiderea Japoniei către Occident la mijlocul secolului al XIX-lea a dus la împrumuturi extinse de forme și motive decorative din arta plastică și decorativă japoneză de către artiștii occidentali. Cu toate acestea, ceramica atelierului Raku nu a atras atenția cunoscătorilor occidentali decât la începutul secolului al XX-lea, deoarece nu a îndeplinit așteptările marilor companii comerciale și erau lipsite de acea calitate decorativă captivantă care distinge produsele de export ale japoneze. ateliere de ceramică din secolul al II-lea. jumătate a secolului al XIX-lea secol. 
Artistul și ceramistul britanic Bernard Leach (1887-1979)
Astăzi, termenul „raku” este utilizat pe scară largă de către ceramiștii din Rusia, Europa de Vest și de Est și de către meșteri din țările scandinave și din Statele Unite. Cu toate acestea, conceptul de „ceramica raku” a suferit modificări semnificative pe măsură ce s-a răspândit în întreaga lume, iar luarea în considerare a formării „raku-ului european” și „american” pare relevantă.
Primul european care a introdus ceramica în stil raku occidentalilor a fost artistul și ceramistul britanic Bernard Leach (1887-1979). Format ca artist la Londra, a venit în Japonia influențat de cărțile lui Patrick Lafcadio Hearn (1850-1904), care descriau Japonia ca o țară cu o cultură rafinată, o natură frumoasă, oameni pașnici, muncitori și femei frumoase. Aflându-se în Japonia în 1909, Leach a făcut cunoștință cu cercul de tineri filozofi și artiști japonezi „Shirakaba” (Mesteacan alb), care a publicat o revistă literară și artistică cu același nume și a căutat să prezinte unei game largi de cititori lumea. moștenire artistică, practic necunoscută înainte în Japonia sfârşitul XIX-lea secol.
Activitățile lui B. Leach în această asociație au fost inițial consacrate popularizării gravurii europene. În același timp munca activă Shirakaba l-a prezentat unor tineri gânditori și artiști precum Yanagi Soetsu (柳宗悦, 1889-1961), Hamada Shoji (濱田庄司, 1894-1978) și Tomimoto Kenkichi (富本憲吉記-, 1918記-, 1918記). În 1911, după o expoziție personală la Tokyo, Leach a ocupat un loc sigur în viața artistică din Tokyo și din întreaga Japonie ca gravor și designer textil. În același an, el și Tomimoto Kenkichi au fost invitați la o „petrecere raku” (Leach le numește petreceri raku în jurnalele sale).
Astfel de întâlniri erau o formă populară de petrecere a timpului liber intelectual și creativ în rândul japonezilor educați. Oaspeților li s-au pus la dispoziție produse ceramice care au fost arse anterior; participanții le-au pictat și glazurat și au urmărit arderea, care a fost deosebit de spectaculoasă noaptea, când obiectele fierbinți au fost scoase din cuptor și s-au răcit încet în aer. Pentru pictură, oamenii s-au adunat în camera unei ceainărie (chashitsu), care a subliniat atmosfera relaxată, prietenoasă a întâlnirii și legătura acesteia cu tradiția ceaiului.
Până în acest moment, B. Leach, deși era interesat de ceramică ca parte a activităților Shirakaba, nu se gândise să lucreze cu acest material. Participarea la „întâlnirea raku”, spectacolul tragerii și varietatea rezultatelor obținute de diferiți participanți la întâlnire l-au forțat pe artist să-și schimbe radical cariera artistică.
Prima creație de petrecere raku a lui Bernard Leach a fost un fel de mâncare cu papagali. El a împrumutat acest motiv decorativ din repertoriul picturii cu cobalt sub glazură pe porțelan chinezesc din epoca Ming (1368-1644). Judecând după descrierile acestui fel de mâncare, era policrom, la fel ca și alte articole de amatori ale unor astfel de petreceri, care erau destul de des decorate cu pictură sub glazură și nu erau apropiate de articolele originale Raku. Acest fapt sugerează că în Japonia, la începutul secolului al XX-lea, tehnologia raku a dobândit o anumită independență, nu mai corespundea tradiției originale a familiei și era percepută ca una dintre metodele binecunoscute de decorare a ceramicii.
