जापान की सजावटी और व्यावहारिक कलाएँ ▲। जापानी हस्तशिल्प के प्रकार जापानी सजावटी कला का क्या नाम है?

जापान द्वीपों पर स्थित एक अद्भुत पूर्वी देश है। जापान का दूसरा नाम उगते सूरज की भूमि है। हल्की, गर्म, आर्द्र जलवायु, ज्वालामुखियों की पर्वत श्रृंखलाएं और समुद्री जल शानदार परिदृश्य बनाते हैं जिनके बीच युवा जापानी बड़े होते हैं, जो निस्संदेह इस छोटे राज्य की कला पर छाप छोड़ता है। यहां लोग साथ हैं प्रारंभिक वर्षोंउन्हें सुंदरता की आदत हो जाती है और ताजे फूल, सजावटी पौधे और झील के साथ छोटे बगीचे उनके घरों की विशेषता हैं। हर कोई अपने लिए एक टुकड़ा व्यवस्थित करने की कोशिश कर रहा है वन्य जीवन. सभी पूर्वी राष्ट्रीयताओं की तरह, जापानियों ने भी प्रकृति के साथ संबंध बनाए रखा है, जिसका उन्होंने अपनी सभ्यता की सदियों से सम्मान और आदर किया है।

वायु आर्द्रीकरण: एयर वॉशर "WINIX WSC-500" पानी के छोटे कण उत्पन्न करता है। Winix WSC-500 वॉशर के ऑपरेटिंग मोड: एयर वॉशर "WINIX WSC-500" में एक सुविधाजनक स्वचालित ऑपरेटिंग मोड है। साथ ही, कमरे में सबसे इष्टतम और आरामदायक आर्द्रता बनाए रखी जाती है - 50-60% और प्लाज्मा वायु शोधन और आयनीकरण मोड ("प्लाज्मा वेव™") डिफ़ॉल्ट रूप से चालू होता है।

जापान की वास्तुकला

लंबे समय तक जापान को एक बंद देश माना जाता था, संपर्क केवल चीन और कोरिया के साथ था। अत: उनका विकास अपने विशेष पथ पर चला। बाद में, जब विभिन्न नवाचार द्वीपों के क्षेत्र में प्रवेश करने लगे, तो जापानियों ने तुरंत उन्हें अपने लिए अनुकूलित किया और अपने तरीके से उनका पुनर्निर्माण किया। जापानी वास्तुकला शैली में लगातार भारी बारिश से बचाने के लिए बड़े पैमाने पर घुमावदार छत वाले घर होते हैं। बगीचों और मंडपों वाले शाही महल कला का एक वास्तविक नमूना हैं।

जापान में पाई जाने वाली धार्मिक इमारतों में, हम लकड़ी के शिंटो मंदिरों, बौद्ध पैगोडा और बौद्ध मंदिर परिसरों को उजागर कर सकते हैं जो आज तक बचे हुए हैं, जो इतिहास के बाद के दौर में दिखाई दिए, जब बौद्ध धर्म ने मुख्य भूमि से देश में प्रवेश किया और इसे राज्य घोषित किया गया। धर्म। जैसा कि हम जानते हैं, लकड़ी की इमारतें टिकाऊ और कमजोर नहीं होती हैं, लेकिन जापान में इमारतों को उनके मूल रूप में फिर से बनाने की प्रथा है, इसलिए आग लगने के बाद भी उन्हें उसी रूप में बनाया जाता है जिस रूप में वे उस समय बनाई गई थीं।

जापानी मूर्तिकला

जापानी कला के विकास पर बौद्ध धर्म का गहरा प्रभाव था। कई कृतियाँ बुद्ध की छवि का प्रतिनिधित्व करती हैं, इसलिए मंदिरों में बुद्ध की कई मूर्तियाँ और मूर्तियाँ बनाई गईं। वे धातु, लकड़ी और पत्थर से बने थे। कुछ समय बाद ही उस्ताद सामने आए जिन्होंने धर्मनिरपेक्ष चित्र मूर्तियां बनाना शुरू किया, लेकिन समय के साथ उनकी आवश्यकता गायब हो गई, इसलिए इमारतों को सजाने के लिए गहरी नक्काशी के साथ मूर्तिकला राहत का अधिक से अधिक उपयोग किया जाने लगा।

लघु नेटसुक मूर्तिकला को जापान की राष्ट्रीय कला माना जाता है। प्रारंभ में, ऐसे आंकड़े एक चाबी का गुच्छा की भूमिका निभाते थे जो बेल्ट से जुड़ा होता था। प्रत्येक मूर्ति में रस्सी के लिए एक छेद होता था जिस पर आवश्यक वस्तुएं लटकाई जाती थीं, क्योंकि उस समय कपड़ों में जेब नहीं होती थी। नेटसुक की मूर्तियों में धर्मनिरपेक्ष पात्रों, देवताओं, राक्षसों या विभिन्न वस्तुओं को दर्शाया गया है जिनका एक विशेष गुप्त अर्थ है, उदाहरण के लिए, पारिवारिक खुशी की इच्छा। नेटसुक लकड़ी, हाथी दांत, चीनी मिट्टी या धातु से बने होते हैं।

जापान की सजावटी कलाएँ

जापान में धारदार हथियारों के निर्माण को कला के स्तर तक बढ़ा दिया गया, जिससे समुराई तलवार का निर्माण पूर्णता तक पहुंच गया। तलवारें, खंजर, तलवारों के लिए फ्रेम, लड़ाकू गोला-बारूद के तत्व एक प्रकार के पुरुषों के गहने के रूप में काम करते थे, जो वर्ग से संबंधित होने का संकेत देते थे, इसलिए उन्हें कुशल कारीगरों द्वारा बनाया गया था, जो कीमती पत्थरों और नक्काशी से सजाए गए थे। जापानी लोक शिल्प में चीनी मिट्टी की चीज़ें, लैकरवेयर, बुनाई और लकड़ी की नक्काशी भी शामिल है। पारंपरिक सिरेमिक उत्पादों को जापानी कुम्हारों द्वारा विभिन्न पैटर्न और ग्लेज़ के साथ चित्रित किया जाता है।

जापान पेंटिंग

जापानी चित्रकला में, सबसे पहले मोनोक्रोम प्रकार की पेंटिंग प्रचलित थीं, जो सुलेख की कला के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ी हुई थीं। दोनों एक ही सिद्धांत के अनुसार बनाए गए थे। पेंट, स्याही और कागज बनाने की कला मुख्य भूमि से जापान में आई। इस संबंध में, चित्रकला की कला के विकास का एक नया दौर शुरू हुआ। उस समय, जापानी चित्रकला के प्रकारों में से एक इमाकिनोमो के लंबे क्षैतिज स्क्रॉल थे, जो बुद्ध के जीवन के दृश्यों को दर्शाते थे। जापान में लैंडस्केप पेंटिंग का विकास बहुत बाद में शुरू हुआ, जिसके बाद ऐसे कलाकार सामने आए जो सामाजिक जीवन के दृश्यों, चित्रों और युद्ध के दृश्यों को चित्रित करने में माहिर थे।

जापान में वे आमतौर पर फोल्डिंग स्क्रीन, शोजी, घर की दीवारों और कपड़ों पर पेंटिंग करते हैं। जापानियों के लिए, स्क्रीन न केवल घर का एक कार्यात्मक तत्व है, बल्कि चिंतन के लिए कला का एक काम भी है, जो कमरे के समग्र मूड को परिभाषित करता है। राष्ट्रीय परिधान, किमोनो, भी जापानी कला का एक नमूना है, जिसमें एक विशेष प्राच्य स्वाद है। चमकीले रंगों का उपयोग करके सोने की पन्नी पर सजावटी पैनलों को भी जापानी चित्रकला के कार्यों के रूप में वर्गीकृत किया जा सकता है। जापानियों ने तथाकथित लकड़ी की नक्काशी, उकियो-ए बनाने में महान कौशल हासिल किया है। ऐसे चित्रों का विषय सामान्य शहरवासियों, कलाकारों और गीशाओं के जीवन के साथ-साथ शानदार परिदृश्य थे, जो जापान में चित्रकला की कला के विकास का परिणाम बन गए।

समय के साथ, चीनी लोगों ने कई विश्व प्रसिद्ध हस्तशिल्प बनाए हैं। प्राचीन काल से, विभिन्न प्रकार के पत्थर, लकड़ी, मिट्टी और वार्निश से उत्पाद बनाने के कौशल और रहस्यों के साथ-साथ कपड़े और कढ़ाई के उत्पादन के रहस्यों को भी प्रसारित किया गया है। पहले से ही प्राचीन काल में, चीनी स्वामी, किसी सामग्री के कलात्मक गुणों को पहचानना और दिखाना सीख चुके थे, इस उद्देश्य के लिए उसके रंगों, धब्बों, आकृतियों में अंतर और सतह की चिकनाई का उपयोग करते थे। मिट्टी और पत्थर से बने सबसे प्राचीन बर्तन, प्राचीन जहाजों की तरह, रूपों के पूर्ण सामंजस्य और विभाजनों की स्पष्टता से प्रतिष्ठित होते हैं।

चीनी कारीगरों ने प्राचीन काल से कई कौशल, शिष्टाचार और तकनीक और पारंपरिक पैटर्न अपनाए। हालाँकि, नए ऐतिहासिक युग ने जो ज़रूरतें सामने रखीं, उन्होंने कलात्मक शिल्प के कई नए प्रकारों और तकनीकों को जन्म दिया। रोजमर्रा की जिंदगी और शहरी आबादी की बढ़ती जरूरतों से जुड़ा, चीन की ललित कलाओं में कलात्मक शिल्प न केवल सबसे व्यापक और लोकप्रिय में से एक बन गया है, बल्कि सबसे सक्रिय प्रकारों में से एक भी बन गया है।

पूरी दुनिया चीनी फूलदान, कप और अन्य वस्तुओं का उपयोग करती है। अपनी मातृभूमि में, चीनी चीनी मिट्टी के बरतन, अन्य प्रकार की कलाओं के साथ, सबसे व्यापक अनुप्रयोग है। चीनी मिट्टी के बर्तनों का उपयोग मूर्तिकला कार्यों पर आवरण डालने के लिए भी किया जाता है।

