Жапонияның сәндік-қолданбалы өнері ▲. Жапондық қолөнер түрлері Жапон сәндік өнері қалай аталады

Жапония - аралдарда орналасқан таңғажайып шығыс елі. Жапонияның тағы бір атауы - Күншығыс елі. Жұмсақ, жылы, ылғалды климат, жанартаулардың тау жоталары мен теңіз сулары керемет пейзаждар жасайды, олардың арасында жас жапондар өсіп жатыр, бұл осы шағын мемлекеттің өнерінде із қалдыратыны сөзсіз. Бұл жерде адамдар бар ерте жылдарОлар сұлулыққа үйренеді, ал балғын гүлдер, сәндік өсімдіктер және көлі бар шағын бақтар - олардың үйлерінің атрибуты. Әркім өзі үшін шығарма ұйымдастыруға тырысады жабайы табиғат. Барлық шығыс ұлттары сияқты жапондықтар да өзінің өркениетінің ғасырлар бойы құрметтеп, құрметтеп келген табиғатпен байланысын сақтап қалды.

Ауаны ылғалдандыру: «WINIX WSC-500» ауа жуғышы судың ұсақ бөлшектерін тудырады. Winix WSC-500 шайбасының жұмыс режимдері: «WINIX WSC-500» ауа жуу машинасының ыңғайлы автоматты жұмыс режимі бар. Бұл ретте бөлмедегі ең оңтайлы және жайлы ылғалдылық сақталады - 50-60% және плазмалық ауаны тазарту және иондау режимі («Plasma Wave™») әдепкі бойынша қосылады.

Жапонияның сәулет өнері

Ұзақ уақыт бойы Жапония жабық ел болып саналды; Сондықтан олардың дамуы өзіндік ерекше жолмен жүрді. Кейінірек, аралдар аумағына түрлі жаңалықтар еніп жатқанда, жапондықтар оларды тез арада өздеріне бейімдеп, өзінше қайта жасады. Жапондық сәулет стилінде үйлерді үздіксіз жауатын жаңбырдан қорғау үшін үлкен қисық шатырлары бар үйлер бар. Бақшалары мен павильондары бар императорлық сарайлар - нағыз өнер туындысы.

Жапонияда табылған діни ғимараттардың ішінде тарихтың кейінгі кезеңінде, буддизм елге материктен еніп, мемлекет болып жарияланған кезде пайда болған, бүгінгі күнге дейін сақталған ағаш синтоизм храмдарын, буддалық пагодаларды және буддисттік ғибадатхана кешендерін ерекше атап өтуге болады. дін. Ағаштан жасалған ғимараттар, біз білетініміздей, берік және осал емес, бірақ Жапонияда ғимараттарды бастапқы түрінде қайта жасау әдетке айналған, сондықтан өрттен кейін де олар сол кезде салынған пішінде қайта салынады.

Жапон мүсіні

Буддизм жапон өнерінің дамуына күшті әсер етті. Көптеген жұмыстар Будда бейнесін бейнелейді, сондықтан ғибадатханаларда Будданың көптеген мүсіндері мен мүсіндері жасалды. Олар металдан, ағаштан және тастан жасалған. Біраз уақыттан кейін ғана зайырлы портреттік мүсіндерді жасай бастаған шеберлер пайда болды, бірақ уақыт өте келе оларға қажеттілік жоғалып кетті, сондықтан терең оюлары бар мүсіндік рельефтер ғимараттарды безендіру үшін жиі қолданыла бастады.

Миниатюралық нецуке мүсіні Жапонияның ұлттық өнер түрі болып саналады. Бастапқыда мұндай фигуралар белдікке бекітілген салпыншақ рөлін атқарды. Әрбір мүсіншеде қажетті заттар ілінетін сымға арналған тесік болды, өйткені ол кезде киімдердің қалтасы болмады. Нецуке мүсіндері зайырлы кейіпкерлерді, құдайларды, жындарды немесе ерекше құпия мағынаға ие әртүрлі заттарды бейнелеген, мысалы, отбасылық бақыт тілегі. Нецуке ағаштан, піл сүйегінен, керамикадан немесе металдан жасалған.

Жапонияның сәндік өнері

Жапонияда қырлы қару жасау өнер деңгейіне көтеріліп, самурай семсерін жасауды жетілдірді. Қылыштар, қанжарлар, қылышқа арналған жақтаулар, жауынгерлік оқ-дәрілердің элементтері сыныпқа жататынын білдіретін ерлердің әшекейлерінің бір түрі болған, сондықтан оларды шебер шеберлер жасаған, асыл тастармен және оюлармен безендірілген. Жапонияның халық қолөнеріне керамика, лак бұйымдары, тоқыма және ағаш оюы да кіреді. Дәстүрлі керамикалық бұйымдарды жапон құмыралары әртүрлі өрнектермен және глазурьмен бояйды.

Жапония суреті

Жапон кескіндемесінде алғашында каллиграфия өнерімен тығыз астасып жатқан монохромды кескіндеме түрі басым болды. Екеуі де бір қағида бойынша құрылған. Бояу, сия және қағаз жасау өнері Жапонияға материктен келді. Осыған байланысты кескіндеме өнерінің дамуының жаңа кезеңі басталды. Ол кезде жапондық кескіндеменің бір түрі Будда өмірінің көріністерін бейнелейтін эмакиномоның ұзын көлденең шиыршықтары болды. Жапонияда пейзаждық кескіндеме әлдеқайда кейінірек дами бастады, содан кейін әлеуметтік өмір көріністеріне, портреттер мен соғыс көріністеріне маманданған суретшілер пайда болды.

Жапонияда олар әдетте жиналмалы экрандарға, шоджилерге, үй қабырғаларына және киімдерге сурет салады. Жапондықтар үшін экран үйдің функционалды элементі ғана емес, сонымен қатар бөлменің жалпы көңіл-күйін анықтайтын толғануға арналған өнер туындысы болып табылады. Ұлттық киім кимоно да жапон өнерінің ерекше шығыс иісі бар өнер туындысы болып табылады. Жарқын түстерді қолданатын алтын фольгадағы сәндік панельдерді жапондық кескіндеме жұмыстары ретінде де жіктеуге болады. Жапондықтар ағаш оюы деп аталатын укио-э жасауда үлкен шеберлікке қол жеткізді. Мұндай картиналардың тақырыбы қарапайым қала тұрғындарының, суретшілер мен гейшалардың өмірінен эпизодтар, сондай-ақ Жапониядағы кескіндеме өнерінің дамуының нәтижесі болған керемет пейзаждар болды.

Қытай халқы уақыт өте келе әлемге әйгілі көптеген қолөнер бұйымдарын жасады. Ежелден бері тастан, ағаштан, саздан, лактан түрлі бұйымдар жасаудың дағдылары мен құпиялары, сондай-ақ маталар мен кесте тігудің құпиялары берілді. Ежелгі уақытта қытай шеберлері материалдың көркемдік қасиеттерін анықтауды және көрсетуді үйрене отырып, осы мақсатта оның түстерін, дақтарын, фигуралардың айырмашылығын, бетінің тегістігін пайдаланды. Саздан және тастан жасалған ең көне ыдыстар көне ыдыстар сияқты пішіндердің тамаша үйлесімімен және бөлінулердің анықтығымен ерекшеленеді.

Қытай қолөнершілері көне заманнан көптеген дағдыларды, әдет-ғұрыптар мен әдістерді және дәстүрлі өрнектерді қабылдады. Дегенмен, жаңа тарихи дәуір алға қойған қажеттіліктердің өзі көркем қолөнердің көптеген жаңа түрлері мен тәсілдерін тудырды. Күнделікті өмірмен және қала тұрғындарының өсіп келе жатқан қажеттіліктерімен байланысты Қытайдың бейнелеу өнеріндегі көркем қолөнер ең кең тараған және танымал болып қана қоймай, сонымен бірге ең белсенді түрлердің біріне айналды.

Бүкіл әлем қытайлық вазаларды, шыныаяқтарды және басқа заттарды пайдаланады. Өз Отанында қытай фарфоры өнердің басқа түрлерімен қатар ең кең қолданыс аясына ие. Қытай керамикасы мүсіндік жұмыстарды қаптау үшін де қолданылады.

Керамика. Ежелгі уақытта қытайлықтар қыш ыдыстары үшін жоғары сапалы саздың сорттарын пайдаланған. Дегенмен, фарфордың өнертабысы үшін нақты несие ортағасырлық Қытайдың шеберлеріне тиесілі. Тан дәуірінде Қытайдың рухани өмірінің барлық салаларында жоғары өркендеу кезеңінде алғашқы фарфор бұйымдары пайда болып, тез тарады. Фарфорды ақындар жырлап, қазына деп қастерлеген. Қытайдағы фарфор өндірісіне оған қажетті материалдардың: фарфор тасы (далалық шпат пен кварцтың табиғи қосылысы) және жергілікті саз – каолиннің бай кен орындары ықпал етті. Осы екі компоненттің комбинациясы қажетті икемділік пен балқыту қасиеттерін қамтамасыз етеді. Қытайлық фарфор бұйымдарының әрқайсысы терең ойластырылған, қолөнер ретінде емес, тәуелсіз өнер туындысы ретінде орындалған. Жұқа ыдыстардың пішіндері дөңгелек, жұмсақ және массивті. Осы уақытта әсіресе әйгілі Синчжоу қаласында шығарылған, көне бұйымдардың монументалдылығын сақтай отырып, тегіс және күңгірт ақ фарфор болды. Осы уақыттың көптеген ыдыстары ашық түсті глазурьмен боялған, оларда мыс, темір және марганец оксидтері араласып, сары, қоңыр, жасыл және күлгін қанық реңктер берілді. Бірақ фарфор өзінің ерекше әртүрлілігі мен тектілігіне 11-13 ғасырларда жетті. Тан дәуірінде керамиканың түсі алуан түрлі болды. Бірақ Сунаның астында ол қарапайымдылығымен және қарапайымдылығымен ерекшеленеді. Қытай керамикасының нақты және жұқа сызықтары және түсінің қарапайымдылығы бар. Табиғи түстерді пайдалану осы уақытқа тән. Сұр-көк және сұр-жасыл түстерді көбінесе қытайлық ыдыста немесе вазада табуға болады. Кішкентай жарықтар - бұл шебердің ақауы емес, мұқият ойластырылған қадам. Глазурьдегі бұзылулар, шпонның кептірілген тамшылары және өнімнің бүкіл бетіндегі кішкене жарықтар толықтық сезімін береді.