În același timp, trebuie remarcat faptul că întâlnirile raku au fost în mod clar legate de vechile tradiții ale creativității artistice, înrădăcinate în etica și estetica ceremoniei ceaiului, creativitatea poetică comună, concursurile de caligrafi și maeștrii ikebana din secolele XVII-XIX. secole. Revenirea la această tradiție la începutul secolului al XX-lea a marcat o etapă importantă în formarea culturii naționale moderne a Japoniei: formele culturale și artistice asociate cu cultura de elită autoritară a vechii Japonii au fost din nou solicitate. Este caracteristic faptul că în acest moment în Japonia a avut loc o renaștere a interesului pentru ceremonia ceaiului cha-no-yu în sine, pentru practica ceaiului de sentya-do și alte arte tradiționale, precum și pentru cele religioase, filozofice și învățături estetice.
După mai multe încercări de a stăpâni independent ceramica și pictura ceramică, B. Leach a început să caute un profesor în Tokyo. Printre altele, a vizitat atelierul lui Horikawa Mitsuzan, care s-a specializat în stilul raku. Cu toate acestea, Leach a găsit o mai mare înțelegere reciprocă cu Urano Shigekichi (浦野繁吉, 1851-1923, Kenzan VI), a cărui ceramică a moștenit tradițiile remarcabilului maestru Ogata Kenzan (Kenzan I, 1663-1743). Deși, în opinia lui Leach, opera lui Urano Shigekichi și dedicarea decorațiunii de la Școala de Artă Rimpa erau lipsite de energie și forță, acest maestru deținea toate cunoștințele tehnice aparținând vechii și ilustre dinastii a ceramicilor și era gata să predea rudimentele. de decorare ceramică unui student străin.
Timp de doi ani, Leach a lucrat în atelierul Urano Shigekichi împreună cu Tomimoto Kenkichi, care la început a lucrat și ca traducător, deoarece Leach nu cunoștea încă suficient de bine japoneză. În atelierul lui Urano, crearea formelor nu făcea parte din muncă: semifabricate pentru pictură erau cumpărate din alte ateliere sau făcute de olari invitați, dar Leach a început să stăpânească și meșteșugul olăritului pentru a putea crea el însuși forme. El a observat că, nefiind japonez, nu putea simți pe deplin caracterul formelor și decorului tradițional. Multe lucrări timpurii (1911-1913) ale maestrului interpretează în mod unic stilurile ceramice europene în refracția olăritului și tradiției artistice japoneze. Mai târziu, opera lui Lich avea să fie foarte influențată și de ceramica din întreaga lume. Orientul îndepărtatși țările africane. 
După un an de ucenicie, Urano i-a permis lui B. Leach să-și înființeze propriul atelier într-un colț al grădinii de pe moșia sa și să construiască un mic cuptor de raku. La un an de la construirea acestui atelier, Urano i-a oferit lui și lui Tomimoto Kenkichi certificate oficiale (dense:) de moștenire a tradiției familiei Kenzan, iar Bernard Leach a fost recunoscut oficial ca maestru al Kenzan VII.
Pe lângă numele Kenzan, Bernard Leach a primit și o colecție de documente „de familie” cu rețete de glazură și alte secrete de producție, inclusiv elementele de bază ale arderii raku, care făceau parte din proprietatea familiei Kenzan. Ulterior, Leach a publicat părți din ele în lucrările sale, inclusiv The Potter's Book, publicată în 1940 și care a avut o influență uriașă asupra ceramicii atelierelor occidentale la mijlocul secolului XX. Leach a pus tehnologia tradițională la dispoziția tuturor ceramiștilor interesați de îmbogățirea limbajului artistic al ceramicii de studio. De-a lungul vieții sale creatoare, maestrul a apelat în mod repetat la tehnica raku, atât în timp ce lucra în Japonia, cât și în St. Ives.