चीनी मिट्टी की चीज़ें। पहले से ही प्राचीन काल में, चीनी मिट्टी के बर्तनों के लिए उच्च गुणवत्ता वाली मिट्टी की किस्मों का उपयोग करते थे। हालाँकि, चीनी मिट्टी के आविष्कार का असली श्रेय मध्यकालीन चीन के उस्तादों को है। तांग युग में, चीनी आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों में उच्च समृद्धि की अवधि के दौरान, पहले चीनी मिट्टी के उत्पाद सामने आए और तेजी से व्यापक हो गए। चीनी मिट्टी के बरतन को कवियों द्वारा गाया जाता था और एक खजाने के रूप में सम्मानित किया जाता था। चीन में चीनी मिट्टी के बरतन के उत्पादन को इसके लिए आवश्यक सामग्रियों के समृद्ध भंडार द्वारा सुगम बनाया गया था: चीनी मिट्टी के पत्थर (फेल्डस्पार और क्वार्ट्ज का एक प्राकृतिक यौगिक) और स्थानीय मिट्टी - काओलिन। इन दो घटकों का संयोजन आवश्यक लचीलापन और संलयन गुण प्रदान करता है। प्रत्येक चीनी चीनी मिट्टी की वस्तु पर गहराई से विचार किया गया है, शिल्प के एक टुकड़े के रूप में नहीं, बल्कि कला के एक स्वतंत्र कार्य के रूप में निष्पादित किया गया है। पतले बर्तनों का आकार गोल, मुलायम और विशाल होता है। इस समय विशेष रूप से प्रसिद्ध ज़िंगझोउ शहर में उत्पादित बर्फ-सफेद चीनी मिट्टी के बरतन थे, जो चिकने और मैट थे, जो प्राचीन उत्पादों की स्मारकीयता को संरक्षित करते थे। इस समय के कई बर्तनों को चमकीले रंग के ग्लेज़ से चित्रित किया गया था, जिसमें तांबे, लोहे और मैंगनीज के ऑक्साइड मिश्रित होते थे, जो पीले, भूरे, हरे और बैंगनी रंग को समृद्ध रंग देते थे। लेकिन चीनी मिट्टी के बरतन 11वीं-13वीं शताब्दी में अपनी विशेष विविधता और कुलीनता तक पहुंच गए। तांग काल के दौरान, चीनी मिट्टी के बर्तनों में विभिन्न प्रकार के रंग होते थे। लेकिन सुना के तहत, वह पहले से ही सादगी और विनम्रता से प्रतिष्ठित है। चीनी सिरेमिक में सटीक और महीन रेखाएं और रंग की सादगी होती है। प्राकृतिक रंगों का प्रयोग इस समय की विशेषता है। ग्रे-नीला और ग्रे-हरा रंग अक्सर चीनी डिश या फूलदान पर पाए जा सकते हैं। छोटी दरारें गुरु का दोष नहीं है, बल्कि एक सूक्ष्म रूप से सोचा गया कदम है। ग्लेज़ में अनियमितताएं, लिबास की सूखी बूंदें और उत्पाद की पूरी सतह पर छोटी दरारें पूर्णता का एहसास देती हैं।

मिंग पोर्सिलेन, सॉन्ग पोर्सिलेन के विपरीत, बहुरंगी है। कारीगरों ने इसकी बर्फ़-सफ़ेद सतह को एक सुरम्य पृष्ठभूमि के रूप में उपयोग किया, जिस पर उन्होंने संपूर्ण परिदृश्य या शैली रचनाएँ रखीं। चित्रों के बहुत सारे विषय और प्रकार हैं, साथ ही रंगीन संयोजन भी हैं: नरम और महान प्रकार और पैटर्न के कोबाल्ट ग्लेज़ के तहत चित्रित नीले और सफेद चीनी मिट्टी के बरतन, रंगों से समृद्ध रंगीन ग्लेज़, तीन-रंग और पांच-रंग। 17वीं-18वीं शताब्दी में चीनी मिट्टी के बरतन की और भी अधिक तकनीकें और प्रकार सामने आए। काले, चिकने और चमकदार बर्तन दिखाई देते हैं, बर्तन ऊपर चमकीले और चमचमाते एनामेल से रंगे होते हैं। 18वीं शताब्दी के अंत तक, जब कला के अन्य सभी रूप पहले से ही गिरावट में थे, चीनी चीनी मिट्टी के बरतन का कलात्मक स्तर उच्च बना रहा। पिछली अवधियों के विपरीत, किंग राजवंश (XVII-XIX सदियों) के दौरान चीनी मिट्टी के उत्पादों के रूप अधिक जटिल और परिष्कृत थे। पुराने मॉडलों की पुनरावृत्ति अधिक सुंदर अनुपात प्राप्त कर लेती है, और 18वीं शताब्दी के अंत तक। रूपरेखा की अत्यधिक दिखावटीपन विकसित होती है। इस समय से, चीनी मिट्टी के बरतन की सजावट में रूपांकनों और विषयों की विविधता और समृद्धि की विशेषता होती है, और कुछ मामलों में, अलंकरण की अधिक संतृप्ति होती है। यह कोबाल्ट पेंटिंग और तथाकथित "हरित परिवार" की श्रेणी में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। जटिल बहु-आकृति वाले दृश्य, छोटे पौधे के रूपांकन या पेंटिंग के अनगिनत विषयों में से कोई भी संरचनागत संरचना की महान जटिलता और विचारशीलता से प्रतिष्ठित है।

टैंग और सांग अनुप्रयुक्त कला के प्रकार विविध हैं। इस समय, कांस्य दर्पण प्राचीन मॉडलों के अनुसार बनाए गए थे, जिन्हें फूलों के पौधों, खिलखिलाते जानवरों, पक्षियों और फलों के हरे-भरे राहत पैटर्न के साथ रिवर्स साइड पर बड़े पैमाने पर सजाया गया था। अक्सर ऐसे दर्पण चांदी के बने होते थे, जो सोने की सबसे पतली परत से ढके होते थे, और मोती और कीमती पत्थरों से जड़े होते थे।

"के-सी" (कटे हुए रेशम) कपड़ों के पैटर्न विशेष रूप से इस समय की पेंटिंग के करीब हैं। इन्हें प्रसिद्ध कलाकारों के मॉडलों के आधार पर बनाया गया था। के-सी अपनी असाधारण कोमलता, कोमलता और बहुमूल्य दानेदार मैट बनावट द्वारा प्रतिष्ठित है। शाखाओं पर हल्के पक्षी, परिदृश्य, नरम गुलाबी मेइहुआ प्लम की खिलती कलियाँ के-सी में दर्शाए गए मुख्य रूप हैं।

चीन में चित्रित एनामेल कार्यशालाओं का उद्भव कांग्शी काल से हुआ, जो फ्रांस से निकलने वाले पश्चिमी यूरोपीय प्रभावों से जुड़ा था। जेसुइट मिशनरियों द्वारा लाए गए धार्मिक उत्कीर्णन के प्रभाव को 18वीं शताब्दी में धातु पर सामान्य चीनी एनामेल्स द्वारा समझाया जा सकता है। छायांकन की तकनीक, समोच्च के साथ छवियों का पता लगाना और अन्य, अनिवार्य रूप से ग्राफिक, कलात्मक अभिव्यक्ति के साधन। यूरोपीय प्रभावों के निशान न केवल चित्रकला के विषयों और तरीके में, बल्कि 18वीं शताब्दी के चीनी एनामेल्स के रूपों में भी ध्यान देने योग्य हैं। 16वीं-18वीं शताब्दी के जर्मन और अंग्रेजी तांबे और चांदी के उत्पाद अक्सर प्रोटोटाइप के रूप में काम करते थे। उच्चतम उपयोग के लिए बनाए गए इनैमल्स को "हुआंग ज़ी" कहा जाता था - "पीला (यानी, "शाही") बर्तन, "क्योंकि पीले को लंबे समय से चीनी सम्राट का प्रतीकात्मक रंग माना जाता है। इस तरह के एनामेल्स की सजावट में "हुआंगयाओ" ("फूल-पक्षी") शैली, चीनी कथानक दृश्यों और सजावटी रचनाओं की छवियों का प्रभुत्व है: एक बेल के रूप में पौधे के अंकुर में बुने हुए कमल के फूल के सिर की छवियां, और एक ज़ूमोर्फिक वह पैटर्न जो प्राचीन कांस्य बर्तनों की सजावट तक जाता है। चित्रित एनामेल्स में, विभिन्न आकृतियों की प्लेटों के मिश्रित सेट लोकप्रिय हैं, जो कांग्शी काल के दौरान पहले से ही चीनी चीनी मिट्टी के बरतन में विकसित किए गए थे। अक्सर प्लेटों को एक खुले पंखे का आकार दिया जाता था, जिसे सफेद पृष्ठभूमि पर "फूल और पक्षी" शैली में छवियों से सजाया जाता था। कई मामलों में, धातु पर चीनी मिट्टी के बरतन और एनामेल्स यूरोप में आगमन के सामान्य मार्गों और रूपों, पेंटिंग रूपांकनों और रंग की समानता दोनों से जुड़े हुए हैं। हालाँकि, चीनी मिट्टी के बरतन के साथ निस्संदेह समानता के बावजूद, धातु पर चित्रित एनामेल्स को एक पूरी तरह से विशेष प्रकार के चीनी शिल्प के रूप में एक बहुत ही स्पष्ट कलात्मक मौलिकता की विशेषता है, जो अपने पारंपरिक प्रकारों की तुलना में अधिक साहसपूर्वक यूरोपीय कला के संपर्क में आया।

जापान में कलात्मक शिल्प और व्यावहारिक कला को "कोगेई" कहा जाता है। कला के कार्यों के लिए अधिकांश कलात्मक विचारों का स्रोत प्रकृति के प्रति गहरा प्रेम था। लोगों ने लंबे समय से इसकी सुंदरता को सबसे सामान्य, छोटी, रोजमर्रा की घटनाओं में महसूस किया है।

जापानी सजावटी और अनुप्रयुक्त कला के कार्यों में पारंपरिक रूप से लाह, चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के उत्पाद, लकड़ी, हड्डी और धातु की नक्काशी, कलात्मक रूप से सजाए गए कपड़े और कपड़े, हथियार के काम आदि शामिल हैं। अनुप्रयुक्त कला के कार्यों की विशिष्टता इस प्रकार है: उनमें विशुद्ध रूप से व्यावहारिक, उपयोगितावादी उपयोग, लेकिन साथ ही वे एक विशुद्ध रूप से सौंदर्यवादी भूमिका भी निभाते हैं, जो किसी व्यक्ति के रोजमर्रा के जीवन के लिए सजावट के रूप में कार्य करते हैं। जापानियों के लिए आसपास की वस्तुओं का सौंदर्यशास्त्र उनके व्यावहारिक उद्देश्य से कम महत्वपूर्ण नहीं था।