Мин фарфоры, Сонг фарфорынан айырмашылығы, түрлі-түсті. Шеберлер оның аппақ аппақ бетін көркем фон ретінде пайдаланып, оған бүкіл пейзажды немесе жанрлық композицияларды орналастырды. Кескіндеменің көптеген тақырыптары мен түрлері, сондай-ақ түрлі-түсті комбинациялар бар: жұмсақ және асыл түрдегі және дизайндағы кобальт глазурімен боялған көк және ақ фарфор, түстерге бай түрлі-түсті глазурь, үш түсті және бес түсті. Фарфордың одан да көп техникасы мен түрлері 17-18 ғасырларда пайда болды. Қара, тегіс және жылтыр ыдыстар пайда болады, үстіңгі жағында жарқын және жарқыраған эмальдармен боялған ыдыстар. Өнердің барлық басқа түрлері құлдырап тұрған 18 ғасырдың соңына дейін қытай фарфорының көркемдік деңгейі жоғары болып қала берді. Алдыңғы кезеңдерден айырмашылығы, Цин династиясы кезінде (XVII-XIX ғғ.) фарфор бұйымдарының формалары күрделірек және талғампаз болды. Ескі үлгілердің қайталануы талғампаз пропорцияларға ие болады және 18 ғасырдың аяғында. сызбаның шамадан тыс алғырлығы дамиды. Осы кезден бастап фарфорды безендіру мотивтер мен тақырыптардың алуан түрлілігімен және байлығымен, кей жағдайда ою-өрнектің көбірек қанықтығымен сипатталады. Бұл әсіресе кобальт кескіндемесінде және «жасыл отбасы» деп аталатын диапазонда байқалады. Күрделі көп фигуралы көріністер, шағын өсімдік мотивтері немесе кескіндеменің сансыз тақырыптарының кез келгені композициялық құрылымның үлкен күрделілігімен және ойлылығымен ерекшеленеді.

Таң және Сун қолданбалы өнерінің түрлері сан алуан. Бұл кезде қола айналар көне үлгілер бойынша жасалған, артқы жағында гүлді өсімдіктердің, ермексаз жануарлардың, құстардың және жемістердің рельефті өрнектері мол безендірілген. Көбінесе мұндай айналар күмістен жасалған, алтынның ең жұқа қабатымен жабылған, інжу-маржан мен асыл тастармен безендірілген.

«Ке-сы» (қиылған жібек) маталар өрнектері бұл кездегі кескіндемеге әсіресе жақын. Олар атақты суретшілердің үлгілері негізінде жасалған. Ke-sy өзінің ерекше жұмсақтығымен, нәзіктігімен және бағалы дәнді күңгірт құрылымымен ерекшеленеді. Жұмсақ қызғылт мейхуа қара өрігінің бұтақтарындағы жеңіл құстар, пейзаждар, гүлдеген бүршіктері ке-сімен бейнеленген негізгі мотивтер.

Қытайда боялған эмаль шеберханаларының пайда болуы Франциядан шыққан Батыс Еуропа әсерлерімен байланысты Канси кезеңіне жатады. Иезуит миссионерлері әкелген діни гравюралардың әсерін 18 ғасырдағы металға әдеттегі қытай эмальдарымен түсіндіруге болады. контур бойымен кескіндерді көлеңкелеу, калькалау әдістері және басқа, мәнді графикалық, көркем бейнелеу құралдары. Еуропалық әсерлердің іздері тек кескіндеме тақырыбы мен мәнерінде ғана емес, сонымен қатар 18 ғасырдағы қытай эмальдарының пішіндерінде де байқалады. 16-18 ғасырлардағы неміс және ағылшын мыс және күміс бұйымдары көбінесе прототип ретінде қызмет етті. Ең жоғары пайдалану үшін жасалған эмальдар «хуан жи» - «сары (яғни, «император») ыдыстар» деп аталды, өйткені сары түс бұрыннан Қытай императорының символдық түсі болып саналған. Мұндай эмальдардың декорында «хуаньяо» («гүл-құстар») жанрындағы бейнелер, қытайлық сюжеттік көріністер мен сәндік композициялар басым: жүзім бұтасындағы өсімдік өсіндісіне тоқылған лотос гүлінің бастарының бейнелері және зооморфты. көне қола ыдыстардың декорациясына дейін баратын өрнек. Боялған эмальдарда әртүрлі пішіндегі тақталардың композициялық жинақтары танымал, олар Канси дәуірінде қытай фарфорында жасалған. Көбінесе тақтайшаларға ақ фонда «гүлдер мен құстар» жанрындағы суреттермен безендірілген ашық желдеткіштің пішіні берілді. Бірқатар жағдайларда фарфор мен металдағы эмальдар Еуропаға жалпы келу жолдарымен де, пішіндердің, кескіндеме мотивтерінің және түсінің ұқсастығымен де байланысты. Дегенмен, фарформен сөзсіз ұқсастығына қарамастан, металға боялған эмальдар дәстүрлі түрлерінен гөрі еуропалық өнермен батыл байланыста болған қытай қолөнерінің мүлдем ерекше түрі ретінде өте айқын көркемдік ерекшелігімен сипатталады.

Жапонияда көркем қолөнер және қолданбалы өнер «когей» деп аталады. Көркем шығармалар туралы көптеген көркем ойлардың қайнар көзі табиғатқа деген терең сүйіспеншілік болды. Адамдар оның сұлулығын ең қарапайым, шағын, күнделікті құбылыстардан бұрыннан сезінген.

Жапон сәндік-қолданбалы өнер туындыларына дәстүрлі түрде лак, фарфор және керамикалық бұйымдар, ағаш, сүйек және металл оюлары, көркем безендірілген маталар мен киімдер, қару-жарақ бұйымдары және т.б. жатады. Қолданбалы өнер туындыларының ерекшелігі мынада: оларда таза практикалық, утилитарлы пайдалану, бірақ сонымен бірге олар адамның күнделікті өмірін безендіру ретінде қызмет ететін таза эстетикалық рөл атқарады. Жапондықтар үшін қоршаған заттардың эстетикасы олардың практикалық мақсатынан кем емес маңызды болды.

Бақытты. Лак бұйымдары Жапонияда ежелгі дәуірден белгілі болды, олардың қалдықтары Джомон дәуірінің археологиялық орындарында кездеседі. Ыстық және ылғалды климатта лак жабындары ағаштан, былғарыдан және тіпті металлдан жасалған бұйымдарды бұзылудан қорғады. Жапониядағы лак өнімдері ең кең қолдануды тапты: ыдыс-аяқ, тұрмыстық ыдыс-аяқ, қару-жарақ, қару-жарақ. Дәстүрлі жапон лактар ​​қызыл және қара, сондай-ақ алтын; Эдо кезеңінің соңына қарай сары, жасыл және қоңыр лак өндірісі басталды. Жоғарыға оралу

ХХ ғасыр Ақ, көк және күлгін түсті лак алынды. Лакты қолдануға байланысты көптеген сәндік әдістер бар: маки-э - алтын және күміс ұнтағын пайдалану; urushi-e - лакпен бояу; Hyomon - алтын, күміс және інжу-маржанды лакпен бояудың үйлесімі. Шамамен 17 ғасырдың ортасына дейін. Киото лак өнерін дамытудың негізгі орталығы болып қала берді. Огато Корин мансабын сонда бастады. Оның лак бұйымдары пішін мен декордың ерекше бірлігімен ерекшеленді, бұйымның бір жағынан екінші жағынан біркелкі «ағылып» тұрды. Әртүрлі материалдардың үйлесімі ерекше беттік текстураны және сирек кездесетін түс ауқымын жасады.

Керамика. Жапондықтардың керамикалық бұйымдарға деген құштарлығы ерекше. Олардың ең ертесі археологиялық қазбалардан белгілі және Джомон дәуіріне (тас дәуіріне) жатады. Жапон керамикасының және кейінірек фарфордың дамуына қытай және корей технологиялары, атап айтқанда күйдіру және түрлі-түсті глазурь жабыны айтарлықтай әсер етті. Жапон керамикасының айрықша ерекшелігі - бұйымның пішініне, сәндік ою-өрнегі мен түсіне ғана емес, сонымен қатар адамның алақанына тиген кезде тудыратын тактильді сезімдерге назар аудару. Керамикаға жапондық көзқарас біркелкі емес пішіндерді, бетінің кедір-бұдырлығын, жайылған жарықтарды, глазурь жолақтарын, шебердің саусақ іздерін және материалдың табиғи құрылымын көрсетуді қамтыды. Көркем керамикалық бұйымдарға, ең алдымен, шайға арналған тостағандар, шәйнектер, вазалар, кәстрөлдер, сәндік ыдыстар, сакелер жатады. Бастапқыда ыдыстың пішіні бұтақтардан және шөптен жасалған, содан кейін оны күйдірген кезде сазбен қапталған, бұтақтар мен шөптер күйіп, ыдыстардың қабырғаларында іздерін қалдырған; Ортаңғы және кеш кезеңДжомон қазірдің өзінде мүсіндік ыдыстарға ұқсайды. VI-XI ғасырларда. Корея құмыраларының әсерінен жапон шеберлері жасыл-сары жылтыратылған балшықтан жасалған бұйымдарды күйдіруге көшті. Шамамен сол уақытта нағыз фаянстан жасалған бұйымдар пайда болды - глазурьмен жабылған гигроскопиялық саз.

Фарфордан жасалған бұйымдар негізінен талғампаз безендірілген жұқа қабырғалы вазалар, шай-шарап жиынтықтары және әртүрлі мүсіншелер. 17-18 ғасырларда өндірілген фарфор бұйымдарының массасында. Бүкіл елде екі негізгі түрі ерекшеленді: Кутани мен Набешима шеберханаларының қымбат, жұқа боялған бұйымдары және үлкен серияда шығарылған Арита мен Сето фарфоры. Кутани шеберханаларының бұйымдары пластикалық, біркелкі емес пішінге ие болды. Олардың кескіндемесі үлкен түсті дақтардың көмегімен жасалды және ыдыстардың бетінде еркін орналасты. Набешима бұйымдары әдетте глазурьді кескіндемеде жасалған жалғыз өсімдік мотивінің бейнесімен безендірілген, кейде үстеме полихромды кескіндемемен толықтырылған. Арита мен Сетоның цехтары жаппай өнім шығарды. Бұл тағам гүлдердің, көбелектердің және құстардың талғампаз сәндік композицияларымен безендірілген. Жапон фарфорының едәуір бөлігі Батыс елдеріне экспорттау үшін арнайы шығарылды.

Эмаль. 17 ғасырдың ортасынан аяғына дейінгі кезең. Жапониядағы эмаль өнерінің даму тарихында өте жемісті болды. Осы уақытта жапон шеберлері түсте кемелділікке қол жеткізді. Сынама алу әдісін қолдана отырып, олар эмаль үшін негіз болған әйнектің оңтайлы балқымасын және оған белгілі бір реңк, мөлдірлік немесе сүтті меруерт жылтырлығы, жұмбақ жарқыраған оксидтердің әртүрлі вариацияларын таңдады. Барлық сәтті рецепттер шебердің отбасында мұқият сақталған құпияға айналды. Жапонияда эмальдар «сиппо» деп аталды, бұл «жеті асыл тас» дегенді білдіреді. Бұл зергерлік бұйымдарда эмаль алтынның, күмістің, изумрудтың, маржанның, агаттың, хрусталдың және інжу-маржанның орнын алмастыра алатынын білдірді. Жапонияда табылған эмальдың ең көне үлгісі 7 ғасырдың аяғына жатады. Кеңінен танымал екі эмаль әдісі - шамплеве және клузонна - Жапонияға бір мезгілде дерлік тарады. Шеберлер самурай қылыштарының күзетшілерін (цубасын), сәндік садақ пен жебелерді безендіру үшін, үйлерді, сандықтарды, қылқаламдарды сақтауға арналған тартпаларды және каллиграфияға арналған сияларды, шай ұнтағы мен хош иісті заттарды безендіру үшін клизонна эмальын пайдаланды. Эмальмен жұмыс істеген алғашқы қолөнершілердің шеберханалары Киотода осы бұйымдардың негізгі сатып алушылары болған императорлар мен дворяндардың сарайларына жақын орналасқан.