Vorbind despre starea generală a ceramicii artistice europene la începutul secolului al XX-lea, trebuie menționat că B. Leach a fost cel care a devenit primul artist din Europa care a fondat un studio independent (în 1920 în St. Ives, Cornwall, după revenind în Anglia). Treptat, Leach și Yanagi Soetsu au dezvoltat o nouă înțelegere a rolului meșterului în tradiția artistică mondială: aceasta a coincis parțial cu ideile lui William Morris și Mișcarea Arts and Crafts (istoria acestei mișcări a fost un subiect frecvent în conversațiile dintre Bernard Leach și Yanagi Soetsu). La fel ca Morris, Leach s-a opus industrializării meșteșugurilor și transformării acesteia în producție standardizată.
Pentru Yanagi Soetsu, ca și pentru mulți artiști și gânditori japonezi de la începutul secolului XX, perspectiva industrializării inevitabile a noii Japonii părea o amenințare serioasă pentru cultura distinctivă a meșteșugurilor și meșteșugurilor populare. În anii 1920, dorința de a păstra tradiția populară a dus la influența mișcare Mingei, fondată de Hamada Shoji și Kawai Kanjiro (河井寛次郎, 1890-1978). Tradițiile vechilor ateliere de ceramică au fost reînviate în anii 1930 de Arakawa Toyozo (荒川豊蔵, 1894-1985) și au vizat în principal ceramica atelierelor Mino-Seto din epoca Momoyama (1573-1615).
Reabilitarea artelor vechi a fost o parte importantă a politicii naționale a Japoniei în prima jumătate a secolului al XX-lea, această politică a găsit cel mai sincer și arzător răspuns din partea filosofilor și artiștilor epocii. „Cartea ceaiului” de Okakura Kokuzo, publicată în 1906, a avut o mare influență asupra formării interesului pentru tradiția națională: (岡倉覚三, 1862-1913) - una dintre lucrările programatice despre artele tradiționale, în care Valoarea etică și estetică durabilă a ceremoniei ceaiului a fost fundamentată cha-no yu. publicat pe Limba engleză, această carte a fost o revelație pentru cititorii occidentali. Alături de Cartea olarului a lui Bernard Leach, Cartea de ceai a avut o influență uriașă nu numai asupra ceramiciștilor occidentali, ci și asupra unei game largi de artiști, scriitori și gânditori la mijlocul secolului XX.
În Cornwall, Bernard Leach și Hamada Shoji s-au angajat nu numai în activități creative, ci și în activități didactice. Unul dintre primii studenți americani ai lui Leach a fost Warren McKenzie (n. 1924), care a studiat la atelierul St. Ives din 1949 până în 1951.
La sfârșitul anilor 1940 și începutul anilor 1950 artiștii americani au devenit din ce în ce mai interesați de tradiția olăritului japoneză. După îndelungatul declin economic al Marii Depresiuni și militarizarea economiei în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, a venit o perioadă de stabilitate în Statele Unite, care nu a putut decât să afecteze dezvoltarea artelor decorative și aplicate. La mijlocul secolului al XX-lea, interesele ceramiștilor americani s-au concentrat în principal pe îmbunătățirea tehnicilor ceramice și a formulărilor de glazură. În deceniul postbelic, estetica artelor aplicate - nu numai în ceramică, ci și în designul de mobilier, textile artistice etc. - s-a schimbat radical. Proliferarea de noi materiale create de industria militară a dus la o extindere a posibilităților de proiectare.