भाग्यशाली। लाह उत्पाद जापान में प्राचीन काल से जाने जाते हैं; उनके अवशेष जोमोन युग के पुरातात्विक स्थलों में पाए जाते हैं। गर्म और आर्द्र जलवायु में, वार्निश कोटिंग्स लकड़ी, चमड़े और यहां तक ​​कि धातु उत्पादों को विनाश से बचाती हैं। जापान में लाह उत्पादों को सबसे व्यापक अनुप्रयोग मिला है: व्यंजन, घरेलू बर्तन, हथियार, कवच। पारंपरिक जापानी वार्निश लाल और काले, साथ ही सोने के भी होते हैं; ईदो काल के अंत तक, पीले, हरे और भूरे रंग के वार्निश का उत्पादन शुरू हो गया। वापस शीर्ष पर

XX सदी सफेद, नीले और बैंगनी रंग का एक वार्निश प्राप्त हुआ। वार्निश के उपयोग से जुड़ी कई सजावटी तकनीकें हैं: माकी-ए - सोने और चांदी के पाउडर का उपयोग; उरुशी-ए - लाह पेंटिंग; ह्योमोन - सोने, चांदी और मदर-ऑफ़-पर्ल इनले के साथ लाह पेंटिंग का एक संयोजन। लगभग 17वीं शताब्दी के मध्य तक। क्योटो लाख कला के विकास का मुख्य केंद्र बना रहा। ओगाटो कोरिन ने वहां अपना करियर शुरू किया। उनके लाह उत्पादों को रूप और सजावट की एक विशेष एकता द्वारा चिह्नित किया गया था, जो उत्पाद के एक तरफ से दूसरे तक आसानी से "बहती" थी। विभिन्न सामग्रियों के संयोजन ने एक असामान्य सतह बनावट और रंगों की एक दुर्लभ श्रृंखला बनाई।

चीनी मिट्टी की चीज़ें। जापानियों को सिरेमिक उत्पादों से विशेष लगाव है। उनमें से सबसे प्राचीन पुरातात्विक खुदाई से ज्ञात हैं और जोमन काल (पाषाण युग) के हैं। जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें और बाद में, चीनी मिट्टी के बरतन का विकास चीनी और कोरियाई प्रौद्योगिकियों से काफी प्रभावित था, विशेष रूप से फायरिंग और रंगीन ग्लेज़ कोटिंग में। जापानी सिरेमिक की एक विशिष्ट विशेषता न केवल उत्पाद के आकार, सजावटी आभूषण और रंग पर ध्यान देना है, बल्कि उस स्पर्श संवेदना पर भी ध्यान देना है जो किसी व्यक्ति की हथेली के संपर्क में आने पर होती है। चीनी मिट्टी की चीज़ें के प्रति जापानी दृष्टिकोण में असमान आकार, सतह का खुरदरापन, फैली हुई दरारें, शीशे की धारियाँ, मास्टर की उंगलियों के निशान और सामग्री की प्राकृतिक बनावट का प्रदर्शन शामिल था। कलात्मक सिरेमिक उत्पादों में मुख्य रूप से चाय समारोहों के लिए कटोरे, चायदानी, फूलदान, बर्तन, सजावटी व्यंजन और खातिर बर्तन शामिल हैं। प्रारंभ में, बर्तन का आकार शाखाओं और घास से बनाया गया था, फिर इसे मिट्टी से लेपित किया गया था; जब आग लगाई गई, तो शाखाएं और घास जल गईं, और जहाजों की दीवारों पर अपने निशान छोड़ गए। बीच के बर्तन और देर की अवधिजोमन पहले से ही मूर्तिकला जहाजों जैसा दिखता है। छठी-ग्यारहवीं शताब्दी में। कोरिया के कुम्हारों के प्रभाव में, जापानी कारीगरों ने मिट्टी के उत्पादों को हरी-पीली चमक के साथ पकाना शुरू कर दिया। लगभग उसी समय, वास्तविक फ़ाइनेस से बने उत्पाद सामने आए - शीशे का आवरण से ढकी हीड्रोस्कोपिक मिट्टी।

चीनी मिट्टी के उत्पाद मुख्य रूप से उत्तम सजावट, चाय और वाइन सेट और विभिन्न मूर्तियों के साथ पतली दीवार वाले फूलदान हैं। 17वीं-18वीं शताब्दी में उत्पादित चीनी मिट्टी के उत्पादों के द्रव्यमान में। पूरे देश में, दो मुख्य प्रकार प्रतिष्ठित थे: कुटानी और नबेशिमा की कार्यशालाओं से महंगे, बारीक चित्रित उत्पाद, और अरीता और सेटो के चीनी मिट्टी के बरतन, जो बड़ी श्रृंखला में उत्पादित किए गए थे। कुटानी कार्यशालाओं के उत्पादों में प्लास्टिक, असमान आकार था। उनकी पेंटिंग रंग के बड़े धब्बों का उपयोग करके बनाई गई थी और जहाजों की सतह पर स्वतंत्र रूप से स्थित थी। नबेशिमा के उत्पादों को आम तौर पर अंडरग्लेज़ पेंटिंग में बने एकल पौधे की आकृति की छवि से सजाया जाता था, कभी-कभी ओवरग्लेज़ पॉलीक्रोम पेंटिंग के साथ पूरक किया जाता था। अरीता और सेटो की कार्यशालाओं ने बड़े पैमाने पर उत्पादों का उत्पादन किया। इस व्यंजन को फूलों, तितलियों और पक्षियों की सुंदर सजावटी रचनाओं से सजाया गया था। जापानी चीनी मिट्टी के बरतन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा विशेष रूप से पश्चिमी देशों में निर्यात के लिए उत्पादित किया गया था।

तामचीनी। 17वीं शताब्दी के मध्य से अंत तक की अवधि। जापान में मीनाकारी कला के विकास के इतिहास में यह बहुत उपयोगी साबित हुआ। इस समय, जापानी मास्टर्स ने रंग में पूर्णता हासिल की। नमूना पद्धति का उपयोग करते हुए, उन्होंने कांच के इष्टतम पिघलने का चयन किया, जो तामचीनी के लिए आधार के रूप में कार्य करता था, और ऑक्साइड के विभिन्न रूपों ने इसे एक विशेष छाया, पारदर्शिता या दूधिया-मोती चमक, एक रहस्यमय चमक प्रदान की। सभी सफल व्यंजन एक रहस्य बन गए, जिन्हें स्वामी के परिवार में सावधानीपूर्वक संरक्षित किया गया। जापान में, एनामेल्स को "सिप्पो" कहा जाता था, जिसका अर्थ है "सात कीमती पत्थर"। इसका मतलब यह था कि गहनों में इनेमल सोना, चांदी, पन्ना, मूंगा, एगेट, क्रिस्टल और मोती की जगह ले सकता है। जापान में खोजा गया इनेमल का सबसे प्राचीन उदाहरण 7वीं शताब्दी के अंत का है। दो व्यापक रूप से ज्ञात इनेमल तकनीकें - चम्पलेव और क्लोइज़न - लगभग एक साथ जापान में फैल गईं। शिल्पकारों ने समुराई तलवारों, सजावटी धनुष और तीरों के रक्षकों (त्सुबा) को सजाने के लिए, घरों, संदूकों, ब्रशों के भंडारण के लिए दराजों और सुलेख, चाय पाउडर और धूप के लिए स्याही को सजाने के लिए क्लोइज़न इनेमल का उपयोग किया। इनेमल पर काम करने वाले पहले कारीगरों की कार्यशालाएँ क्योटो में स्थित थीं, जो सम्राटों और रईसों के महलों के करीब थीं, जो इन उत्पादों के मुख्य खरीदार थे।

इनेमल तकनीक का पुनरुद्धार मास्टर त्सुनेकिची काजी (1803-1883) के काम से जुड़ा है, जो नागोया के बाहरी इलाके में रहते थे। उन्होंने जापान में आए विदेशी शिल्प, मुख्य रूप से यूरोपीय, का अध्ययन किया और इसके आधार पर उन्होंने क्लौइज़न इनेमल के साथ काम करने के लिए नई तकनीकें विकसित कीं। काजी की सफलता ने अन्य कारीगरों को प्रेरित किया। काम के नये तरीकों की खोज शुरू हुई। तो उस समय, "काउंटर-एनामेल" की तकनीक सामने आई, जिन-बरी तकनीक, जिसमें तामचीनी की एक पतली परत से ढकी तांबे की सतह पर चांदी की पन्नी को चिपकाना शामिल था। मास्टर सोसुके नामिकावा (1847-1910) द्वारा विकसित मुसेन-जिप्पो तकनीक में इनेमल की पहली परत सूखने के बाद अलग करने वाले तारों को हटाना और पारदर्शी इनेमल के साथ फिर से भरना शामिल था। तकनीक में कई दर्जन विविधताएँ थीं - मोरिज, उचिदाशी, अकासुके, कोडाई मो, नागारे-गुसुरी और अन्य, जिससे संयुक्त होने पर उत्कृष्ट परिणाम प्राप्त करना संभव हो गया। जापान दुनिया का पहला देश है जहां न केवल धातु के रिक्त स्थान पर, बल्कि चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन पर भी तामचीनी लागू की जाने लगी। क्योटो में काम करने वाले मास्टर यासुयुकी नामिकावा (1845-1927) चीनी मिट्टी पर इनेमल की तकनीक में प्रसिद्ध हुए।

जापानी इनेमल उत्पादों के लिए चीन से उधार लिए गए विशिष्ट पैटर्न में फूलों (गुलदाउदी, पेओनी, पॉलाउनिया पुष्पक्रम, प्लम, चेरी) की छवियां और कुछ हद तक ड्रेगन, शेर और अन्य पौराणिक जानवरों, पक्षियों और तितलियों की जापानीकृत छवियां थीं। अक्सर छवियों में शुभकामनाओं का प्रतीक निहित होता था। उत्पाद के उद्देश्य के आधार पर पैलेट के रंग भिन्न-भिन्न होते हैं। इस प्रकार, निर्यात वस्तुओं को चमकीले, यहां तक ​​कि आकर्षक रंगों में निष्पादित किया गया था, जो यूरोपीय ग्राहकों द्वारा पसंद किए गए थे, और घरेलू उपयोग के लिए इच्छित वस्तुओं को शांत रंगों में चित्रित किया गया था, जो जापानियों के सौंदर्यवादी विश्वदृष्टि के साथ अधिक सुसंगत थे।

चीन और जापान की कला और संस्कृति अत्यंत मौलिक है, जिसने यूरोपीय लोगों को सदैव रुचिकर और आकर्षित किया है। 17वीं शताब्दी से शुरू होकर, चीनी और जापानी दोनों रूपांकनों ने पश्चिमी यूरोप की कलात्मक और शैलीगत प्रवृत्तियों में प्रवेश किया। आज तक, इन दोनों देशों की संस्कृति का अध्ययन करना और उधार लेना दोनों दिलचस्प है।