Эмаль техникасының қайта жандануы Нагояның шетінде өмір сүрген шебер Цунэкичи Каджи (1803-1883) шығармашылығымен байланысты. Ол Жапонияға келген шетелдік, негізінен еуропалық қолөнерді зерттеп, соның негізінде клизонна эмальымен жұмыс істеудің жаңа технологияларын жасады. Каджидің жетістігі басқа қолөнершілерді шабыттандырды. Жұмыстың жаңа әдістерін іздеу басталды. Сол кезде «қарсы эмаль» технологиясы пайда болды, ол күміс фольганы жұқа эмальмен жабылған мыс бетіне желімдеуден тұратын джин-бари техникасы. Шебер Сосуке Намикава (1847-1910) жасаған музен-джиппо технологиясы эмальдың бірінші қабаты кепкеннен кейін бөлгіш сымдарды алып тастауды және мөлдір эмальмен толтыруды қамтыды. Техникада бірнеше ондаған вариациялар болды - Мориаж, Учидаши, Акасуке, Кодай Мое, Нагаре-гусури және басқалары, бұл біріктірілген кезде тамаша нәтижелерге қол жеткізуге мүмкіндік берді. Жапония - эмаль тек металл дайындамаларға ғана емес, керамика мен фарфорға да қолданыла бастаған әлемдегі бірінші ел. Киотода жұмыс істеген шебер Ясуюки Намикава (1845-1927) керамикаға эмаль салу техникасында танымал болды.

Жапондық эмаль бұйымдары үшін Қытайдан алынған типтік үлгілер гүлдердің (хризантемалар, пиондар, пауловния гүлшоғырлары, қара өрік, шие) және айдаһарлардың, арыстандардың және басқа мифтік жануарлардың, құстар мен көбелектердің жапондық бейнелері болды. Көбінесе ізгі тілектердің символизмі суреттерге енгізілген. Бояғыштың реңктері өнімнің мақсатына байланысты өзгерді. Осылайша, экспорттық тауарлар еуропалық тұтынушыларға ұнайтын ашық, тіпті жарқыраған түстермен орындалды, ал тұрмыстық мақсаттағылар жапондықтардың эстетикалық дүниетанымына сәйкес келетін тыныш түстермен боялған.

Қытай мен Жапонияның өнері мен мәдениеті өте ерекше, ол әрқашан еуропалықтарды қызықтырып, қызықтырды. 17 ғасырдан бастап қытайлық және жапондық мотивтер Батыс Еуропаның көркемдік және стилистикалық бағыттарына еніп кетті. Осы күнге дейін бұл екі елдің мәдениетін зерттеу де, алу да қызықты.

Көркем металл бұйымдарының саласына ғибадатхана мүсіндері мен ыдыс-аяқтар, қару-жарақ және күнделікті өмірде қолданылатын сәндік заттар кірді; түс реңктері мен пластикалық қасиеттердің байлығы. Олардың ішінде ең көп таралғаны - қара, қоңыр, көк және күлгін түстің әртүрлі реңктерін шығаратын шакудо және сұр реңктердің сарқылмас көзі ретінде қызмет ететін шибуичи. Қорытпаларды жасаудың рецепттері кәсіби құпия болды және шеберден студентке берілді.

XVII-XVIII ғасырларда. Бай қала тұрғындарының тапсырыстары бойынша үйдегі құрбандық үстелдеріне мүсіндік бейнелер, сондай-ақ ізгілік мәні бар және отбасы ошағын қорғайтын бейнелер жасалды. Олардың ішінде Жапонияда аты шайдың шығу тегімен байланысты аты аңызға айналған монах Дарума, Дайкоку – бақыт пен байлық құдайы, Джурожин – бақыт пен ұзақ өмір құдайы.

Сонымен қатар, кейбір тұрмыстық заттар сәндік мақсатта қызмет етті. Бұлар түрлі металдарды бір бұйымға біріктіру, ашық ою, ою, ойық, инкрустация қолданумен ерекшеленетін хош иісті заттар, вазалар, ыдыстар, жәшіктер, лотоктар болды.

Металл негізге эмаль декорын қолдану дәстүрі Жапонияға 16 ғасырдың аяғында Қытайдан келді. Эмаль техникасының 4 түрі болды: клузонна, шамплеве, нақышталған және боялған. Эмальдар «сипло» деп аталды - жеті асыл тастар: алтын, күміс, изумруд, маржан, гауһар, агат, інжу, олар аңыз бойынша адамдарға бақыт әкелді. Көбінесе қытай үлгілеріне негізделген 17-18 ғасырлардағы жапондық клизон эмальдары аздап дыбыссыз реңктердің шектеулі палитрасымен, айқын геометриялық өрнекпен және қою қара-жасыл фонмен ерекшеленді. 19 ғасырдың ортасында. Эмаль техникасы қайта туды. Металл негізге мықтап жабысатын және ұнтақтауға оңай болатын көп түсті жылтыр эмальдар алынды. 19 ғасырдың аяғындағы клизон эмаль өнерінің өркендеуі. атақты шебер Намикава Ясуюки есімімен байланысты болды. Оның шеберханасынан толығымен эмальмен жабылған, зергерлік күтіммен жағылған шағын өлшемді бұйымдар шықты. Гүлдер, құстар, көбелектер, айдаһарлар мен феникстердің бейнелері, дәстүрлі ою-өрнектің көптеген түрлері өрнектің күрделі тоқылған шілтерінде өз орнын тапты. Алтын фольганы пайдалану өнімнің жылтыратылған бетіне жарқыраған жарқыраған жылтырды жасады.

Қару-жарақ жасау және безендіру Жапонияда ежелгі дәстүрлерге ие. Қылышты күн құдайы Аматерасу Омиками жерді билеп, зұлымдықты жоюға жіберген немересіне берген қасиетті зат ретінде қарастырды. Екі жақты қайрауы бар түз қылыш (Кен немесе Цуруги) синтоизм культінің аксессуарына айналды және империялық регалияның біріне айналды.

Орта ғасырларда қылыш самурайлардың күшін, батылдығын және абыройын бейнелейтін жауынгерлер табының символына айналды. Сондай-ақ онда қайтыс болған ата-бабалардың рухы өмір сүрді деп есептелді. 7 ғасырда қылыш пішіні пышақтың артқы жағында сәл иілумен, бір жақты қайраумен жасалды, ол 19 ғасырға дейін дерлік өзгеріссіз қалды. және «нихонто» (жапон қылыш) деп аталды.

16 ғасырдан бастап ақсүйектер мен әскери тап өкілдеріне екі қылыш тағу талап етілді: ұзын қылыш - «катана» және қысқа - салттық өзін-өзі өлтіруге арналған «вакизаши». Ар-намыс кодексін бұзған жағдайда ғалымдарға, қолөнершілерге және шаруаларға арнайы рұқсатпен «айкучи» қарауылсыз уакизаши немесе қылыш тағуға рұқсат етілді.

Пышақ жасаудың ұзақ және көп еңбекті қажет ететін процесі арнайы дұғалар, сиқырлар және ұстаға салтанатты киім кигізумен бірге салтанатты рәсім ретінде ұйымдастырылды. Пышақ бірнеше жолақтардан дәнекерленген, кем дегенде бес рет соғылған, ұнтақталған және жылтыратылған. 12 ғасырдың аяғынан бастап. жүздер ойықтармен, күннің, айдың, жұлдыздардың, айдаһарлардың бейнелерімен, гравюрамен және терең рельефпен жасалған жазулармен безендіріле бастады.

16 ғасырдағы қылыштың бөлшектері мен жақтауы. арнайы шеберлер – қару-жарақшылар мен зергерлер жасаған. Пышақ тұтқаға салынған, оның негізі екі ағаш блоктан тұратын, «фути» металл сақинасымен және «касира» ұштарымен бекітілген, тұтқасы көбінесе «бірдей» деп аталатын акуланың немесе скаттың терісіне оралған; (акула). Мұндай сап қылыштың ғұрыптық тазалығын сақтап, иесін қорғайды деген сенім болған. Ұсақ рельефті металл «менука» бөлшектері екі жағынан тұтқаға бекітілді, бұл қылышты екі қолмен сенімдірек ұстауды қамтамасыз етті. Оның үстіне, тұтқаны шнурмен немесе өріммен орап, бетіне өрілген үлгіні жасады. Қылыштың маңызды детальдары «цуба» (күзет) болды - пышақты тұтқадан бөлетін қорғаныс пластикі кішкентай семсердің қынаптары көбінесе кішкентай пышақтың сабын бейнелейтін «козука» мұқият өңделген металл тақталармен безендірілген; қабықтағы арнайы қалтаға салынған.

XVII-XIX ғасырларда. практикалық құндылығын жоғалтқан қару-жарақ ер адам костюміне сәндік қосымша болды. Оны әшекейлеуде зергерлік бұйымдарды жасаудың әртүрлі материалдары мен тәсілдері, ажурлы ою, қорытпалармен инструкция, рельефтік композициялар жасаудың әртүрлі әдістері, эмальдар мен лак қолданылған. Цуба ерекше көркемдік кемелдікке ие болды және дербес өнер туындысы ретінде қарастырыла бастады. Суреттердің тақырыбы өнердің басқа түрлеріне тән дәстүрлі мотивтер болды: гүлдер, құстар, пейзаждар, буддалық нақылдар, тарихи аңыздар, тіпті қала өмірін бағалау. Бір қылыштың бөлшектері орындау стилінде біріктірілген және көбінесе бір сюжеттің дамуын бейнелеген.

Қылыштарды әшекейлеуге маманданған қару шеберлерінің арасында әсіресе 15 ғасырда негізі қаланған шебер атақты болды. Гото мектебі, оның он жеті ұрпағы шеберлері 400 жыл бойы даңқын сақтап қалды.

Өнер мен әдебиет туындыларына арналған көркем ойлардың көпшілігінің қайнар көзі табиғатқа деген терең сүйіспеншілік болды. Адамдар оның сұлулығын ең қарапайым, шағын, күнделікті құбылыстардан бұрыннан сезінген. Жапониядағы ең көне поэтикалық ескерткіш – «Маньёшу» антологиясында 8 ғасырда жинақталған өлеңдер – гүлдер, құстар, ай ғана емес, сонымен қатар құрт, мүк, тастар, қураған шөптер жеген жапырақтарды да берді. халықтың бай ақындық қиялына серпін беру.
Табиғат сұлулығының бұл жоғарылауы көбінесе жапон аралдарының ерекше көркем пейзаждарымен байланысты. Шуақты күнде қарағаймен жабылған төбелер Yamato-e кескіндемесінің жарқын сәндік панельдері сияқты әсер қалдырады. Бұлтты ауа-райында ылғалды ауа егістіктерді, ормандарды және тауларды еріген күміс тұманға айналдырады. Нысандардың контурлары бұлыңғыр және сұр тұманда бірте-бірте еритін сияқты. Жапондық пейзаждардың қою қара сиямен және ақ жібекке жуылған бояумен боялған монохромды картиналарға ұқсайтыны кездейсоқ емес.
Көркемдік мәнердегі тынымсыз ізденіс материалдарды өңдеудің таңғажайып алуан түрлілігіне әкелді, бұл жапон сәндік-қолданбалы өнерінің тағы бір ерекшелігі.
Жапон өнерінің туындылары ұзақ уақыт бойы заттың өзінің тікелей практикалық құндылығын атап өтті. Қарапайымдылық пен қатаңдық жапондық қолданбалы өнердің басты ерекшелігі болып табылады. Жапон шеберлері ешбір жасандылық пен жасандылықсыз анық, тыныш формаларды қалайды.
10-12 ғасырлар бойы дамып келе жатқан Ямато-э ұлттық кескіндеме мектебі кейінгі ғасырлардағы бейнелеу өнеріне де, сәндік өнерге де үлкен әсер етті. Бұл мектептің суретшілері феодалдық ақсүйектер сарайларындағы экрандарда, қалқаларда және жылжымалы есіктерде шығармалар немесе сол дәуірдің суреттелген жылнамалары мен ұзын көлденең шиыршықтарға жазылған және сарай ақсүйектерінің өмірі мен уақытын баяндайтын романдар жасады.
Бейненің жалпақтығы мен жалпылығы, Ямато-э кескіндемесінің сәндік қасиеттері көрінген ерекшеліктердің шарттылығы мен жарқын бояулылығы Жапонияның қолданбалы өнеріне де тән.
Бейнелеу және сәндік өнердегі көркемдік әдістердің ұқсастығы сонымен қатар кескіндемедегі және тұрмыстық бұйымдардағы бейнелеу элементін каллиграфиямен үйлестіру тәжірибесінде байқалды. Шеберлікпен жазылған иероглифтер бейненің үстінен ағып жатқандай, қысқа өлең немесе оның бір бөлігін құрап, көрерменнің көңілін оятады. ассоциациялар мен сәндік әсерді арттырады. Жапон адам бір затқа тамсана отырып, оның сыртқы түрінен ғана емес, композицияны толықтыратын курсивті жазуды оқып, ашудан ләззат алады.