Prelegere susținută de legendarul Shoji Hamada
Începând cu 1950, revista Craft Horizons a început să prezinte publicații despre munca meșterilor; în 1953, Consiliul Educațional al Meșterilor Americani a organizat o expoziție de „meșteri-designeri” împreună cu Muzeul Brooklyn; în 1956, aceeași asociație a deschis Muzeul Meșteșugurilor Moderne din New York. Numărul instituțiilor de învățământ în care s-au studiat meșteșugurile și artele decorative și aplicate a crescut și, treptat, a fost creat în Statele Unite un mediu fructuos pentru munca artiștilor și maeștrilor diferitelor tipuri de arte decorative și aplicate.
Lumea postbelică în schimbare rapidă necesita un nou limbaj artistic. După al Doilea Război Mondial, lumea s-a extins semnificativ, iar interesul pentru țările din Est a crescut și el. Prezența bazelor militare americane în Japonia, ca efect concomitent, a condus la extinderea înțelegerii americanilor asupra culturii îndepărtate și la apariția unui interes de durată pentru Japonia. Estetica japoneză a câștigat treptat mințile și inimile artiștilor americani: ideile de artă „organică”, apropierea de formele naturale - toate acestea au fost un răspuns la cultura tehnogenă și designul de război.
Interesul a apărut și pentru cultura spirituală a Japoniei, al cărei accent era budismul zen. Cunoașterea acestei școli budiste s-a răspândit în Occident datorită publicațiilor și activităților educaționale active ale lui Suzuki Daisetsu Teitaro: (鈴木大拙貞太郎, 1870-1966) și savantului și filozofului religios Alan Wilson Watts (1915-1973). Pe lângă activitățile lui Watts ca popularizator al budismului zen, merită remarcate ideile sale despre estetica artelor aplicate, născute sub influența comunei Druid Heights (California, SUA). Locuitorii acestei comune, fondată de scriitoarea Elsa Gidlow (1898-1986), inclusiv Alan Watts, au creat ei înșiși toate obiectele de uz casnic necesare, ghidându-se după idei despre estetica naturală și funcțională. Watts a văzut o legătură directă între formele simple de „estetică aplicată” ale artiștilor amatori americani și estetica acelor lucruri care au fost create în spiritul esteticii wabi japoneze pentru acele arte care s-au dezvoltat în conformitate cu tradiția Zen (ceremonia ceaiului, ikebana). aranjamente florale etc.). În același timp, atât etica budismului zen, cât și estetica acestuia au fost percepute de Watts și adepții săi ca o modalitate de „imigrare internă”, găsirea propriei voci într-un stat conservator și unificarea tuturor formelor de viață în America. Ceramica cu formă liberă a ocupat un loc proeminent în artele și meșteșugurile din Statele Unite.
O influență imensă asupra ceramiciștilor americani în anii 1950 a fost Bernard Leach, a cărui lucrare The Potter's Book a fost publicată în Statele Unite în 1947. Cu toate acestea, cea mai mare influență asupra artiștilor a fost sosirea maestrului englez, Yanagi Soetsu și Hamada Shoji în SUA cu o serie de prelegeri și cursuri de master în 1952, după o conferință susținută la Dartington Hall (Devonshire). Această conferință anglo-japoneză a fost dedicată artei ceramicii și țesăturii artistice, scopul ei principal a fost acela de a demonstra posibilitățile largi de cooperare internațională în acest domeniu artistic.
Datorită cursurilor de master ale lui Hamada Shoji (maestrul a ținut rar prelegeri publice, dar a găsit ocazia să-și demonstreze munca peste tot - pe orice roată de olar și cu orice lut care i-a fost oferit), ceramiștii americani au făcut cunoștință cu calitățile plastice speciale. a ceramicii japoneze. Ceramica japoneză a început să fie luată în considerare în definițiile sculpturii, cu toate posibilitățile acestei forme de artă în crearea unei forme complexe, în interacțiune cu spațiul înconjurător, ținând cont de importanța texturii (și a culorii) pentru transmiterea dinamicii interne a formă etc.