कलात्मक धातु उत्पादों के क्षेत्र में मंदिर की मूर्तियां और बर्तन, हथियार और रोजमर्रा की जिंदगी में उपयोग की जाने वाली सजावटी वस्तुएं शामिल थीं; पारंपरिक धातुओं (कांस्य, लोहा, तांबा, स्टील) के प्रसंस्करण की विविधता और पूर्णता को जटिल मिश्र धातुओं के उपयोग के साथ जोड़ा गया था, जो कि प्रतिष्ठित थे रंगीन रंगों और प्लास्टिक गुणों का खजाना। उनमें से सबसे आम शाकुडो थे, जो काले, भूरे, नीले और बैंगनी रंग के विभिन्न रंगों का उत्पादन करते थे, और शिबुइची, जो ग्रे टोन के लगभग अटूट स्रोत के रूप में काम करता था। मिश्रधातु बनाने की विधियाँ एक पेशेवर रहस्य थीं और मास्टर से छात्र तक प्रसारित की जाती थीं।

XVII-XVIII सदियों में। धनी शहरवासियों के आदेश से, घरेलू वेदियों के लिए मूर्तिकला छवियां बनाई गईं, साथ ही उदार अर्थ वाली और परिवार के चूल्हे की रक्षा करने वाली छवियां भी बनाई गईं। उनमें से दारुमा, प्रसिद्ध भिक्षु हैं, जिनका नाम जापान में चाय की उत्पत्ति के साथ जुड़ा हुआ है, डाइकोकू - खुशी और धन के देवता, जुरोजिन - खुशी और दीर्घायु के देवता हैं।

इसके साथ ही, कुछ घरेलू सामान सजावटी उद्देश्यों के लिए काम करते थे। ये अगरबत्ती, फूलदान, बर्तन, बक्से, ट्रे थे, जिनकी विशेषता एक उत्पाद में विभिन्न धातुओं के संयोजन, ओपनवर्क नक्काशी, उत्कीर्णन, पायदान और इनले का उपयोग था।

धातु के आधार पर इनेमल सजावट लगाने की परंपरा 16वीं शताब्दी के अंत में चीन से जापान में आई। इनेमल तकनीक की 4 किस्में थीं: क्लोइज़न, चम्पलेव, उत्कीर्ण और चित्रित। एनामेल्स को "सिपलो" कहा जाता था - सात रत्न: सोना, चांदी, पन्ना, मूंगा, हीरा, सुलेमानी, मोती, जो किंवदंती के अनुसार, लोगों के लिए खुशी लेकर आए। 17वीं-18वीं शताब्दी के जापानी क्लौइज़न एनामेल्स, जो मुख्य रूप से चीनी नमूनों पर आधारित थे, थोड़े म्यूट टोन के सीमित पैलेट, एक स्पष्ट ज्यामितीय पैटर्न और एक गहरे गहरे हरे रंग की पृष्ठभूमि द्वारा प्रतिष्ठित थे। 19वीं सदी के मध्य में. इनेमल तकनीक ने पुनर्जन्म का अनुभव किया है। बहुरंगी चमकदार एनामेल प्राप्त हुए, जो धातु के आधार पर कसकर चिपक गए और पीसने में आसान थे। 19वीं सदी के अंत में क्लौइज़न इनेमल की कला का उत्कर्ष। प्रसिद्ध गुरु नामिकावा यासुयुकी के नाम से जुड़ा था। उनकी कार्यशाला से छोटे आकार के उत्पाद निकलते थे, जो पूरी तरह से इनेमल से ढके होते थे, आभूषणों की देखभाल के साथ लगाए जाते थे। फूलों, पक्षियों, तितलियों, ड्रेगन और फ़ीनिक्स की छवियों, कई प्रकार के पारंपरिक आभूषणों को पैटर्न के जटिल बुने हुए फीते में जगह मिली। सोने की पन्नी के उपयोग से उत्पाद की पॉलिश की गई सतह पर चमकदार चमक पैदा हो गई।

जापान में हथियारों के निर्माण और सजावट की प्राचीन परंपरा है। तलवार को सूर्य देवी अमातरसु ओमिकामी द्वारा अपने पोते को दी गई एक पवित्र वस्तु के रूप में देखा जाता था, जिसे उन्होंने पृथ्वी पर शासन करने और बुराई को खत्म करने के लिए भेजा था। दो तरफा धार वाली सीधी तलवार (केन या त्सुरुगी) शिंटो पंथ का सहायक बन गई और शाही राजचिह्न में से एक बन गई।

मध्य युग में, तलवार योद्धा वर्ग का प्रतीक बन गई, जो समुराई की शक्ति, साहस और गरिमा का प्रतीक थी। यह भी माना जाता था कि इसमें मृत पूर्वजों की आत्माएं रहती थीं। 7वीं शताब्दी में ब्लेड के पिछले हिस्से को थोड़ा मोड़कर, एक तरफा धार देकर एक तलवार का आकार बनाया गया, जो 19वीं शताब्दी तक लगभग अपरिवर्तित रहा। और इसे "निहोंटो" (जापानी तलवार) कहा जाता था।

16वीं सदी से अभिजात वर्ग और सैन्य वर्ग के प्रतिनिधियों को दो तलवारें पहनने की आवश्यकता थी: एक लंबी - "कटाना" और एक छोटी - "वाकिज़ाशी", जिसका उद्देश्य अनुष्ठान आत्महत्या करना था। सम्मान संहिता के उल्लंघन के मामले में, वैज्ञानिकों, कारीगरों और किसानों को, विशेष अनुमति के साथ, "ऐकुची" गार्ड के बिना केवल वाकीज़शी या तलवार पहनने की अनुमति थी।

ब्लेड बनाने की लंबी और श्रमसाध्य प्रक्रिया को एक गंभीर अनुष्ठान के रूप में व्यवस्थित किया गया था, जिसमें विशेष प्रार्थनाएं, मंत्र और लोहार को औपचारिक कपड़े पहनाए जाते थे। ब्लेड को कई पट्टियों से वेल्ड किया गया था, कम से कम पांच बार जाली, पीसकर पॉलिश किया गया था। 12वीं सदी के अंत से. ब्लेडों को खांचे, सूर्य, चंद्रमा, सितारों, ड्रेगन की छवियों, उत्कीर्णन और गहन राहत द्वारा बनाए गए शिलालेख-मंत्रों से सजाया जाने लगा।

16वीं शताब्दी की तलवार का विवरण और फ्रेम। विशेष कारीगरों - बंदूकधारियों और जौहरियों द्वारा बनाए गए थे। ब्लेड को एक हैंडल में डाला गया था, जिसके आधार में दो लकड़ी के ब्लॉक शामिल थे, जो एक धातु की अंगूठी "फ्यूटी" और टिप "कसीरा" से बंधे थे; हैंडल को अक्सर शार्क या स्टिंगरे की त्वचा में लपेटा जाता था, जिसे "समान" कहा जाता था। (शार्क)। ऐसी मान्यता थी कि इस तरह की मूठ तलवार की धार्मिक शुद्धता को बरकरार रखती है और मालिक की रक्षा करती है। छोटे उभरे हुए धातु "मेनुका" हिस्से दोनों तरफ के हैंडल से जुड़े हुए थे, जिससे दोनों हाथों से तलवार की अधिक सुरक्षित पकड़ सुनिश्चित हुई। इसके शीर्ष पर, हैंडल को रस्सी या चोटी से लपेटा गया था, जिससे सतह पर एक ब्रेडेड पैटर्न बना। तलवार का एक महत्वपूर्ण विवरण "त्सुबा" (गार्ड) था - ब्लेड को हैंडल से अलग करने वाला सुरक्षात्मक प्लास्टिक; एक छोटी तलवार की म्यान को अक्सर सावधानीपूर्वक तैयार धातु की प्लेटों "कोज़ुका" से सजाया जाता था, जो एक छोटे चाकू के हैंडल का प्रतिनिधित्व करती थी म्यान में एक विशेष जेब में डाला गया।

XVII-XIX सदियों में। हथियार, जो अपना व्यावहारिक मूल्य खो चुके थे, एक आदमी के सूट के लिए सजावटी जोड़ बन गए। इसकी सजावट में आभूषण बनाने की विभिन्न सामग्रियों और तकनीकों, ओपनवर्क नक्काशी, मिश्र धातुओं के साथ जड़ना, राहत रचनाएं बनाने के विभिन्न तरीकों, एनामेल्स और वार्निश का उपयोग किया गया था। त्सुबा ने विशेष कलात्मक पूर्णता हासिल की और कला का एक स्वतंत्र कार्य माना जाने लगा। छवियों के विषय अन्य प्रकार की कलाओं की विशेषता वाले पारंपरिक रूपांकन थे: फूल, पक्षी, परिदृश्य, बौद्ध दृष्टान्त, ऐतिहासिक किंवदंतियाँ, यहाँ तक कि शहरी जीवन का आकलन भी। एक तलवार के विवरण को निष्पादन शैली में संयोजित किया गया था और अक्सर एक साजिश के विकास का प्रतिनिधित्व किया गया था।

तलवारों को सजाने में विशेषज्ञता रखने वाले बंदूकधारियों के बीच, 15वीं शताब्दी में स्थापित बंदूक विशेष रूप से प्रसिद्ध थी। गोटो स्कूल, जिसके गुरुओं की सत्रह पीढ़ियों ने 400 वर्षों तक अपनी महिमा बनाए रखी।