Тас дәуірі (Джомон дәуірі)
Ғалымдардың көпшілігі жапон аралдарын адамдар палеолит дәуірінде (б.з.б. 40-12 мың) мекендеген деп есептейді. Палеолитте керамика жоқ, сондықтан жапон археологтары кейде палеолитті керамикалық емес мәдениет кезеңі деп атайды.
Неолит дәуірінің мәдениеті бай және алуан түрлі, оның ежелгі кезеңі Жапонияда «Джомон» деп аталды (8 мыңжылдық – б.з.б. 1 мыңжылдықтың бірінші жартысы). Джомон мәдениетінің жетістіктерінің ішінде қыш дөңгелегі пайдаланылмай мүсінделген керамикалық ыдыстар ерекше орын алады. Уақыт өте келе ыдыстардың пішіні өзгерді. Бастапқыда ыдыстың пішіні бұтақтардан және шөптен жасалған, содан кейін оны күйдірген кезде сазбен қапталған, бұтақтар мен шөптер күйіп, ыдыстардың қабырғаларында іздерін қалдырған; Кейінірек шеберлер ыдысты мүсіндеп, оның құлап кетпеуі үшін оны шөп арқанмен орап тастаған. («Джомон» «арқан ою-өрнек» дегенді білдіреді). Джомон мәдениеті дамыған сайын ыдыстардың функционалдық мақсаты өзгерді, олардың көпшілігі салттық символизмге ие бола бастады. Орта және соңғы Джомон кезеңінің ыдыстары мүсіндік ыдыстарға ұқсайды. Таяқпен немесе қабықпен қолданылған ою-өрнектер, сондай-ақ құйылған өрнектер оларды жасаушылардың дүниетанымының күрделі мифологиялық және эстетикалық тұжырымдамасын көрсетті. Бұл кезеңде жоғары техника қалыптасып үлгерді. өнімді өңдеу.
Джомон жасаушылардың діни идеяларының күрделілігін дог - балшықтан жасалған мүсіндер де көрсетеді. Догу амулеттері көлемі жағынан кішкентай. Олардың сопақ немесе тікбұрышты пішіні бар және міндетті түрде ою-өрнектермен безендірілген.

Ежелгі қоғамның бастапқы кезеңінің мәдениеті (Яйой мәдениеті)
1 мыңжылдықтың ортасында. e. Жапонияның этникалық және мәдени тарихында сапалы өзгерістер орын алуда. Джомон мәдениетінің орнын Яйой мәдениеті (б.з.б. 3 ғ. – б. 3 ғ.) басты. Жұмыртқалардың пайда болуы туралы 2 көзқарас бар. Кейбіреулер Яйои Джомоннан шыққан деп санайды. Басқалары Яйойды жасаушылар Корей түбегі аумағынан қоныс аударған тайпалар дейді.
Құрлықта өмір сүрген хань халқы металл дәуіріне еніп, оны жапон аралдарына әкелді. Жапония бірден қола және темір дәуіріне енді.
Yayoi керамика бірегей болып табылады. Жаңалық құмыра дөңгелегі болды. Яйой керамикасына тән түзу сызықтардың қарапайым, сабырлы, пластикалық пішіні мен өрнегі пішіндердің алуан түрлілігімен және дизайнның күрделілігімен ерекшеленетін Джомон керамикасымен ешқандай ортақтығы жоқ. Құмыраның дөңгелегі арқылы жасалған бұл ыдыстар шар тәрізді және симметриялы. Конструкциялар кеменің бойымен өтетін толқынды немесе түзу сызықтардан тұрады. Мұндай ыдыстардың пішінінің сұлулығы олардың геометриясында, айқын силуэтінде және олардың функционалдық мақсатына сәйкестігінде жатыр.
Ақырында, Яйой дәуірінде тас құралдардан қолаға, одан кейін темірге көшу болды. Яйой ескерткіштерімен бірге жеке заттар: қола қылыштар мен найзалар (әсіресе Кюсюдің солтүстігінде), қола қоңыраулар (кинай).
Жапон аралдарында Яйой мәдениет тасымалдаушыларының пайда болуынан бастау алған ежелгі жапон халқының қалыптасуы бірнеше ғасырларға (б.з.б. 6-5 ғасырлардан б.з. 1-2 ғасырларға дейін) созылды. Яйой дәуірінде жапондықтарға бүгінгі күнге дейін тән және оның өзегі болып табылатын шаруашылық және мәдени типтің ерекшеліктері түпкілікті қалыптасты. Егістікте арнайы алқаптарда алдын ала өсірілген көшеттерді отырғызу арқылы күрішті қарқынды егістік-суармалы өсіру бар. Күрішсіз және одан жасалған өнімдерсіз жапон мәдениетінің кез келген аспектісін және оның заманауи формаларының дамуын елестету мүмкін емес.
Мәдениеттің тағы бір маңызды элементі шығу тегі бойынша Яйой мәдениетімен байланысты. Бұл элемент жапон тілінің өзі болып табылады. Негізгі түбірлері, грамматикасы және синтаксисі жағынан жапон тілі корей тіліне қатысты, оны Кореядан Яйой мәдениетінің тасымалдаушылары әкелген.

Қола дәуірі
Кюсюдің солтүстігінде біздің дәуіріміздің тоғысында қола мәдениетінің орталықтарының бірі қалыптасты. Бұл мәдениеттің негізгі үш белгісі қола кең жүзді қылыштар, қола айналар және магама амулеттері болды. Бұл үш элемент әлі күнге дейін жапон империялық билігінің символы болып табылады. Мүмкін, бұл нысандар пайда болған ақсүйектердің нышандары болды. Көптеген кең жүзді қылыштар ғибадатхана қоршауының сыртында табылды, мүмкін олар құрбандық ретінде ұсынылды. Табылған қола айналардың көбінің сырт жағында ленталармен, үшбұрыштармен және геометриялық фигуралармен қоршалған бірегей сызықты ою-өрнектері бар. Бұл сызықтық ою-өрнектің пайда болуының өзі күн сәулелерімен байланысты тудырады. Солтүстік Кюсю тұрғындары айналарға құрметпен қарайды және оларды Күн культімен байланыстырды. Шығыс Күнге табыну үшін ағаш бұтақтарына айна (семсермен бірге) ілінген.
Ежелгі Жапониядағы қола мәдениетінің тағы бір орталығы Кинайда (Орталық Хонсю) болды. Бұл мәдениеттің ең қызықты ескерткіштері қола жебе ұштары, білезіктер және әсіресе қоңыраулар - дотаку. Ең алғашқы қоңыраулардың биіктігі 10 см-ден аспады, ал ең үлкендері 1 м 20 см-ге жетті. Кейбіреулер декордан мүлдем айырылған немесе спиральды бұйралар түрінде сиқырлы ою-өрнекке ие. Дотакудың көпшілігінің жоғарғы жағында әшекейлермен безендірілген арка бар. Қоңыраулардың сыртқы бетінің төменгі бөлігінде әрқашан дерлік ою-өрнектер жоқ. Бұл ерекше бөлік көз тартарлық бет ретінде қызмет еткен сияқты, ал қоңырау сырттан соғылды. Жапон мифтері мен аңыздарында қоңыраулар туралы естеліктердің жоғалып кеткені жұмбақ. (Қоңыраулардың көпшілігі төбе басындағы арнайы траншеялардан табылған. Олардың Аспанға немесе Тауға табыну үшін ғұрыптық және сиқырлы мәні болған болуы мүмкін. Қоңырауларда қайықтардың, биік жабайылардағы аңшылық үйлердің бейнелері сақталған).
Археологиялық, мифологиялық деректер, сондай-ақ жазба деректерден алынған деректер қола мәдениетінің осы екі орталығының өзара әрекеттесу процесінде ежелгі жапон этникалық тобының қалыптасу процесі қарқынды түрде басталып, мысықта шарықтау шегіне жеткенін анықтауға мүмкіндік береді. темір дәуірінің мәдениеті – Ямато мәдениетіне айналды.

Темір дәуірі (Ямато)
Ежелгі жапондардың этникалық тарихындағы ең маңызды кезең біздің заманымыздың 1 мыңжылдығы бірінші жартысында болды. e. Бұл кезеңде ежелгі жапон этносының қалыптасуы аяқталды. Ямато елінің қоғамы (III – VI ғ. басы) мемлекеттіліктің қалыптасу табалдырығында тұрды.
Біздің заманымыздың IV-VI ғасырларында. e. Жапония саяси жағынан ежелгі Ямато мемлекетінің қол астында біріктірілді.
IV жылы Жапония Корей түбегін басып алды. Жоғары дамыған континенттік мәдениетті қабылдау процесі басталады.
Бұл процесс өнер заттарында көрініс табады: мыс айналар, алтын дулығалар, алтын және күміс сырғалар, күміс білезіктер, белдіктер, қылыштар, құрлықтан әкелінген жоғары дамыған қыш техникасы негізінде жасалған суеки ыдыстар.

Рицюр құқық жүйесі кезеңіндегі қоғам мәдениеті (XII ғ. дейін)
Буддизммен таныстыру. Сәнді будда ғибадатханаларын салуға, Буддалардың керемет мүсіндерін орнатуға және ғибадатхана ыдыстарын жасауға орасан зор қаражат жұмсалады. Аристократтардың сәнді мәдениеті дамып келеді.