În anii 1950-1960, Statele Unite au fost vizitate și de maeștri japonezi proeminenți precum Kitaoji Rosanjin (北大路 魯山人, 1883-1959) și Kaneshige Toyo (金重陶陽, 1896-1967), care au avut o influență uriașă asupra artiștilor americani. Unul dintre cei mai interesați participanți la astfel de prelegeri și cursuri de master a fost Paul Soldner (1921-2011), care este considerat inventatorul „raku american”, care de-a lungul timpului s-a dovedit a fi o direcție pan-occidentală a ceramicii. A fost elevul unuia dintre cei mai distinși și influenți artiști ceramici ai timpului său, Peter Voulkos (Panagiotis Voulkos, 1924-2002). Mica diferență de vârstă - doar trei ani - dintre profesor și elev a permis maeștrilor să experimenteze împreună și să caute noi forme de ceramică.
Soldner a fost foarte influențat de filosofia Zen, de ceremonia ceaiului și de munca olarilor japonezi, dar aceste fenomene nu au avut prea multă influență asupra lucrărilor sale timpurii - piese monumentale, complexe, realizate pe roata olarului. Cu toate acestea, în 1960, în timp ce pregătea o clasă pentru studenții de la Institutul Scripps, a devenit interesat de ceramica Raku și a descoperit posibilitățile nesfârșite de libertate creativă și improvizație care caracterizează acest tip de ceramică.
Soldner a abandonat formele complexe în favoarea celor „organice”, apropiate de natură, ceea ce a dus și la abandonarea roții olarului - metodele de turnare au început să semene mai mult cu cele adoptate în atelierele Raku din Kyoto. Arderea a necesitat cercetări speciale: cele mai mari modificări (comparativ cu raku japonez) au fost făcute în această etapă de creare a unui produs ceramic.
Ca sursă principală de informații, Soldner a folosit descrierea ceramicii Raku și tehnologia creării acesteia în „Cartea lui Potter” de B. Leach. Folosindu-l scurta descriereși bazându-se pe propria experiență de lucru, Soldner a creat un cuptor mic. După câteva ore de ardere, Soldner a scos vasul din ceramică fierbinte și l-a învelit în frunze umede dintr-un șanț de drenaj din apropiere, creând un mediu de reducere pe măsură ce piesa se răcea. Acest proces a fost numit ceramică „afumată” și a fost radical diferit de metoda tradițională japoneză de răcire a produselor raku într-un mediu oxidant. Cu toate acestea, această metodă a pus bazele așa-numitului „cancer american” și s-a răspândit în multe țări din întreaga lume. 
Soldner a continuat să producă cuptoare după design propriu: în anii 1960, a construit unsprezece cuptoare pentru arderea produselor la diferite temperaturi și în diferite condiții redox, inclusiv cuptoare și camere de reducere pentru raku. Camerele de afumare sigilate din oțel aveau un diametru de aproximativ 1,2 m și făceau posibilă răcirea simultană a 6-10 produse într-un mediu reducător. Pentru a realiza oxidarea parțială a suprafeței produselor (care le-a conferit o individualitate strălucitoare), capacul unui astfel de cuptor ar putea fi ridicat pentru ceva timp. Astfel, în timpul numeroaselor experimente cu cuptoare de design propriu, glazuri de diferite rețete și sub diferite forme Produsele Soldner s-au îndepărtat foarte mult de tehnicile originale japoneze utilizate în cuptoarele tradiționale Raku.
Această utilizare liberă a rețetei tradiționale a fost dictată de convingerea profundă a lui Soldner în nevoia de a merge mai departe, ghidat doar de intuiție și experiență. În același timp, expresionismul abstract, cu angajamentul său deosebit față de spontaneitate și imprevizibilitatea rezultatului creativității artistice, era, după ideile contemporanilor lui Soldner, comparabil cu principiile naturaleței și spontaneității zen. Astfel, tradiția medievală japoneză suna puternic modernă la mijlocul secolului al XX-lea.