कला और साहित्य के कार्यों के लिए अधिकांश कलात्मक विचारों का स्रोत प्रकृति के प्रति गहरा प्रेम था। लोगों ने लंबे समय से इसकी सुंदरता को सबसे सामान्य, छोटी, रोजमर्रा की घटनाओं में महसूस किया है। जैसा कि 8वीं शताब्दी में संकलन "मनोशू" में संकलित कविताओं से प्रमाणित होता है - जापान का सबसे पुराना काव्य स्मारक - न केवल फूल, पक्षी, चंद्रमा, बल्कि कीड़े, काई, पत्थर और मुरझाई घास द्वारा खाए गए पत्ते भी दिए गए लोगों की समृद्ध काव्यात्मक कल्पना को प्रोत्साहन।
प्रकृति की सुंदरता का यह बढ़ा हुआ एहसास काफी हद तक जापानी द्वीपों के विशिष्ट सुरम्य परिदृश्यों के कारण है। धूप वाले दिन चीड़ से ढकी पहाड़ियाँ यमातो-ई पेंटिंग के चमकीले सजावटी पैनलों का आभास देती हैं। बादल वाले मौसम में, आर्द्र हवा खेतों, जंगलों और पहाड़ों को पिघलती चाँदी जैसी धुंध में ढँक लेती है। वस्तुओं की आकृति धुंधली है और धीरे-धीरे धूसर धुंध में घुलती हुई प्रतीत होती है। यह कोई संयोग नहीं है कि जापानी परिदृश्य मोनोक्रोम पेंटिंग से मिलते जुलते हैं, जिन्हें मोटी काली स्याही से चित्रित किया गया है और इसकी धुलाई सफेद रेशम पर की गई है।
कलात्मक अभिव्यक्ति की अथक खोज ने सामग्री प्रसंस्करण के लिए तकनीकों की एक अद्भुत विविधता को जन्म दिया है, जो जापानी सजावटी और व्यावहारिक कला की एक और विशेषता है।
जापानी कला के कार्यों ने लंबे समय से उस चीज़ के तत्काल व्यावहारिक मूल्य पर जोर दिया है। सरलता और कठोरता जापानी व्यावहारिक कला की मुख्य विशिष्ट विशेषताएं हैं। जापानी स्वामी बिना किसी दिखावा या कृत्रिमता के स्पष्ट, शांत रूप पसंद करते हैं।
10वीं-12वीं शताब्दी के दौरान विकसित, यमातो-ए नेशनल स्कूल ऑफ पेंटिंग का बाद की शताब्दियों की ललित और सजावटी कला दोनों पर भारी प्रभाव पड़ा। इस स्कूल के कलाकारों ने सामंती अभिजात वर्ग के महलों में स्क्रीन, विभाजन और स्लाइडिंग दरवाजे पर काम किया या उस समय के सचित्र इतिहास और लंबे क्षैतिज स्क्रॉल पर लिखे गए उपन्यास और अदालत अभिजात वर्ग के जीवन और शगल के बारे में बताया।
छवि की सपाटता और व्यापकता, विशेषताओं की पारंपरिकता और चमकदार रंगीनता, जिसमें यमातो-ए पेंटिंग के सजावटी गुण प्रकट हुए थे, जापान की लागू कला की भी विशेषता हैं।
ललित और सजावटी कलाओं में कलात्मक तरीकों की समानता, इसके अलावा, चित्रों और घरेलू वस्तुओं में सुलेख के साथ दृश्य तत्व के संयोजन के अभ्यास में भी व्यक्त की गई थी। कुशलतापूर्वक लिखे गए चित्रलिपि, मानो छवि के ऊपर से बहते हुए, एक छोटी कविता या उसका एक भाग बना रहे हों, दर्शक के मन में ज्योति जगाते हैं। जुड़ाव और सजावटी प्रभाव को बढ़ाता है। किसी वस्तु की प्रशंसा करते समय, एक जापानी व्यक्ति न केवल उसके स्वरूप से आनंद प्राप्त करता है, बल्कि उस रचना को पूरक करने वाले घसीट लेखन को पढ़ने और समझने से भी आनंद प्राप्त करता है।

पाषाण युग (जोमोन युग)
अधिकांश वैज्ञानिकों का मानना ​​है कि जापानी द्वीपों पर पुरापाषाण काल ​​(40-12 हजार ईसा पूर्व) के दौरान ही मनुष्य निवास करते थे। पुरापाषाण काल ​​​​में कोई चीनी मिट्टी की चीज़ें नहीं हैं, यही कारण है कि जापानी पुरातत्वविद् कभी-कभी पुरापाषाण को गैर-सिरेमिक संस्कृति का काल कहते हैं।
नवपाषाण युग की संस्कृति समृद्ध और विविध है, जिसके प्राचीन काल को जापान में "जोमोन" (8वीं सहस्राब्दी - पहली सहस्राब्दी ईसा पूर्व की पहली छमाही) कहा जाता था। जोमन संस्कृति की उपलब्धियों में, एक विशेष स्थान चीनी मिट्टी के बर्तनों का है, जिन्हें कुम्हार के पहिये के उपयोग के बिना तराशा गया था। समय के साथ जहाजों का आकार बदलता गया। प्रारंभ में, बर्तन का आकार शाखाओं और घास से बनाया गया था, फिर इसे मिट्टी से लेपित किया गया था; जब आग लगाई गई, तो शाखाएं और घास जल गईं, और जहाजों की दीवारों पर अपने निशान छोड़ गए। बाद में, कारीगरों ने जहाज को गढ़ा और इसे टूटने से बचाने के लिए इसे घास की रस्सी से लपेट दिया। ("जोमोन" का अर्थ है "रस्सी का आभूषण")। जैसे-जैसे जोमन संस्कृति विकसित हुई, जहाजों का कार्यात्मक उद्देश्य बदल गया, उनमें से कई ने अनुष्ठान प्रतीकवाद हासिल करना शुरू कर दिया। मध्य और उत्तर जोमोन काल के जहाज पहले से ही मूर्तिकला जहाजों से मिलते जुलते हैं। छड़ी या खोल के साथ लगाए गए आभूषण, साथ ही ढाले गए पैटर्न, उनके रचनाकारों के विश्वदृष्टि की जटिल पौराणिक और सौंदर्यवादी अवधारणा को दर्शाते हैं। इस स्तर पर, एक उच्च तकनीक पहले ही विकसित हो चुकी है। उत्पाद प्रसंस्करण.
जोमन रचनाकारों के धार्मिक विचारों की जटिलता का प्रमाण डोगू-मिट्टी की मूर्तियों से भी मिलता है। डोगू ताबीज आकार में छोटे होते हैं। उनका आकार अंडाकार या आयताकार होता है और वे आवश्यक रूप से आभूषणों से सजाए जाते हैं।

प्राचीन समाज के प्रारंभिक काल की संस्कृति (यायोई संस्कृति)
पहली सहस्राब्दी ईसा पूर्व के मध्य में। इ। जापान के जातीय एवं सांस्कृतिक इतिहास में गुणात्मक परिवर्तन हो रहे हैं। जोमोन संस्कृति का स्थान यायोई संस्कृति (तीसरी शताब्दी ईसा पूर्व - तीसरी शताब्दी ईस्वी) ने ले लिया है। अंडे की उपस्थिति के बारे में 2 दृष्टिकोण हैं। कुछ लोगों का मानना ​​है कि यायोई जोमोन से उत्पन्न हुई है। दूसरों का कहना है कि यायोई के निर्माता वे जनजातियाँ थीं जो कोरियाई प्रायद्वीप के क्षेत्र से स्थानांतरित हुई थीं।
महाद्वीप पर रहने वाले हान लोग पहले ही धातु युग में प्रवेश कर चुके थे और इसे जापानी द्वीपों में ले आए थे। जापान ने तुरंत कांस्य और लौह युग में प्रवेश किया।
यायोई सिरेमिक अद्वितीय हैं। जो नया था वह कुम्हार के चाक का उपयोग था। यायोई सिरेमिक में निहित सरल, शांत, प्लास्टिक रूप और सीधी रेखाओं के पैटर्न का जोमोन सिरेमिक से कोई लेना-देना नहीं है, जो आकार की विविधता और डिजाइन की जटिलता से प्रतिष्ठित हैं। कुम्हार के चाक का उपयोग करके बनाए गए ये बर्तन गोलाकार और सममित हैं। डिज़ाइन में पूरे बर्तन में चलने वाली लहरदार या सीधी रेखाएँ होती हैं। ऐसे जहाजों के आकार की सुंदरता उनकी ज्यामितीयता, स्पष्ट छाया और उनके कार्यात्मक उद्देश्य के अनुपालन में निहित है।
अंत में, यायोई युग में पत्थर के औजारों से कांस्य और फिर लोहे में संक्रमण हुआ। यायोई स्मारकों के साथ व्यक्तिगत वस्तुएँ होती हैं: कांस्य तलवारें और भाले (विशेषकर क्यूशू के उत्तर में), कांस्य घंटियाँ (किनाई)।
प्राचीन जापानी लोगों का गठन, जो अनिवार्य रूप से जापानी द्वीपों पर यायोई संस्कृति वाहकों की उपस्थिति के साथ शुरू हुआ, कई शताब्दियों तक चला (छठी-पांचवीं शताब्दी ईसा पूर्व से पहली-दूसरी शताब्दी ईस्वी तक)। यायोई काल के दौरान, आर्थिक और सांस्कृतिक प्रकार की विशेषताएं जो आज तक जापानियों में निहित हैं और इसके मूल में हैं, अंततः बनीं। खेत में विशेष क्षेत्रों में पहले से उगाए गए पौधों के रोपण के साथ चावल की गहन कृषि-सिंचित खेती होती है। चावल और उससे बने उत्पादों के बिना जापानी संस्कृति के किसी भी पहलू और उसके आधुनिक स्वरूप के विकास की कल्पना करना असंभव है।
और संस्कृति का एक अन्य महत्वपूर्ण तत्व मूल रूप से यायोई संस्कृति से संबंधित है। यह तत्व जापानी भाषा ही है। मूल जड़ों, व्याकरण और वाक्यविन्यास के संदर्भ में, जापानी भाषा कोरियाई से संबंधित है। इसे यायोई संस्कृति के वाहक, बसने वालों द्वारा कोरिया से लाया गया था।