Керамика.Ежелгі дәуірде пайда болған Жапониядағы керамикалық өнер өте баяу дамыды.
6-11 ғасырларда Корея құмыраларының әсерінен жапон шеберлері жасыл-сары жылтыратылған балшықтан жасалған бұйымдарды күйдіруге көшті. Шамамен сол уақытта нағыз фаянстан жасалған бұйымдар пайда болды - глазурьмен жабылған гигроскопиялық саз.
16 ғасырға дейін керамика өндірісі бірнеше пештермен ұсынылған. Шамамен жасалған ыдыстар фаянстан, ал көбінесе деп аталатындардан жасалған. «тас массасы» - қатты, гигроскопиялық емес саз, сондықтан глазурь қажет емес. Тек Овари провинциясындағы Сето қаласында ғана жоғары сапалы өнім шығарылды. Бұйымдар жасыл, сары, қара қоңыр глазурьмен қапталып, мөр басылған, ойылған және қолданбалы ою-өрнектермен безендірілген. Бұл орталықтың керамикасының басқа жерлердегі шикі бұйымдардан ерекшеленетіні сонша, олар өз атауын алды, сетомоно.
17 ғасырдың екінші жартысынан бастап. Елдің оқшауланған кезеңіндегі барлық өнерге тән сәндік қасиеттерге ие жапон керамикасының гүлденуі басталды. Бұл гүлденудің басталуы Нономура Нинсейдің шығармашылығымен байланысты. Ол Тамба провинциясында дүниеге келген. Нинсей - эмаль бояулармен боялған өз провинциясының халықтық керамикасының дәстүрлі түрі. Ол шай ішу рәсімінде қолданылатын рухы мен бейнелері (нинсей-яки) таза жапондық керамиканың жаңа түрін жасады.
Огата Кензан Киотода және басқа провинцияларда керамикалық өндірістің дамуына айтарлықтай әсер етті. Оның өнімдері өзінің картиналарымен танымал болды, онда ол Ямато-е мектебінің көп түсті бояу әдістерін қолданды және қара сиямен монохромды кескіндемені ұстанды.

Металл.Жапондықтар құрлықтан әкелінген қола және темір бұйымдарымен біздің дәуіріміздің тоғысында алғаш танысқан. Одан кейінгі ғасырларда металдарды өндіру және өңдеу әдістерін жетілдіре отырып, жапон шеберлері қылыш, айна, зергерлік бұйымдар, ат әбзелдерін жасай бастады.
12 ғасырда қанды феодалдық қақтығыстардың басталуымен қару-жарақ, қылыш және т.б. жасайтын темір ұсталарының саны артты. ұрпағына қылыш соғудың, шыңдаудың сырлары.
Елдің оқшаулану кезеңінде металға арналған көркемдік жұмыста елеулі табыстар атап өтілді. Қылыштың сабы мен қынасын безендіретін қолданбалы металл бөлшектерді бұрынғыдай зергерлер жасаған, қарауыл жасауға басты назар аударылған;

Тоқу және бояу.Тоқу және бояу өнері де табысты дамыды. Осы кезеңдегі тоқыма өндірісіндегі ең маңызды даму юзен-зоме бояу процесін ойлап табу болды. Бұл әдіс киімдегі тамаша графикалық дизайнды жаңғыртуға мүмкіндік берді және әлі күнге дейін жапондық бояудың ерекше түрі болып табылады.

Лак өнімдері.Лак өнімдерінің көркем өндірісі Жапонияда ерекше шыңға жетті, дегенмен лак технологиясының отаны Қытай болып табылады.
Лак лак ағашының шырынынан алынады. Олар ағаштан, матадан, металдан немесе қағаздан жасалған бұйымның негізінің бұрын дайындалған тегіс бетін бірнеше рет жабады.
Жапонияда көркем қолөнер ретіндегі лак өндірісі туралы алғашқы сенімді ақпарат 8-12 ғасырлардағы сарай мәдениетінің гүлденген кезеңіне жатады. Содан кейін сәулет бөлшектерін, буддалық мүсіндерді, сәнді заттар мен лактан тұрмыстық ыдыстарды, жиһаздан таяқшаға дейін өндіру кеңінен тарады.
Келесі ғасырларда лак бұйымдары жапон халқының күнделікті өмірінде маңызды бола бастады. Ыдыс-аяқ, жазу аспаптарына арналған жәшіктер, дәретхана жәшіктері, белдіктерге ілінетін жәшіктер, тарақтар мен түйреуіштер, аяқ киім, жиһаз сияқты бұйымдар кеңінен қолданыла бастады.
Маки-е техникасының объектілері әсіресе талғампаз: бетіне шашыраған алтын немесе күміс ұнтағы лакпен бекітіледі, содан кейін жылтыратылады. Сол кездегі гүлді және гүлді дәмдер лак бұйымдарында толығымен бейнеленген және олар сәндік заттар ретінде ерекше дамуға ие болды. Бива көлінде Чикубу аралы бар, онда ғибадатхана сақталған, бұл ғимараттың интерьерін безендіру үшін алтын лак қолданудың мысалы болып табылады.
Сәндік резиденцияларда қолданылатын тұрмыстық заттар мен ыдыс-аяқтарды жасау үшін де бай әшекейленген лак пайдаланылды. Олардың ішінде әр түрлі үстелдер, стендтер, қораптар, қораптар, лотоктар, ыдыс-аяқтар мен шай ыдыстары жиынтығы, құбырлар, шаш қыстырғыштары, ұнтақ компакттары және т.б. Алтын және күміспен безендірілген бұл заттар Момояма дәуірінің рухын айқын бейнелеген. (лак шебері Хон'ами Коэцу).
Шамамен 17 ғасырдың ортасына дейін. Киото сәндік-қолданбалы өнерді дамытудың негізгі орталығы болып қала берді. Огато Корин мансабын сонда бастады. Ол тек кескіндеменің ғана емес, сонымен қатар керамиканың, лактан жасалған бұйымдардың, мата кескіндемесінің, желдеткіштердің және т.б. шедеврлерді жасады. Кориннің әйгілі лак бұйымдары пішін мен декордың ерекше бірлігімен ерекшеленді, бұйымның бір жағынан екінші жағынан біркелкі «ағылып» тұрды. Әртүрлі материалдардың үйлесімі ерекше беттік текстураны және сирек кездесетін түс ауқымын жасады.
Лак жасаудың басқа шеберлерінің арасында Исэ Огава Харю ерекше көзге түсті. Ол өз шығармаларында фарфор, піл сүйегі, қызыл оюлы лак, тасбақа, алтын, күміс, қорғасын және басқа материалдармен инкляцияны кеңінен пайдаланған.

16 ғасырдың соңы – 17 ғасырдың басындағы сәндік-қолданбалы өнер. алуан түрлі болды, өйткені ол қоғамның әртүрлі әлеуметтік қабаттарының өмір салтының қажеттіліктерін қанағаттандырды.
Мәдениеттің басқа салаларындағы сияқты сәндік-қолданбалы өнерде де сол кездегі барлық негізгі идеялық-эстетикалық бағыттар көрініс тапты.
Сәндік-қолданбалы өнерде тез өсіп келе жатқан жаңа әскери-феодалдық элитаның және тез өсіп келе жатқан бай қалалық қабаттардың өмір салты мен мәдени талаптарымен байланысты сәнді сән-салтанат пен шамадан тыс безендіруге байланысты жапон өнері мен мәдениетіндегі жаңа үрдістер айқын көрініс тапты.

Қару.Қару-жарақ әскери таптың өмірінде ерекше орын алды. Самурайлардың негізгі қаруы қылыш болды, онда жүздің сапасы мен оның дизайны бағаланды.
Қылыштарды жасаумен қару-жарақ шеберлерінің отбасылары айналысты, олар өз өнерлерін ұрпақтан-ұрпаққа қалдырды. Әртүрлі мектептердің өнімдері пропорциялары, жүздерінің пішіні және сапасы бойынша ерекшеленді. Көрнекті шеберлер жүздерге өз есімдерін жазып қалдырған, олардың бұйымдары күні бүгінге дейін мұражай қорларында сақтаулы.
Пышақтың сабы мен қынасын қару-жарақ шеберлері мен зергерлер әшекейлеген. Жауынгерлік қылыштар өте қатаң безендірілген, бірақ азаматтық киіммен киілетін қылыштар өте бай безендірілген.
Пышақ пен тұтқаның арасына әдетте көркем безендірілген жалпақ күзет қойылды. Қарауылдық безендіру жапон өнерінің ерекше саласына айналды. Бұл өнердің қарқынды дамуы 15 ғасырдың екінші жартысында басталды. Қылышпен безендіруге маманданған қолөнершілер әулетінің негізін қалаған көрнекті суретші самурай Гото Юджо болды.
Қарауыл жасау өнері 16 ғасырдың аяғы мен 17 ғасырдың басында өркендеді. Оларды әшекейлеу үшін металды өңдеудің барлық түрлері қолданылды - инкрустация, ою, ойық, рельеф.
XVI-XVII ғасырлар тоғысында. өнердің басқа түрлері сияқты қару-жарақтарды безендіруде де ысырапшылдық белгілері байқала бастады. Ат әбзелдерінің бөліктері мен самурай қылыштарына арналған қыналар болат дәстүрін бұза отырып, жылтыр жылтырмен қапталған керамикадан жасалған (Фурута Орибе).
15-17 ғасырларда шай және шай рәсімдерінің таралуымен шай ыдыстарын, атап айтқанда темір шәйнектерді, пішіні қатаң және талғампаз, сирек ою-өрнекпен жасайтын шеберлердің жаңа кәсібі пайда болды.

Ағаш ою. 17-18 ғасырларда Жапонияда сәндік ағаш ою өнерінде айтарлықтай ілгерілеушілік байқалып, ол жоғары кемелдікке жетті. Ол ғибадатхана ғимараттарын, сарайларды және сегундардың резиденцияларын безендіріп, азаматтарға арналған ұсақ үй бұйымдарын жасауда кеңінен пайдаланылды.
Оюшылар өнерін қолданудың өте маңызды саласы Но театры үшін маскалар және Дзерури театрының қуыршақтары үшін бас киімдер шығару болды. Театрға арналған бетперделердің ең жақсы үлгілері 15-16 ғасырларда, оның гүлдену кезінде, ал 17-28 ғасырларда жасалған деп саналады. ескілерге еліктеу ғана болған, бірақ еліктеу шебер болғаны сонша, олар бүгінде де қолданылып келеді және өте жоғары бағаланады.

Фарфор. 17-18 ғасырлардағы фарфор бұйымдарының массасы. бүкіл ел бойынша шығарылды, екі негізгі түрі болды: Кутани мен Набешима шеберханаларының қымбат, жұқа боялған бұйымдары және үлкен серияда шығарылатын Арита мен Сето фарфоры.
Ерте кезеңдегі кутани шеберханаларының бұйымдары пластикалық, біркелкі емес пішінді болды. Олардың кескіндемесі үлкен түсті дақтардың көмегімен жасалды және ыдыстардың бетінде еркін орналасты. Кейінірек Кутани фарфоры құрғақ, өрнекті пішіндер мен безендіруге ие болды.
Набешиманың бұйымдары әдетте глазурьді кескіндемеде жасалған жалғыз өсімдік мотивімен безендірілген, кейде полихромды бояумен толықтырылған.
Арита мен Сетоның цехтары жаппай өнім шығарды. Бұл ыдыс-аяқ гүлдердің, құстардың, көбелектің және т.б. талғампаз, сәндік композициялармен безендірілген.

Жұмыстар Жапон керамикалық Раку әулетіЖапонияның керамика және барлық сәндік-қолданбалы өнері тарихында ерекше, ерекше орын алады. Киото шеберлерінің әулеті 16 ғасырдың ортасында пайда болған сол көркемдік дәстүр бойынша керамика жасауды жалғастыра отырып, он бес ұрпақ бойы сабақтастықты сақтап келеді.