Bolurile chawan pe care Soldner le-a creat ca parte a unui grup de studenți Otis în anii 1960 se disting prin interpretarea lor distinctivă, dar atentă, a tradiției ceramice japoneze. Formele sunt apropiate de japoneză; suprafața neuniformă a părților laterale ale bolurilor este acoperită cu vrac
picături de glazuri colorate (negru, roșu, galben sau maro), de-a lungul cărora se află craqueluri mari colorate. Maestrul a apelat la aceste forme clasice de ceramică japoneză de-a lungul lungii sale cariere creative, introducând noi și noi caracteristici originale în stilul raku liber. În anii 1980, încercând mai mult forme complexe, deja aproape de o sculptură și un obiect de artă, Soldner a complicat și decorul: maestrul a aplicat glazura în straturi de diferite grosimi, creând tranziții complexe de la un ciob neglazut la zone groase și umflate de glazură colorată.
Într-o expoziție din 2012, Muzeul de Artă Missoula a arătat un vas mare, aproape sferic, de Paul Soldner, acoperit cu o glazură maro și ars în tradiția raku. Vasele din masă ceramică gri închis, de formă similară, au fost acoperite cu un strat subțire de glazură și decorate deasupra cu angoburi și glazuri colorate - modele expresioniste, abstracte de linii și linii intersectate, amprente de șabloane din lemn cu modele diferite - în formă de dungi pieptene, mici crestături etc.
În anii 1960, printre ceramicii americani existau deja mai multe idei despre ce era „raku”: acestea erau fie obiecte arse în camere de fum („fumuri”), fie arse și răcite în camere cu combustibil mocnit sau în apă. O asemenea diversitate a fost consemnată și la începutul secolului al XXI-lea în descrierea lui Stephen Branfman a tehnologiei raku: el definește ceramica raku ca fiind arsă într-un cuptor preîncălzit, scoasă din cuptor la temperatura maximă în camera de ardere și răcită lent în apă, într-un recipient cu materiale combustibile sau doar în aer liber.
Paul Soldner a evitat definirea definitivă a ceramicii raku prin tehnologie. El a pornit de la ideea că principalele calități ale ceramicii Raku - libertatea interioară și comoditatea - se află dincolo de tehnologie, în domeniul înțelegerii artistice a vieții. Maestrul a avut ocazia să vadă diferența dintre propria sa tehnică și tradiția originală a familiei Raku în timpul vizitei sale în Japonia la sfârșitul anilor 1990. Cu toate acestea, până la acel moment, tehnologia de ardere a produselor, propusă de el în anii 1960, a devenit cunoscută drept „raku” cu mult dincolo de granițele Statelor Unite - datorită expozițiilor, publicațiilor și activitate pedagogică atât Soldner însuși, cât și studenții și adepții săi. Funcționează astăzi în SUA număr mare ceramiciști care continuă tradiția tragerii raku americane, dar diferite versiuni ale acestui stil există în alte țări occidentale.
Ceramistul britanic David Roberts (n. 1947) este unul dintre cei mai influenți artiști contemporani care lucrează în stilul raku. Opera sa nu numai că a constituit o nouă reinterpretare engleză a acestor ceramice japoneze, dar a dus și la o renaștere a interesului pentru raku în Statele Unite, unde a contribuit la crearea mișcării Naked Raku, făcând aceste ceramice și mai moderne.