कांस्य - युग
हमारे युग के मोड़ पर कांस्य संस्कृति के केंद्रों में से एक ने क्यूशू के उत्तर में आकार लिया। इस संस्कृति के तीन मुख्य प्रतीक कांस्य चौड़ी ब्लेड वाली तलवारें, कांस्य दर्पण और मगाटामा ताबीज थे। ये तीन वस्तुएँ आज भी जापानी साम्राज्यवादी शक्ति का प्रतीक हैं। शायद ये वस्तुएँ उभरते हुए अभिजात वर्ग का प्रतीक थीं। मंदिर की बाड़ के बाहर कई चौड़ी ब्लेड वाली तलवारें पाई गईं, शायद उन्हें बलि के रूप में चढ़ाया गया था। पाए गए कई कांस्य दर्पणों में पीछे की ओर एक अद्वितीय रैखिक आभूषण होता है, जो रिबन, त्रिकोण और ज्यामितीय आकृतियों से घिरा होता है। इस रैखिक आभूषण की उपस्थिति ही सूर्य की किरणों के साथ जुड़ाव को दर्शाती है। उत्तरी क्यूशू की आबादी दर्पणों की पूजा करती थी और उन्हें सूर्य के पंथ से जोड़ती थी। उगते सूर्य की पूजा करने के लिए, दर्पण (तलवारों के साथ) पेड़ की शाखाओं पर लटकाए जाते थे।
प्राचीन जापान में कांस्य संस्कृति का एक अन्य केंद्र किनाई (मध्य होंशू) में था। इस संस्कृति के सबसे दिलचस्प स्मारक कांस्य तीर, कंगन और विशेष रूप से घंटियाँ - डोटाकू हैं। सबसे शुरुआती घंटियों की ऊंचाई 10 सेमी से अधिक नहीं थी, और सबसे बड़ी बाद की घंटियां 1 मीटर 20 सेमी तक पहुंच गईं। सभी घंटियों में एक अंडाकार क्रॉस-सेक्शन और एक सपाट शीर्ष होता है। कुछ पूरी तरह से सजावट से रहित हैं या उनके पास सर्पिल कर्ल के रूप में एक जादुई आभूषण है। अधिकांश डोटाकु में शीर्ष पर एक मेहराब होता है, जिसे आभूषणों से सजाया जाता है। घंटियों की बाहरी सतह का निचला हिस्सा लगभग हमेशा आभूषणों से मुक्त रहता है। ऐसा लगता है कि यह विशेष हिस्सा एक हड़ताली सतह के रूप में कार्य करता था, और घंटी को बाहर से मारा जाता था। यह रहस्यमय है कि घंटियों की यादें लोगों की स्मृति से गायब हो गई हैं, जापानी मिथकों और किंवदंतियों में उनका कोई उल्लेख नहीं है। (अधिकांश घंटियाँ पहाड़ियों की चोटी पर विशेष खाइयों में पाई गईं। संभवतः उनका स्वर्ग या पहाड़ों की पूजा के लिए अनुष्ठानिक और जादुई महत्व था। घंटियों में नावों, ऊंचे जंगली जानवरों के शिकार घर की छवियां संरक्षित थीं।)
पुरातात्विक, पौराणिक डेटा, साथ ही लिखित स्रोतों के साक्ष्य, हमें यह स्थापित करने की अनुमति देते हैं कि कांस्य संस्कृति के इन दो केंद्रों के बीच बातचीत की प्रक्रिया में, प्राचीन जापानी जातीय समूह के गठन की प्रक्रिया गहनता से शुरू हुई, जिसका समापन बिल्ली में हुआ। लौह युगीन संस्कृति बन गई - यमातो संस्कृति।

लौह युग (यमातो)
प्राचीन जापानियों के जातीय इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण चरण पहली सहस्राब्दी ईस्वी की पहली छमाही में हुआ। इ। इस अवधि के दौरान, प्राचीन जापानी नृवंश का गठन पूरा हुआ। यमातो देश का समाज (III - प्रारंभिक VI शताब्दी) राज्य के गठन की दहलीज पर खड़ा था।
चौथी-छठी शताब्दी ई. में। इ। जापान प्राचीन राज्य यमातो के अधीन राजनीतिक रूप से एकीकृत था।
चतुर्थ में जापान ने कोरियाई प्रायद्वीप पर आक्रमण किया। एक अत्यधिक विकसित महाद्वीपीय संस्कृति को समझने की प्रक्रिया शुरू होती है।
यह प्रक्रिया कला की वस्तुओं में परिलक्षित होती है: तांबे के दर्पण, सोने के हेलमेट, सोने और चांदी की बालियां, चांदी के कंगन, बेल्ट, तलवारें, सूकी बर्तन, जो महाद्वीप से आयातित अत्यधिक विकसित मिट्टी के बर्तनों की तकनीक के आधार पर बनाए गए हैं।

रित्सुर कानून व्यवस्था की अवधि के दौरान समाज की संस्कृति (बारहवीं से पहले)
बौद्ध धर्म का परिचय. आलीशान बौद्ध मंदिरों के निर्माण, बुद्ध की भव्य मूर्तियों के निर्माण और मंदिर के बर्तनों के निर्माण पर भारी मात्रा में धन खर्च किया जाता है। अभिजात वर्ग की विलासितापूर्ण संस्कृति विकसित हो रही है।

चीनी मिट्टी की चीज़ें।प्राचीन काल में उत्पन्न होने के बाद, जापान में सिरेमिक कला का विकास बहुत धीमी गति से हुआ।
6ठी-11वीं शताब्दी में, कोरिया के कुम्हारों के प्रभाव में, जापानी कारीगरों ने मिट्टी के उत्पादों को हरे-पीले शीशे से पकाना शुरू कर दिया। लगभग उसी समय, वास्तविक फ़ाइनेस से बने उत्पाद दिखाई दिए - हीड्रोस्कोपिक मिट्टी, शीशे का आवरण से ढकी हुई।
16वीं शताब्दी तक, सिरेमिक उत्पादन का प्रतिनिधित्व कुछ भट्टियों द्वारा किया जाता था। मोटे तौर पर बनाए गए बर्तन फ़ाइनेस से बनाए जाते थे, और अधिक बार तथाकथित से। "पत्थर का द्रव्यमान" - कठोर, गैर-हीड्रोस्कोपिक मिट्टी, और इसलिए इसे शीशे का आवरण की आवश्यकता नहीं होती है। केवल ओवरी प्रांत के सेटो शहर ने उच्च गुणवत्ता वाले उत्पाद तैयार किए। उत्पाद हरे, पीले और गहरे भूरे रंग के शीशे से ढके हुए थे और मुद्रांकित, नक्काशीदार और लगाए गए आभूषणों से सजाए गए थे। इस केंद्र की चीनी मिट्टी की चीज़ें अन्य स्थानों के कच्चे उत्पादों से इतनी भिन्न थीं कि उन्हें अपना नाम सेटोमोनो मिला।
17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से। जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें का उत्कर्ष शुरू हुआ, जिसमें देश के अलगाव की अवधि की सभी कलाओं की विशेषता वाले सजावटी गुण थे। इस उत्कर्ष की शुरुआत नोनोमुरा निन्सेई के काम से जुड़ी है। उनका जन्म तम्बा प्रांत में हुआ था। निन्सेई अपने प्रांत के लोक मिट्टी के बर्तनों का एक पारंपरिक रूप है, जिसे इनेमल पेंट से चित्रित किया गया है। उन्होंने एक नए प्रकार के सिरेमिक का निर्माण किया, जो पूरी तरह से जापानी भावना और कल्पना (निनसेई-याकी) में था, जिसका उपयोग चाय समारोह के लिए किया जाता था।
क्योटो और अन्य प्रांतों में सिरेमिक उत्पादन के विकास पर ओगाटा केनज़न का उल्लेखनीय प्रभाव था। उनके उत्पाद उनकी पेंटिंग्स के लिए प्रसिद्ध हुए, जिसमें उन्होंने यमातो-ए स्कूल की बहुरंगी पेंटिंग की तकनीकों और काली स्याही से संयमित मोनोक्रोम पेंटिंग का इस्तेमाल किया।

धातु।हमारे युग के अंत में जापानी पहली बार महाद्वीप से आयातित कांस्य और लौह उत्पादों से परिचित हुए। बाद की शताब्दियों में, धातुओं के खनन और प्रसंस्करण के तरीकों में सुधार करते हुए, जापानी कारीगरों ने तलवारें, दर्पण, गहने और घोड़े के हार्नेस बनाना शुरू कर दिया।
12वीं शताब्दी में खूनी सामंती झगड़ों की शुरुआत के साथ, कवच, तलवारें आदि बनाने वाले लोहारों-बंदूक बनाने वालों की संख्या में वृद्धि हुई। जापानी ब्लेड की प्रसिद्ध ताकत और शक्ति का श्रेय उस समय के बंदूक बनाने वालों को दिया जाता है, जो उनके पास चले गए वंशजों को तलवारें बनाने और सख्त करने का रहस्य।
देश के अलगाव की अवधि के दौरान धातु पर कलात्मक कार्यों में महत्वपूर्ण सफलताएँ नोट की गईं। तलवार की मूठ और म्यान को सजाने वाले प्रयुक्त धातु के हिस्सों को विशेषज्ञ जौहरी द्वारा बनाया गया था; पहले की तरह, गार्ड के निर्माण पर मुख्य ध्यान दिया गया था।

बुनाई और रंगाई.बुनाई और रंगाई का भी सफलतापूर्वक विकास हुआ। इस अवधि के दौरान कपड़ा उत्पादन में सबसे महत्वपूर्ण विकास युज़ेन-ज़ोम रंगाई प्रक्रिया का आविष्कार था। इस पद्धति ने कपड़ों पर बढ़िया ग्राफिक डिज़ाइनों को पुन: पेश करना संभव बना दिया और यह अभी भी एक जापानी-विशिष्ट प्रकार की रंगाई है।

वार्निश उत्पाद.लाह उत्पादों का कलात्मक उत्पादन जापान में एक असाधारण शिखर पर पहुंच गया है, हालांकि लाह प्रौद्योगिकी का जन्मस्थान चीन है।
वार्निश लाह के पेड़ के रस से प्राप्त किया जाता है। वे लकड़ी, कपड़े, धातु या कागज से बने उत्पाद के आधार की पहले से तैयार चिकनी सतह को बार-बार ढकते हैं।
एक कलात्मक शिल्प के रूप में जापान में लाह उत्पादन के बारे में पहली विश्वसनीय जानकारी 8वीं-12वीं शताब्दी में दरबारी संस्कृति के उत्कर्ष के समय की है। फिर फर्नीचर से लेकर चॉपस्टिक तक, लाह से वास्तुशिल्प विवरण, बौद्ध मूर्तियों, विलासिता की वस्तुओं और घरेलू बर्तनों का उत्पादन व्यापक हो गया।
निम्नलिखित शताब्दियों में, जापानी लोगों के रोजमर्रा के जीवन में लाह उत्पाद तेजी से महत्वपूर्ण हो गए। बर्तन, लेखन उपकरण के लिए बक्से, शौचालय बक्से, बेल्ट पर लटकने वाले बक्से, कंघी और पिन, जूते और फर्नीचर जैसे उत्पादों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाने लगा।
माकी-ई तकनीक की वस्तुएं विशेष रूप से सुरुचिपूर्ण हैं: सतह पर बिखरे हुए सोने या चांदी के पाउडर को वार्निश के साथ तय किया जाता है और फिर पॉलिश किया जाता है। उस समय के हरे-भरे और फूलों का स्वाद पूरी तरह से लाह उत्पादों में सन्निहित था, और उन्हें सजावटी वस्तुओं के रूप में विशेष रूप से महत्वपूर्ण विकास प्राप्त हुआ। बिवा झील पर चिकुबू द्वीप है, जहां एक मंदिर संरक्षित किया गया है, जो एक इमारत के इंटीरियर को सजाने के लिए सोने के लाह के उपयोग का एक उदाहरण है।
बड़े पैमाने पर सजावटी वार्निश का उपयोग घरेलू वस्तुओं और औपचारिक निवासों में उपयोग किए जाने वाले व्यंजनों को बनाने के लिए भी किया जाता था। इनमें सभी प्रकार की टेबल, स्टैंड, बक्से, बक्से, ट्रे, टेबलवेयर और टीवेयर के सेट, पाइप, हेयरपिन, पाउडर कॉम्पैक्ट इत्यादि शामिल हैं। सोने और चांदी से समृद्ध रूप से सजाए गए ये चीजें स्पष्ट रूप से मोमोयामा युग की भावना को दर्शाती हैं। (लाह मास्टर होनअमी कोएत्सु)।
लगभग 17वीं शताब्दी के मध्य तक। क्योटो सजावटी और व्यावहारिक कला के विकास का मुख्य केंद्र बना रहा। ओगाटो कोरिन ने वहां अपना करियर शुरू किया। उन्होंने न केवल पेंटिंग की, बल्कि सिरेमिक, लैकरवेयर, फैब्रिक पेंटिंग, पंखे आदि की भी उत्कृष्ट कृतियाँ बनाईं। कोरिन के प्रसिद्ध लैकरवेयर उत्पादों को रूप और सजावट की एक विशेष एकता द्वारा चिह्नित किया गया था, जो उत्पाद के एक तरफ से दूसरे तक आसानी से "बहती" थी। विभिन्न सामग्रियों के संयोजन ने एक असामान्य सतह बनावट और रंगों की एक दुर्लभ श्रृंखला बनाई।
लाह के काम के अन्य उस्तादों में, इसे ओगावा हरयू सबसे अलग थे। अपने कार्यों में, उन्होंने व्यापक रूप से चीनी मिट्टी के बरतन, हाथी दांत, लाल नक्काशीदार वार्निश, कछुआ खोल, सोना, चांदी, सीसा और अन्य सामग्रियों के साथ जड़ाउ का उपयोग किया।