Раку әулетінің өкілдерінің өнімдері бастапқыда жаппай немесе тіпті сериялық өндіріске емес, ча-но-ю шай рәсімін білетіндердің тар шеңбері үшін бірегей туындылар жасауға бағытталған. Шеберхананың репертуарында негізінен шай ыдыстары (чауан), хош иісті заттар (коро) және азырақ хош иісті жәшіктер (кого) және гүл композицияларына арналған вазалар (каюна) болды. Раку шеберлерінің мүмкіндіктерінің бұл айқын шектелуі шеберхана стилінің нақтылануына және кристалдануына әкелді. Бұл нысандардың барлығында оларды жасаған шеберлердің даралығы мен олардың қай уақытқа жататынының жарқын ізі бар.

Раку отбасы технологиясының негізі 16 ғасырдың аяғында көрнекті шебер, Раку әулетінің негізін қалаушы Раку Теджироның (楽　長次郎, ?-1589) жұмысы кезінде жасалған қалыптау және шынылау әдістері болды. Бұйымдар қолмен қалыпқа келтірілді (мүмкін жергілікті саз балшықтарының пластикалық қасиеті төмен болғандықтан, оларды құмыра дөңгелегінде созу мүмкін болмады) және полихромды түрде балқымалы қорғасын глазурімен қапталған (үш түсті қытайлық Сантсай керамикасына еліктеп). Мин дәуірінің (1368-1644)) немесе монохромды қызыл және қара глазурь. Бұл монохромды өнімдер шай шеберлері арасында ең танымал болды және ака-раку (қызыл раку) және куро-раку (қара раку) деп аталды.


Ракудың ең тән технологиялық кезеңі күйдіру болып табылады: күйдіру камерасында 850-ден 1000°С-қа дейінгі температурада өнімдер ашық ауада немесе суға (көк шайға) батыру арқылы тез алынып, салқындатылады. Тостағандардың қарапайым емес, бірақ жанды және мәнерлі пішіндері де, күрт салқындату кезінде пайда болатын глазурь эффектілері де шеберхана өнімдеріне мәнерлілік, даралық берді және Сен но Рикюдің шай рәсімін анықтайтын ваби эстетикасының талаптарына жауап берді (1522-). 1591) және оның ең жақын ізбасарлары. 17 ғасырда керамиканың бұл жаңашыл стилін тану раку шеберханасының чаван жұмысының жоғары құндылығында ғана емес, сонымен қатар әртүрлі шеберлер жасаған уцушиге («айырмашылықтары бар көшірмелер») көптеген имитациялар мен интерпретациялардан көрінді. керамикалық суретшілер. Эдо дәуірінің (1603-1868) ең ықпалды сәндік өнер шеберлері Хоньами Коэцу (1558-1673) және Огата Кензан (1663-1743) Раку отбасының шеберлерімен бірге оқып, өздерінің түрлі-түсті интерпретацияларын қалыптастырды. бұл стиль.

Осылайша, 17 ғасырда Жапонияда Раку отбасының бұйымдары да, басқа шеберханалардың керамистері мен «раку стилінде» тәуелсіз суретшілер жасаған бұйымдар да бар. Керамиканың ерекше түрінің атауы Киото шеберханасының ішінде Раку Теджиродан мұраланған жеке атау болғанына қарамастан: I, «раку» термині дербес мағынаға ие болды. Атақты керамикалық шеберхананың технологиялық және эстетикалық дәстүрінде жасалған керамикалық бұйымдарды олар осылай атай бастады. Раку стиліндегі көптеген бұйымдарды (негізінен әлі де ча-но-ю шай рәсіміне арналған) 17-19 ғасырлар бойы шеберлер жасаған.

19 ғасырдың ортасында Жапонияның Батысқа ашылуы батыс суретшілерінің жапон бейнелеу және сәндік өнерінен пішіндер мен сәндік мотивтерді кең көлемде алуына әкелді. Алайда, Раку шеберханасының керамикалық бұйымдары ХХ ғасырдың басына дейін батыс білгірлерінің назарын аудара алмады, өйткені олар ірі сауда компанияларының үмітін ақтамады және жапондықтардың экспорттық өнімдерін ерекшелендіретін сол тартымды сәндік сапасынан айырылды. екінші ғасырдағы керамикалық шеберханалар. 19 ғасырдың жартысығасыр.


Британдық суретші және керамист Бернард Лич (1887-1979)

Бүгінгі таңда «раку» терминін Ресейдің, Батыс және Шығыс Еуропаның керамистері, Скандинавия елдері мен Америка Құрама Штаттарының қолөнершілері кеңінен қолданады. Дегенмен, «раку керамикасы» ұғымы бүкіл әлемге тараған сайын елеулі өзгерістерге ұшырады және «еуропалық» және «американдық ракудың» қалыптасуын қарастыру өзекті болып көрінеді.

Батыстықтарға раку стиліндегі керамикамен таныстырған бірінші еуропалық британдық суретші және керамист Бернард Лич (1887-1979) болды. Лондонда суретші ретінде тәлім-тәрбие алған ол Патрик Лафкадио Хирннің (1850-1904) кітаптарының әсерінен Жапонияға келді, ол Жапонияны мәдениеті талғампаз, табиғаты тамаша, бейбіт, еңбекқор халқы мен сұлу әйелдер елі ретінде сипаттайды. 1909 жылы Жапонияда жүрген Лич жапон жас философтары мен суретшілері «Ширакабаның» (Ақ қайың) үйірмесімен танысады, олар осы аттас әдеби-көркем журнал шығарып, қалың оқырманға дүние жүзін таныстыруға ұмтылды. Жапонияда бұрын-соңды болмаған көркем мұра аяғы XIXғасыр.

Б.Личтің бұл бірлестіктегі қызметі бастапқыда еуропалық гравюраны танымал етуге арналды. Сонымен бірге Ширакабадағы белсенді жұмысы оны Янаги Соетсу (柳宗悦, 1889-1961), Хамада Шодзи (濱田庄司, 1894-1978) және Томимото Кенкичи (富憘6, 富憲6, 富憲18, 富憲, 富憲6, 吉吉) сияқты жас ойшылдар мен суретшілермен таныстырды. -1963). 1911 жылы Токиодағы жеке көрмеден кейін Лич гравера және тоқыма дизайнері ретінде Токионың және бүкіл Жапонияның көркем өмірінде белгілі орын алды. Сол жылы Томимото Кенкичи екеуі «раку кешіне» шақырылды (Лич оларды күнделіктерінде раку кештері деп атайды).

Мұндай кездесулер білімді жапон халқының зияткерлік және шығармашылық бос уақытының танымал түрі болды. Қонақтарға бұрын күйдірілген керамикалық бұйымдар ұсынылды; қатысушылар оларды бояп, жылтыратып, күйдіруді тамашалады, бұл әсіресе түнде, ыстық заттарды пештен шығарып, ауада баяу салқындаған кезде керемет болды. Сурет салу үшін адамдар шайхана бөлмесіне (чашицу) жиналды, бұл кездесудің жайлы, достық атмосферасын және оның шай дәстүрімен байланысын атап өтті.

Осы уақытқа дейін Б.Лич Ширакаба қызметінің бөлігі ретінде керамикаға қызығушылық танытса да, бұл материалмен жұмыс істеу туралы ойланбаған. «Раку кездесуіне» қатысу, ату көріністері және кездесуге қатысушылардың әртүрлі нәтижелері суретшіні өзінің өнер мансабын түбегейлі өзгертуге мәжбүр етті.

Бернард Личтің алғашқы раку кешін жасауы тотықұс тағамы болды. Ол бұл сәндік мотивті Мин дәуіріндегі (1368-1644) қытай фарфорына сырланған кобальт кескіндеме репертуарынан алған. Бұл тағамның сипаттамасына қарағанда, ол полихромды болды, сондай-ақ мұндай кештердің басқа да әуесқой бұйымдары болды, олар жиі глазурьмен безендірілген және бастапқы Раку бұйымдарына жақын емес. Бұл факт Жапонияда ХХ ғасырдың басында раку технологиясы белгілі бір тәуелсіздікке ие болғанын, енді бастапқы отбасылық дәстүрге сәйкес келмейтінін және керамикалық әшекейлеудің белгілі әдістерінің бірі ретінде қабылданғанын көрсетеді.

Бұл ретте раку кездесулерінің шай ішу рәсімінің этикасы мен эстетикасынан бастау алған ескі көркем шығармашылық дәстүрлерімен, бірлескен ақындық шығармашылықпен, 17-19-шы ғасырлардағы каллиграфтар, икебашылар сайыстарымен сабақтас болғанын айта кеткен жөн. ғасырлар. ХХ ғасырдың басында бұл дәстүрге қайта оралу Жапонияның қазіргі ұлттық мәдениетінің қалыптасуының маңызды кезеңі болды: ескі Жапонияның беделді элиталық мәдениетімен байланысты мәдени және көркем формалар қайтадан сұранысқа ие болды. Дәл осы уақытта Жапонияда ча-но-ю шай рәсімінің өзіне, сентья-до шай тәжірибесіне және басқа да дәстүрлі өнерге, сондай-ақ діни, философиялық және эстетикалық ілімдер.

Керамика мен керамикалық кескіндемені өз бетінше меңгеруге бірнеше әрекеттен кейін Б.Лич Токиодан мұғалім іздей бастайды. Сонымен қатар, ол раку стилінде маманданған Хорикава Мицузанның шеберханасына барды. Дегенмен, Лич Урано Шигекичимен (浦野繁吉, 1851-1923, Кензан VI) үлкен өзара түсіністік тапты, оның керамикалық бұйымдары көрнекті шебер Огата Кензанның (Кензан I, 1663-1743) дәстүрлерін мұра етті. Личтің пікірінше, Урано Шигекичидің жұмысы және Римпа көркемсурет мектебіндегі безендіруге берілгендігі күш пен күшке ие болмағанымен, бұл шеберде керамиктердің ескі және әйгілі династиясына жататын барлық техникалық білім болған және қарапайым нәрселерді үйретуге дайын болған. шетелдік студентке керамикалық безендіру.

Лич екі жыл бойы Урано Шигекичи шеберханасында Томимото Кенкичимен бірге жұмыс істеді, ол әуелі аудармашы қызметін де атқарды, өйткені Лич әлі жапон тілін жетік білмеген. Урано шеберханасында пішіндерді жасау жұмыстың бір бөлігі болған жоқ: кескіндеме үшін дайындамалар басқа шеберханалардан сатып алынды немесе шақырылған құмырашылармен жасалды, бірақ Лич пішіндерді өзі жасай алу үшін қыш қолөнерді де меңгере бастады. Ол жапондық болмағандықтан, дәстүрлі формалар мен декорлардың сипатын толық сезіне алмайтынын атап өтті. Шебердің көптеген алғашқы жұмыстары (1911-1913) жапон керамикасының сынуы мен көркемдік дәстүрінде еуропалық керамикалық стильдерді ерекше түсіндіреді. Кейінірек Личтің жұмысына әлемнің түкпір-түкпіріндегі керамика да үлкен әсер етті. Қиыр Шығысжәне Африка елдері.


Бір жыл шәкірттік курстан кейін Урано Б.Личке өз меншігіндегі бақтың бір бұрышында жеке шеберханасын орнатуға және шағын раку пешін салуға рұқсат берді. Осы шеберхананың құрылысы аяқталғаннан кейін бір жыл өткен соң, Урано оған және Томимото Кенкичиге Кензан отбасылық дәстүрін мұра еткені туралы ресми куәліктерді (тығыз :) табыс етті, ал Бернард Лич ресми түрде Кензан VII шебері болып танылды.