Formele monumentale ale acestei ceramici sunt create prin modelare manuala (construirea suvitelor), apoi suprafata este nivelata si dupa arderea biscuitilor (aproximativ 1000-1100°C) este uneori acoperita cu un strat subtire de angoba, iar apoi cu glazura. A doua ardere „raku” la o temperatură de 850-900°C se încheie cu „fumatul” pe termen lung a produsului într-un mediu reducător - într-un recipient cu hârtie și o cantitate mică de rumeguș. În câteva minute, coloranții și compușii de angobă și argilă sunt restaurați. Produsul finit este spălat și, în timpul procesului de spălare, glazura este îndepărtată de la suprafață, dezvăluind o angobă albă cu un model complicat de suprafață înnegrită (de aceea această tehnologie este numită „raku gol”). În unele cazuri, produsul finit este frecat cu ceară naturală pentru a conferi suprafeței o strălucire profundă.
Decorate în alb-negru laconic, cele mai recente lucrări ale lui Roberts par sculptate din piatră: marmură albă cu un model complex de vene sau hematit. Toate suprafețele - mate sau lustruite - au o strălucire profundă, fără reflexe strălucitoare, împrăștiind ușor lumina. Se poate aminti că tocmai această capacitate a pietrei - și anume jadul - a făcut din aceasta un material nobil în ochii chinezilor și a dat naștere la o serie de imitații de jad în porțelan și ceramică în China (din secolul al XII-lea). ) și Japonia (din secolul al VIII-lea).
Ceramica lui Roberts este la fel de îndepărtată de lucrările atelierului japonez al lui Raku, precum sunt de experimentele lui Paul Soldner. „Raku” lui, la rândul său, a dat naștere apariției unei galaxii de stăpâni strălucitori ai noului raku „god” în multe țări ale lumii. Printre maeștrii occidentali se pot numi Charlie și Linda Riggs (Atlanta, SUA) și Paulo Reis (Africa de Sud).
În diferite ateliere, artiștii experimentează diferite compoziții argile, angoburi și glazuri, diverse materiale combustibile pentru procesul de restaurare în afumătoare, precum și noi forme de produse ceramice - de la vaze tradiționale la elemente
decor interior și obiecte de artă. Mulți ceramisti din Rusia și țările vecine creează lucrări folosind tehnologia „raku american” și aderă la stilul produselor tradiționale japoneze cu forme organice brute, bogate în culori de glazură.
Rezumând studiul fenomenului „ceramica raku” în lucrările ceramiștilor occidentali din secolul al XX-lea - începutul secolului XXI secolului, trebuie spus că termenul „ceramica raku” a primit o interpretare extrem de largă în literatura modernă despre artele decorative și aplicate și ceramică, precum și în practica artiștilor ceramici. Pe baza conținutului, se pot distinge următoarele definiții pentru „raku”:
Ceramica creată în tehnologia și estetica tradițională japoneză de către maeștrii familiei Raku (Kyoto);
ceramică creată folosind tehnologia tradițională japoneză în alte ateliere japoneze;
in sfarsit, ceramica de maestri occidentali care interpreteaza traditia japoneza atat din punct de vedere tehnologic cat si estetic.
În ciuda marii diversități tehnologice și stilistice de tipuri de ceramică, rezumate în a treia grupă, acestea sunt unite de un principiu artistic important: urmărirea naturii, colaborarea cu aceasta la crearea unei imagini artistice (care corespunde „direcției organice” și principiilor a metabolismului în arhitectura și designul secolului XX).
Acest principiu, asociat în conștiința occidentală în principal cu filosofia Zen și estetica wabi, permite tuturor ceramiștilor moderni să se considere continuatori și interpreți ai tradiției spirituale și ceramice japoneze, indiferent cât de departe sunt lucrările lor de „sursele primare”. Libertatea și spontaneitatea creativității, colaborarea artistului cu materialul, imprevizibilitatea rezultatului final și originalitatea estetică fac ceramica raku atractivă pentru toți artiștii.
Ceramica japoneză din familia Raku, care a păstrat fundamentele tehnologiei și esteticii din secolul al XVI-lea, s-a dovedit astfel a fi unul dintre cele mai influente tipuri de artă decorativă și aplicată din secolul al XX-lea.