16वीं सदी के अंत और 17वीं सदी की शुरुआत की सजावटी और व्यावहारिक कला। विविधतापूर्ण था, क्योंकि यह समाज के विभिन्न सामाजिक स्तरों की जीवनशैली की जरूरतों को पूरा करता था।
सजावटी और व्यावहारिक कलाओं में, संस्कृति के अन्य क्षेत्रों की तरह, उस समय के सभी मुख्य वैचारिक और सौंदर्यवादी रुझान परिलक्षित हुए।
तेजी से बढ़ते नए सैन्य-सामंती अभिजात वर्ग और तेजी से बढ़ते समृद्ध शहरी तबके की जीवनशैली और सांस्कृतिक मांगों से जुड़ी दिखावटी धूमधाम और अत्यधिक सजावट के प्रति जापानी कला और संस्कृति की नई प्रवृत्तियाँ, सजावटी और व्यावहारिक कलाओं में स्पष्ट रूप से परिलक्षित हुईं।

हथियार.सैनिक वर्ग के जीवन में हथियारों का विशेष स्थान था। समुराई का मुख्य हथियार तलवार थी, जिसमें ब्लेड की गुणवत्ता और उसके डिज़ाइन को महत्व दिया जाता था।
तलवारों का उत्पादन बंदूक बनाने वालों के परिवारों द्वारा किया जाता था जो पीढ़ी-दर-पीढ़ी अपने कौशल को आगे बढ़ाते थे। विभिन्न स्कूलों के उत्पाद अनुपात, ब्लेड आकार और गुणवत्ता में भिन्न थे। उत्कृष्ट कारीगरों ने ब्लेड पर अपना नाम लिखा, और उनके उत्पाद आज भी संग्रहालय संग्रह में रखे गए हैं।
ब्लेड की मूठ और म्यान को बंदूकधारियों और जौहरियों द्वारा सजाया गया था। लड़ाकू तलवारों को काफी सख्ती से सजाया जाता था, लेकिन नागरिक पोशाक में पहनी जाने वाली तलवारों को बहुत भव्यता से सजाया जाता था।
आमतौर पर कलात्मक डिजाइन का एक फ्लैट गार्ड ब्लेड और हैंडल के बीच रखा जाता था। गार्ड सजावट जापानी कला की एक विशेष शाखा बन गई है। इस कला का गहन विकास 15वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में शुरू हुआ। एक उत्कृष्ट कलाकार जिसने तलवार की सजावट में विशेषज्ञता रखने वाले कारीगरों के राजवंश की नींव रखी, वह समुराई गोटो युजो था।
गार्ड बनाने की कला 16वीं सदी के अंत और 17वीं सदी की शुरुआत में विकसित हुई। उन्हें सजाने के लिए सभी प्रकार के धातु प्रसंस्करण का उपयोग किया गया - जड़ना, नक्काशी, नक्काशी, राहत।
XVI-XVII सदियों के मोड़ पर। हथियारों की सजावट में, कला के अन्य रूपों की तरह, अपव्यय की विशेषताएं दिखाई देने लगीं। घोड़े के दोहन के हिस्से और समुराई तलवारों के म्यान, स्टील परंपरा का उल्लंघन करते हुए, चमकीले शीशे (फुरुटा ओरिबे) से ढके चीनी मिट्टी के बने होते हैं।
15वीं-17वीं शताब्दी में चाय और चाय समारोहों के प्रसार के साथ, कारीगरों का एक नया पेशा उभरा, जो चाय के बर्तन और विशेष रूप से लोहे के चायदानी बनाते थे, जो विरल अलंकरण के साथ सख्त और परिष्कृत होते थे।

लकड़ी पर नक्काशी। 17वीं-18वीं शताब्दी में जापान में सजावटी लकड़ी की नक्काशी में महत्वपूर्ण प्रगति हुई, जो पूर्णता के उच्च स्तर तक पहुंच गई। इसने मंदिर की इमारतों, महलों और शोगुन के आवासों को सजाया, और नागरिकों के लिए छोटे घरेलू सामानों के निर्माण में इसका व्यापक रूप से उपयोग किया गया।
नक्काशी करने वालों की कला के अनुप्रयोग का एक बहुत ही महत्वपूर्ण क्षेत्र नोह थिएटर के लिए मुखौटों का उत्पादन और ज़ेरुरी थिएटर की कठपुतलियों के लिए सिर का उत्पादन था। ऐसा माना जाता है कि थिएटर के लिए मुखौटों का सबसे अच्छा उदाहरण 15वीं-16वीं शताब्दी में, इसके उत्कर्ष के समय, और 17वीं-28वीं शताब्दी के मुखौटों का निर्माण किया गया था। वे केवल पुराने की नकल थे, लेकिन नकल इतनी कुशल थी कि वे आज भी उपयोग की जाती हैं और बहुत मूल्यवान हैं।

चीनी मिटटी।चीनी मिट्टी के उत्पादों का द्रव्यमान, जो 17वीं-18वीं शताब्दी में था। पूरे देश में उत्पादित किया गया था, दो मुख्य प्रकार थे: कुटानी और नबेशिमा की कार्यशालाओं से महंगे, बारीक चित्रित उत्पाद, और अरीता और सेटो से चीनी मिट्टी के बरतन, बड़ी श्रृंखला में उत्पादित।
प्रारंभिक काल की कुटानी कार्यशालाओं के उत्पादों में प्लास्टिक, असमान आकार होता था। उनकी पेंटिंग रंग के बड़े धब्बों का उपयोग करके बनाई गई थी और जहाजों की सतह पर स्वतंत्र रूप से स्थित थी। बाद में कुटानी चीनी मिट्टी ने सूखे, पैटर्न वाले रूप और सजावट प्राप्त कर ली।
नबेशिमा के उत्पादों को आम तौर पर अंडरग्लेज़ पेंटिंग में बने एकल पौधे की आकृति से सजाया जाता था, कभी-कभी ओवरग्लेज़ पॉलीक्रोम पेंटिंग के साथ पूरक किया जाता था।
अरीता और सेटो की कार्यशालाओं ने बड़े पैमाने पर उत्पादों का उत्पादन किया। इस बर्तन को फूलों, पक्षियों, तितलियों आदि की सुंदर, सजावटी रचनाओं से सजाया गया था।

काम करता है जापानी सिरेमिक राकू राजवंशजापान के सिरेमिक और सभी सजावटी और व्यावहारिक कलाओं के इतिहास में एक विशेष, अद्वितीय स्थान रखता है। क्योटो कारीगरों के राजवंश ने पंद्रह पीढ़ियों तक निरंतरता बनाए रखी है, और उसी कलात्मक परंपरा में चीनी मिट्टी का निर्माण जारी रखा है जिसमें इसकी उत्पत्ति 16 वीं शताब्दी के मध्य में हुई थी।

राकू राजवंश के प्रतिनिधियों के उत्पादों का उद्देश्य शुरू में बड़े पैमाने पर या धारावाहिक उत्पादन नहीं था, बल्कि चा-नो-यू चाय समारोह के पारखी लोगों के एक संकीर्ण दायरे के लिए अद्वितीय कार्य बनाना था। कार्यशाला के प्रदर्शनों की सूची में मुख्य रूप से चाय के कटोरे (चावन), अगरबत्ती (कोरो), और, कम सामान्यतः, अगरबत्ती (कोगो) और फूलों की व्यवस्था के लिए फूलदान (केबिन) शामिल थे। राकू मास्टर्स की क्षमताओं की इस स्पष्ट सीमा के कारण कार्यशाला की शैली में सुधार और क्रिस्टलीकरण हुआ। ये सभी वस्तुएं उन स्वामी के व्यक्तित्व की एक ज्वलंत छाप रखती हैं जिन्होंने उन्हें बनाया और जिस समय से वे संबंधित हैं।

राकू परिवार प्रौद्योगिकी का आधार मोल्डिंग और ग्लेज़िंग की वे तकनीकें थीं जो 16वीं शताब्दी के अंत में राकू राजवंश के संस्थापक, राकू तेजिरो (楽　長次郎, ?-1589) के उत्कृष्ट गुरु के काम के दौरान विकसित की गई थीं। उत्पादों को हाथ से ढाला गया था (शायद स्थानीय मिट्टी की कम प्लास्टिसिटी के कारण, जिससे उन्हें कुम्हार के चाक पर खींचना असंभव हो गया था) और पॉलीक्रोम तरीके से फ्यूज़िबल लेड ग्लेज़ से ढका हुआ था (तीन रंगों वाली चीनी संतसाई सिरेमिक की नकल में) मिंग युग (1368-1644)) या मोनोक्रोम लाल और काले शीशे का आवरण। यह मोनोक्रोम उत्पाद थे जो चाय मास्टर्स के बीच सबसे प्रसिद्ध हो गए और उन्हें उर्फ-राकू (लाल राकू) और कुरो-राकू (काला राकू) कहा जाने लगा।