Кензан есімімен қатар Бернард Лич сонымен қатар Кензан отбасының меншігіне кіретін глазурь рецептері және басқа да өндірістік құпиялары бар «отбасылық» құжаттар жинағын, соның ішінде раку күйдіру негіздерін алды. Кейіннен Лич олардың бөліктерін өз еңбектерінде, соның ішінде 1940 жылы жарияланған және ХХ ғасырдың ортасында батыс шеберханаларының керамикасына үлкен әсер еткен Поттердің кітабында жариялады. Лич дәстүрлі технологияны студия керамикасының көркем тілін байытуға мүдделі барлық керамистерге қолжетімді етті. Шығармашылық өмірінде шебер Жапонияда да, Сент-Ивсте де жұмыс істегенде де раку техникасына қайта-қайта бет бұрды.

ХХ ғасырдың басындағы еуропалық көркем керамиканың жалпы жай-күйі туралы айта отырып, Еуропадағы алғашқы суретші ретінде тәуелсіз студияны (1920 жылы Сент-Айвсте, Корнуоллда, кейін Англияға оралу). Бірте-бірте Лич пен Янаги Соэцу қолөнершінің әлемдік көркемдік дәстүрдегі рөлі туралы жаңа түсінікті дамытты: ол Уильям Моррис пен Өнер және қолөнер қозғалысының идеяларымен ішінара сәйкес келді (бұл қозғалыстың тарихы арасындағы әңгімелерде жиі кездесетін тақырып болды. Бернард Лич және Янаги Соецу). Моррис сияқты, Лич қолөнерді индустрияландыруға және оны стандартталған өндіріске айналдыруға қарсы болды.

Янаги Соэцу үшін, ХХ ғасырдың басындағы көптеген жапондық суретшілер мен ойшылдар сияқты, жаңа Жапонияның сөзсіз индустрияландыру перспективасы қолөнер мен халық қолөнерінің ерекше мәдениетіне елеулі қатер болып көрінді. 1920 жылдары халықтық дәстүрді сақтауға деген ұмтылыс Хамада Шоджи мен Кавай Канджиро (河井寛次郎, 1890-1978) негізін қалаған ықпалды Мингей қозғалысына әкелді. Ескі керамикалық шеберханалардың дәстүрлерін 1930 жылдары Аракава Тойозо (荒川豊蔵, 1894-1985) қайта жандандырды және негізінен Момояма дәуіріндегі (1573-1615) Мино-Сето шеберханаларының керамикасына қатысты.

Ескі өнерді қалпына келтіру ХХ ғасырдың бірінші жартысындағы Жапонияның ұлттық саясатының маңызды бөлігі болды. Ұлттық дәстүрге деген қызығушылықтың қалыптасуына 1906 жылы шыққан Окакура Кокузоның «Шай кітабы» үлкен әсер етті: (岡倉覚三, 1862-1913) – дәстүрлі өнерге арналған бағдарламалық еңбектердің бірі шай рәсімінің тұрақты этикалық және эстетикалық құндылығы ча-но ю дәлелденді. Ағылшын тілінде жарық көрген бұл кітап батыс оқырмандары үшін аян болды. Бернард Личтің «Поттер кітабымен» бірге «Шай кітабы» тек батыс керамиктеріне ғана емес, сонымен қатар ХХ ғасырдың ортасындағы суретшілерге, жазушыларға және ойшылдарға үлкен әсер етті.

Корнуоллда Бернард Лич пен Хамада Шоджи тек шығармашылықпен ғана емес, ұстаздық қызметпен де айналысты. Личтің алғашқы американдық студенттерінің бірі 1949-1951 жылдар аралығында Сент-Айвс шеберханасында оқыған Уоррен Маккензи (1924 ж.т.) болды.

Дәл 1940 жылдардың соңы мен 1950 жылдардың басында американдық суретшілер жапондық керамика дәстүріне көбірек қызығушылық таныта бастады. Ұлы депрессияның ұзақ экономикалық құлдырауынан және Екінші дүниежүзілік соғыс кезінде экономиканың милитаризациялануынан кейін АҚШ-та сәндік-қолданбалы өнердің дамуына әсер етпей қоймайтын тұрақтылық уақыты келді. ХХ ғасырдың ортасында американдық керамистердің мүдделері негізінен керамикалық техника мен глазурь формулаларын жетілдіруге шоғырланды. Соғыстан кейінгі онжылдықта қолданбалы өнердің эстетикасы – керамикада ғана емес, сонымен қатар жиһаз дизайнында, көркем тоқыма бұйымдарында және т.б. түбегейлі өзгерді. Әскери өнеркәсіп жасаған жаңа материалдардың көбеюі дизайн мүмкіндіктерінің кеңеюіне әкелді.

Аты аңызға айналған Шоджи Хамаданың лекциясы

1950 жылдан бастап Craft Horizons журналында қолөнершілердің жұмысы туралы басылымдар жариялана бастады; 1953 жылы Америка қолөнершілерінің білім беру кеңесі Бруклин мұражайымен бірге «қолөнершілер-дизайнерлердің» көрмесін ұйымдастырды; 1956 жылы сол бірлестік Нью-Йоркте заманауи қолөнер мұражайын ашты. АҚШ-та қолөнер және сәндік-қолданбалы өнер оқытылатын оқу орындарының саны өсті, бірте-бірте суретшілер мен сәндік-қолданбалы өнердің әртүрлі түрлерінің шеберлерінің жұмысы үшін жемісті орта құрылды.

Соғыстан кейінгі жылдам өзгеріп жатқан дүние жаңа көркем тілді талап етті. Екінші дүниежүзілік соғыстан кейін әлем айтарлықтай кеңейіп, Шығыс елдеріне деген қызығушылық та артты. Жапонияда американдық әскери базалардың болуы, ілеспе әсер ретінде, американдықтардың алыс мәдениет туралы түсінігінің кеңеюіне және Жапонияға тұрақты қызығушылықтың пайда болуына әкелді. Жапондық эстетика бірте-бірте американдық суретшілердің санасы мен жүрегін жаулап алды: «органикалық» өнер идеялары, табиғи формаларға жақындық - мұның бәрі техногендік мәдениет пен соғыс уақытының дизайнына жауап болды.

Жапонияның рухани мәдениетіне де қызығушылық пайда болды, оның фокусы дзен-буддизм болды. Бұл буддисттік мектеп туралы білім Сузуки Дайсетсу Тейтаро: (鈴木大拙貞太郎, 1870-1966) және дінтанушы және философ Алан Уилсон Уоттстың (1915-1973) жарияланымдары мен белсенді білім беру қызметінің арқасында Батыста тарады. Уотттың дзен-буддизмді танымал етуші ретіндегі қызметіне қоса, оның Друидтік биіктіктер коммунасының (Калифорния, АҚШ) әсерінен туған қолданбалы өнер эстетикасы туралы идеяларын атап өткен жөн. Жазушы Эльза Гидлоу (1898-1986) негізін қалаған бұл коммунаның тұрғындары, оның ішінде Алан Уоттс табиғи және функционалды эстетика туралы идеяларды басшылыққа ала отырып, барлық қажетті тұрмыстық заттарды өздері жасады. Уоттс американдық әуесқой суретшілердің «қолданбалы эстетиканың» қарапайым формалары мен дзен дәстүріне сәйкес дамыған өнер үшін жапондық ваби эстетикасының рухында жасалған заттардың эстетикасы арасындағы тікелей байланысты көрді (шай рәсімі, икебана). гүл безендіру және т.б.). Сонымен бірге, дзен-буддизмнің этикасын да, оның эстетикасын да Уоттс пен оның ізбасарлары «ішкі иммиграция» тәсілі ретінде, консервативті мемлекетте өз дауысын табу және Америкадағы өмірдің барлық түрлерін біріктіру ретінде қабылдады. Еркін пішінді керамика Америка Құрама Штаттарының өнері мен қолөнерінде көрнекті орын алды.

1950 жылдары американдық керамиктерге үлкен әсер еткен Бернард Лич болды, оның еңбегі 1947 жылы Құрама Штаттарда «Поттер кітабы» жарияланған. Дегенмен, суретшілерге ең үлкен әсер 1952 жылы Дартингтон Холлда (Девоншир) өткен конференциядан кейін ағылшын шебері Янаги Соетсу мен Хамада Шоджидің АҚШ-қа бірнеше лекциялар мен шеберлік сабақтарымен келуі болды. Бұл ағылшын-жапон конференциясы керамика және көркем тоқу өнеріне арналды, оның басты мақсаты осы өнер саласындағы халықаралық ынтымақтастықтың кең мүмкіндіктерін көрсету болды.

Хамада Шоджидің шеберлік сабақтарының арқасында (шебер сирек дәріс оқыды, бірақ өз жұмысын барлық жерде - кез келген құмыра дөңгелегінде және оған берілген кез келген сазда көрсету мүмкіндігін тапты) американдық керамистер пластиктің ерекше қасиеттерімен танысты. жапон керамикасынан. Жапон керамикасы мүсіннің анықтамаларында осы өнер түрінің күрделі форма жасауда, қоршаған кеңістікпен әрекеттесуде, текстураның (және түстің) ішкі динамикасын жеткізудегі маңыздылығын ескере отырып, барлық мүмкіндіктерімен қарастырыла бастады. пішін және т.б.

1950-1960 жылдары Америка Құрама Штаттарына Китаодзи Росанжин (北大路魯山人, 1883-1959) және американдық суретшілерге үлкен әсер еткен Канесиге Тойо (金重陶陽) сияқты көрнекті жапон шеберлері де барды. Осындай лекциялар мен шеберлік сабақтарына ең қызығушылық танытқан қатысушылардың бірі «американдық ракудың» өнертапқышы болып саналатын Пол Солднер (1921-2011) болды, ол уақыт өте келе керамиканың жалпы батыстық бағытына айналды. Ол өз заманындағы ең көрнекті және ықпалды керамикалық суретшілердің бірі Питер Вулкостың (Панагиотис Вулкос, 1924-2002) шәкірті болды. Ұстаз бен шәкірт арасындағы шағын – бар болғаны үш жас айырмашылығы шеберлерге бірге тәжірибе жасап, керамиканың жаңа түрлерін іздеуге мүмкіндік берді.

Солднерге дзен философиясы, шай рәсімі және жапон құмыраларының жұмысы қатты әсер етті, бірақ бұл құбылыстар оның алғашқы туындыларына – құмыра дөңгелегінде жасалған монументалды, күрделі бөлшектерге көп әсер еткен жоқ. Дегенмен, 1960 жылы Скриппс институтында студенттерге арналған сыныпты дайындау кезінде ол Раку керамикасына қызығушылық танытып, керамиканың осы түрін сипаттайтын шығармашылық еркіндік пен импровизацияның шексіз мүмкіндіктерін ашты.

Солднер табиғатқа жақын «органикалық» пішіндердің пайдасына күрделі пішіндерден бас тартты, бұл құмыра дөңгелегінен бас тартуға әкелді - қалыптау әдістері Киотодағы Раку шеберханаларында қабылданғандарға көбірек ұқсай бастады. Күйдіру арнайы зерттеулерді қажет етті: ең үлкен өзгерістер (жапондық ракумен салыстырғанда) керамикалық бұйымды жасаудың осы кезеңінде жасалды.

Негізгі ақпарат көзі ретінде Солднер Раку керамикасының сипаттамасын және оны жасау технологиясын Б.Личтің «Поттер кітабында» пайдаланды. Оны пайдалану қысқаша сипаттамасыжәне өзінің жұмыс тәжірибесіне сүйене отырып, Солднер шағын пешті жасады. Бірнеше сағаттық күйдіруден кейін Солднер ыстық керамикалық кастрюльді алып тастап, оны жақын жердегі дренаждық арықтан дымқыл жапырақтарға орап, бөлік салқындаған кезде төмендететін ортаны жасады. Бұл процесс «темекі шегу» керамика деп аталды және раку өнімдерін тотықтырғыш ортада салқындатудың дәстүрлі жапондық әдісінен түбегейлі ерекшеленді. Дегенмен, дәл осы әдіс «американдық қатерлі ісік» деп аталатын аурудың негізін қалап, әлемнің көптеген елдеріне тарады.


Солднер өзінің дизайны бойынша пештерді жасауды жалғастырды: 1960 жылдары ол әртүрлі температурада және әртүрлі тотығу-тотықсыздану жағдайында өнімдерді күйдіруге арналған он бір пешті, оның ішінде пештерді және ракуға арналған редукциялық камераларды салды. Тығыздалған болат түтін камераларының диаметрі шамамен 1,2 м болды және бір мезгілде 6-10 өнімді төмендететін ортада салқындатуға мүмкіндік берді. Өнімдердің бетін ішінара тотығуды жүзеге асыру үшін (бұл оларға жарқын даралық берді) мұндай пештің қақпағын біраз уақытқа дейін көтеруге болады. Осылайша, біздің жеке дизайндағы пештермен көптеген эксперименттер кезінде әртүрлі рецепттер глазурлері және әртүрлі формалардаСолднердің өнімдері дәстүрлі Raku пештерінде қолданылатын жапондық техникадан өте алыс болды.

Дәстүрлі рецептті бұл тегін пайдалану Солднердің тек түйсік пен тәжірибені басшылыққа ала отырып, алға жылжу қажеттілігіне терең сенімділігімен түсіндірілді. Сонымен қатар, абстрактілі экспрессионизм стихиялылыққа және көркем шығармашылық нәтижесінің болжауға болмайтындығына ерекше берілгендігімен, Солднер замандастарының идеялары бойынша, дзендік табиғилық пен стихиялылық принциптерімен салыстыруға болатын. Осылайша, жапондық ортағасырлық дәстүр ХХ ғасырдың ортасында күрт заманауи естілді.

Солднер 1960 жылдары Отис студенттері тобының құрамында жасаған чаван тостағандары жапон керамикалық дәстүрін ерекше, бірақ мұқият түсіндіруімен ерекшеленеді. Пішіндері жапон тіліне жақын; тостағандардың бүйірлерінің тегіс емес беті борпылдақ жабылған
түрлі-түсті (қара, қызыл, сары немесе қоңыр) глазурь тамшылары, олардың бойында үлкен тоналды кракулер орналасқан. Шебер өзінің ұзақ шығармашылық мансабында жапон керамикасының осы классикалық түрлеріне бет бұрып, еркін раку стиліне жаңа және жаңа түпнұсқа мүмкіндіктерді енгізді. 1980 жылдары көбірек тырысты күрделі пішіндер, қазірдің өзінде мүсін мен өнер нысанына жақын болған Солднер декорды да қиындатты: шебер глазурьді әртүрлі қалыңдықтағы қабаттарға жағып, жылтыратылған жылтырдан қалың, ісінген түрлі-түсті глазурь аймақтарына күрделі ауысулар жасады.

2012 жылғы көрмеде Миссула өнер мұражайы қоңыр глазурмен жабылған және раку дәстүрінде күйдірілген Пол Солднердің үлкен, дерлік сфералық ыдысын көрсетті. Пішіндері ұқсас қара сұр керамикалық массадан жасалған ыдыстар жұқа глазурьмен жабылған және үстіңгі жағы ангобтармен және түрлі-түсті глазурьмен безендірілген - экспрессистік, қиылысатын штрихтар мен сызықтардың дерексіз өрнектері, әртүрлі өрнектері бар ағаш шаблондардың іздері - тарақ жолақтарының нысаны, шағын шегініс және т.б.

1960 жылдарға қарай американдық керамиктердің арасында «раку» деген не екендігі туралы бірнеше идеялар болды: бұл не түтіндік камераларда («түтіндік») күйдірілген немесе жанып тұрған отынмен немесе судағы камераларда күйдірілген және салқындатылған заттар. Мұндай әртүрлілік 21 ғасырдың басында Стивен Бранфманның раку технологиясын сипаттауында да жазылған: ол раку керамикасын алдын ала қыздырылған пеште күйдіретін, пештен күйдіру камерасында максималды температурада пештен шығарылатын және суда баяу салқындатылатын деп анықтайды. жанғыш материалдары бар контейнер немесе жай ғана сыртта.

Пол Солднер технология арқылы раку керамикасын нақты анықтаудан аулақ болды. Ол Раку керамикасының негізгі қасиеттері – ішкі еркіндік пен ыңғайлылық – технологиядан тыс, өмірді көркем түсіну саласында жатыр деген ойдан шықты. Шебер 1990 жылдардың аяғында Жапонияға сапары кезінде өзінің техникасы мен Раку отбасының бастапқы дәстүрінің арасындағы айырмашылықты көруге мүмкіндік алды. Алайда, сол уақытқа дейін ол 1960 жылдары ұсынған өнімдерді күйдіру технологиясы көрмелердің, басылымдардың және Америка Құрама Штаттарының шекарасынан тыс жерлерде «раку» ретінде белгілі болды. педагогикалық қызметСолднердің өзі де, оның оқушылары мен ізбасарлары да. Бүгінгі таңда Америка Құрама Штаттарында американдық раку күйдіру дәстүрін жалғастыратын көптеген керамикашылар бар, бірақ бұл стильдің әртүрлі нұсқалары басқа Батыс елдерінде бар.

Британдық керамик Дэвид Робертс (1947 ж. т.) - раку стилінде жұмыс істейтін ең ықпалды заманауи суретшілердің бірі. Оның жұмысы осы жапон керамикасының жаңа ағылшын тіліндегі интерпретациясын ғана емес, сонымен қатар Америка Құрама Штаттарында ракуға деген қызығушылықтың қайта жандануына әкелді, онда ол жалаңаш раку қозғалысын құруға көмектесті, бұл керамикалық бұйымдарды одан да заманауи етеді.

Бұл керамиканың монументалды пішіндері қолмен модельдеу (жіптерді салу) арқылы жасалады, содан кейін беті тегістеледі және печенье күйдіргеннен кейін (шамамен 1000-1100 ° C) кейде ангобтың жұқа қабатымен, содан кейін глазурмен жабылады. 850-900°С температурада екінші күйдіру «раку» өнімді редукциялық ортада – қағаз және аз мөлшерде үгінділер салынған ыдыста ұзақ уақыт «темекілеумен» аяқталады. Бірнеше минут ішінде ангоб пен саздың бояғыштары мен қосылыстары қалпына келтіріледі. Дайын өнім жуылады және жуу процесінде глазурь бетінен аршылады, оның үстіне қарайған бетінің күрделі өрнегі бар ақ ангоб шығады (сондықтан бұл технология «жалаңаш раку» деп аталады). Кейбір жағдайларда дайын өнім бетіне терең жылтыр беру үшін табиғи балауызбен сүртіледі.

Қара және ақ түсте безендірілген Робертстің соңғы жұмыстары тастан қашалған сияқты: тамырлардың немесе гематиттің күрделі өрнегі бар ақ мәрмәр. Барлық беттер – күңгірт немесе жылтыратылған – жарқыраған шағылысусыз терең жылтыр, жарықты ақырын шашыратады. Тастың дәл осы қабілеті, атап айтқанда нефрит оны қытайлықтардың көз алдында асыл материалға айналдырғанын және Қытайда фарфор мен керамикадағы нефритке бірнеше еліктеулерді тудырғанын еске түсіру керек (12 ғасырдан бастап) ) және Жапония (8 ғасырдан бастап).

Робертстің керамикалық бұйымдары жапондық Раку шеберханасының жұмыстарынан, Пол Солднердің тәжірибелерінен сонша алшақ. Оның «ракусы» өз кезегінде әлемнің көптеген елдерінде жаңа, «жалаңаш» ракудың жарқын шеберлерінің галактикасының пайда болуына себеп болды. Батыс шеберлерінің арасында Чарли мен Линда Риггсті (Атланта, АҚШ) және Пауло Рейсті (Оңтүстік Африка) атауға болады.

Әртүрлі шеберханаларда суретшілер саздың, ангобтардың және глазурьдің әртүрлі композицияларымен, түтін қоймаларындағы қалпына келтіру процесіне арналған әртүрлі жанғыш материалдармен, сондай-ақ керамикалық бұйымдардың жаңа формаларымен - дәстүрлі вазалардан элементтерге дейін тәжірибе жасайды.
интерьер декоры және өнер нысандары. Ресейдегі және көршілес елдердегі көптеген керамистер «американдық раку» технологиясы бойынша жұмыс жасайды және глазурь түстеріне бай өрескел органикалық пішіндері бар дәстүрлі жапон өнімдерінің стилін ұстанады.

20 ғасырдағы батыс керамистерінің еңбектеріндегі «раку керамика» құбылысын зерттеуді қорытындылай келе - XXI ғасырдың басығасырда «раку керамикасы» термині сәндік-қолданбалы өнер мен керамика туралы қазіргі әдебиетте, сондай-ақ керамикалық суретшілер тәжірибесінде өте кең түсіндірме алғанын айту керек. Мазмұнына қарай «ракудың» келесі анықтамаларын бөлуге болады:

Раку жанұясының шеберлері (Киото) дәстүрлі жапондық технология мен эстетикада жасалған керамика;
басқа жапон шеберханаларында дәстүрлі жапон технологиясын қолдану арқылы жасалған керамика;
ақырында, жапондық дәстүрді технология тұрғысынан да, эстетикалық тұрғыдан да түсіндіретін батыс шеберлерінің керамикалық бұйымдары.

Үшінші топта жинақталған керамика түрлерінің үлкен технологиялық және стильдік әртүрлілігіне қарамастан, оларды бір маңызды көркемдік принцип біріктіреді: табиғатты сақтау, көркем бейнені жасауда онымен бірлесіп жұмыс істеу («органикалық бағытқа» және принциптерге сәйкес келеді. ХХ ғасырдағы сәулет және дизайндағы метаболизм).

Батыс санасында негізінен дзен философиясымен және ваби эстетикасымен байланыстырылған бұл принцип барлық заманауи керамистерге олардың туындылары «бастапқы көздерден» қаншалықты алыс болса да, өздерін жапондық рухани және керамикалық дәстүрдің жалғастырушылары және аудармашылары деп санауға мүмкіндік береді. Шығармашылықтың еркіндігі мен стихиялылығы, суретшінің материалмен ынтымақтастығы, түпкілікті нәтиженің болжамсыздығы және эстетикалық өзіндік ерекшелігі раку керамикасын барлық суретшілер үшін тартымды етеді.

16 ғасырдан бастап технология мен эстетиканың негіздерін сақтаған Раку отбасының жапон керамикасы осылайша 20 ғасырдағы сәндік-қолданбалы өнердің ең ықпалды түрлерінің бірі болды.