राकू का सबसे विशिष्ट तकनीकी चरण फायरिंग है: फायरिंग कक्ष में 850 से 1000 डिग्री सेल्सियस के तापमान पर, उत्पादों को जल्दी से हटा दिया जाता है और खुली हवा में या पानी (हरी चाय) में डुबो कर ठंडा किया जाता है। कटोरे के सरल, लेकिन जीवंत और अभिव्यंजक आकार और तीव्र शीतलन के दौरान होने वाले शीशे के प्रभाव, दोनों ने कार्यशाला के उत्पादों को अभिव्यंजकता, वैयक्तिकता प्रदान की और वाबी सौंदर्यशास्त्र की आवश्यकताओं को पूरा किया, जिसने सेन नो रिक्यू (1522-) के चाय समारोह को परिभाषित किया। 1591) और उनके निकटतम अनुयायी। 17वीं शताब्दी में, चीनी मिट्टी की इस नवीन शैली की पहचान न केवल राकू कार्यशाला के चव्हाण कार्य के उच्च मूल्य में परिलक्षित हुई, बल्कि विभिन्न द्वारा बनाई गई उत्सुशी ("अंतरों के साथ प्रतियां") की कई नकल और व्याख्याओं में भी दिखाई दी। सिरेमिक कलाकार. एडो काल (1603-1868) के सजावटी कलाओं के सबसे प्रभावशाली स्वामी होन'आमी कोएत्सु (1558-1673) और ओगाटा केनज़ान (1663-1743) ने राकू परिवार के उस्तादों के साथ अध्ययन किया और अपनी स्वयं की रंगीन व्याख्याएँ बनाईं। ये शैली।

इस प्रकार, 17वीं सदी के जापान में राकू परिवार के उत्पाद और अन्य कार्यशालाओं के सेरेमिस्टों और "राकू शैली" में स्वतंत्र कलाकारों द्वारा बनाए गए उत्पाद पहले से ही मौजूद थे। इस तथ्य के बावजूद कि एक विशेष प्रकार के सिरेमिक का नाम एक उचित नाम बन गया, जो राकू तेजिरो: I से क्योटो कार्यशाला के भीतर विरासत में मिला, "राकू" शब्द ने एक स्वतंत्र अर्थ प्राप्त कर लिया। इस प्रकार वे प्रसिद्ध सिरेमिक कार्यशाला की तकनीकी और सौंदर्य परंपराओं में निर्मित सिरेमिक को कॉल करने लगे। राकू शैली में बड़ी संख्या में उत्पाद (ज्यादातर अभी भी चा-नो-यू चाय समारोह के लिए अभिप्रेत हैं) 17वीं-19वीं शताब्दी के दौरान उस्तादों द्वारा बनाए गए थे।

19वीं सदी के मध्य में जापान के पश्चिम में खुलने के कारण पश्चिमी कलाकारों द्वारा जापानी ललित और सजावटी कला से रूपों और सजावटी रूपांकनों को व्यापक रूप से उधार लिया गया। हालाँकि, राकू कार्यशाला के चीनी मिट्टी के बर्तनों ने बीसवीं सदी की शुरुआत तक पश्चिमी पारखी लोगों का ध्यान आकर्षित नहीं किया, क्योंकि वे बड़ी व्यापारिक कंपनियों की अपेक्षाओं को पूरा नहीं करते थे और उस आकर्षक सजावटी गुणवत्ता से रहित थे जो जापानी के निर्यात उत्पादों को अलग करती है। दूसरी शताब्दी की सिरेमिक कार्यशालाएँ। 19वीं सदी का आधा हिस्साशतक।


ब्रिटिश कलाकार और सेरेमिस्ट बर्नार्ड लीच (1887-1979)

आज, "राकू" शब्द का व्यापक रूप से रूस, पश्चिमी और पूर्वी यूरोप में सेरामिस्टों और स्कैंडिनेवियाई देशों और संयुक्त राज्य अमेरिका के कारीगरों द्वारा उपयोग किया जाता है। हालाँकि, "राकू सिरेमिक" की अवधारणा में महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए हैं क्योंकि यह दुनिया भर में फैल गया है, और "यूरोपीय" और "अमेरिकी राकू" के गठन पर विचार प्रासंगिक लगता है।

पश्चिमी लोगों को राकू शैली के सिरेमिक से परिचित कराने वाले पहले यूरोपीय ब्रिटिश कलाकार और सिरेमिक कलाकार बर्नार्ड लीच (1887-1979) थे। लंदन में एक कलाकार के रूप में प्रशिक्षित होने के बाद, वह पैट्रिक लाफकाडियो हर्न (1850-1904) की किताबों से प्रभावित होकर जापान आये, जिसमें जापान को परिष्कृत संस्कृति, सुंदर प्रकृति, शांतिपूर्ण, मेहनती लोगों और खूबसूरत महिलाओं का देश बताया गया था। 1909 में जापान में खुद को पाकर, लीच युवा जापानी दार्शनिकों और कलाकारों "शिराकाबा" (व्हाइट बिर्च) के समूह से परिचित हो गए, जिन्होंने इसी नाम की एक साहित्यिक और कलात्मक पत्रिका प्रकाशित की और दुनिया भर के पाठकों के सामने पेश करने की कोशिश की। कलात्मक विरासत, जो पहले जापान में व्यावहारिक रूप से अज्ञात थी देर से XIXशतक।

इस एसोसिएशन में बी. लीच की गतिविधियाँ शुरू में यूरोपीय उत्कीर्णन को लोकप्रिय बनाने के लिए समर्पित थीं। उसी समय, शिराकाबा में उनके सक्रिय कार्य ने उन्हें यानागी सोएत्सु (柳宗悦, 1889-1961), हमादा शोजी (濱田庄司, 1894-1978) और टोमिमोटो केनकिची (富本憲吉記, 1886) जैसे युवा विचारकों और कलाकारों से परिचित कराया। -1963). 1911 में, टोक्यो में एक एकल प्रदर्शनी के बाद, लीच ने एक उत्कीर्णक और कपड़ा डिजाइनर के रूप में टोक्यो और पूरे जापान के कलात्मक जीवन में एक निश्चित स्थान लिया। उसी वर्ष, उन्हें और टोमिमोटो केनकिची को एक "राकू पार्टी" में आमंत्रित किया गया था (लीच ने अपनी डायरी में उन्हें राकू पार्टी कहा है)।

ऐसी बैठकें शिक्षित जापानी लोगों के बीच बौद्धिक और रचनात्मक अवकाश का एक लोकप्रिय रूप थीं। मेहमानों को पहले से जलाए गए सिरेमिक उत्पाद उपलब्ध कराए गए थे; प्रतिभागियों ने उन्हें रंगा और चमकाया और गोलीबारी देखी, जो विशेष रूप से रात में शानदार थी, जब गर्म वस्तुओं को भट्ठी से हटा दिया जाता था और धीरे-धीरे हवा में ठंडा किया जाता था। पेंटिंग के लिए, लोग एक चाय घर (चाशित्सु) के कमरे में एकत्र हुए, जिसने बैठक के आरामदायक, मैत्रीपूर्ण माहौल और चाय परंपरा के साथ इसके संबंध पर जोर दिया।

इस बिंदु तक, बी. लीच, हालांकि शिराकाबा गतिविधियों के हिस्से के रूप में सिरेमिक में रुचि रखते थे, उन्होंने इस सामग्री के साथ काम करने के बारे में नहीं सोचा था। "राकू बैठक" में भागीदारी, गोलीबारी का तमाशा और बैठक में विभिन्न प्रतिभागियों द्वारा प्राप्त किए गए परिणामों की विविधता ने कलाकार को अपने कलात्मक करियर को मौलिक रूप से बदलने के लिए मजबूर किया।

बर्नार्ड लीच की पहली राकू पार्टी रचना एक तोते की डिश थी। उन्होंने यह सजावटी रूपांकन मिंग युग (1368-1644) के चीनी चीनी मिट्टी के बरतन पर अंडरग्लेज़ कोबाल्ट पेंटिंग के प्रदर्शन से उधार लिया था। इस व्यंजन के विवरण को देखते हुए, यह पॉलीक्रोम था, जैसे कि ऐसी पार्टियों के अन्य शौकिया सामान थे, जिन्हें अक्सर अंडरग्लेज़ पेंटिंग से सजाया जाता था और मूल राकू सामानों के करीब नहीं थे। यह तथ्य बताता है कि जापान में बीसवीं सदी की शुरुआत में, राकू तकनीक ने एक निश्चित स्वतंत्रता हासिल कर ली थी, जो अब मूल पारिवारिक परंपरा के अनुरूप नहीं थी और इसे सिरेमिक को सजाने के प्रसिद्ध तरीकों में से एक माना जाता था।

साथ ही, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि राकू बैठकें कलात्मक रचनात्मकता की पुरानी परंपराओं से स्पष्ट रूप से जुड़ी हुई थीं, जो चाय समारोह की नैतिकता और सौंदर्यशास्त्र, संयुक्त काव्य रचनात्मकता, सुलेखकों की प्रतियोगिताओं और 17वीं-19वीं के इकेबाना मास्टर्स में निहित थीं। सदियों. बीसवीं सदी की शुरुआत में इस परंपरा की वापसी ने जापान की आधुनिक राष्ट्रीय संस्कृति के निर्माण में एक महत्वपूर्ण चरण को चिह्नित किया: पुराने जापान की आधिकारिक अभिजात्य संस्कृति से जुड़े सांस्कृतिक और कलात्मक रूप फिर से मांग में थे। यह विशेषता है कि इसी समय जापान में चा-नो-यू चाय समारोह, सेंट्या-डो की चाय प्रथा और अन्य पारंपरिक कलाओं के साथ-साथ धार्मिक, दार्शनिक और में रुचि का पुनरुद्धार हुआ था। सौंदर्य संबंधी शिक्षाएँ।

मिट्टी के बर्तनों और सिरेमिक पेंटिंग में स्वतंत्र रूप से महारत हासिल करने के कई प्रयासों के बाद, बी. लीच ने टोक्यो में एक शिक्षक की तलाश शुरू की। अन्य लोगों के अलावा, उन्होंने होरीकावा मित्सुज़ान की कार्यशाला का दौरा किया, जो राकू शैली में विशेषज्ञता रखते थे। हालाँकि, लीच को उरानो शिगेकिची (浦野繁吉, 1851-1923, केनज़न VI) के साथ अधिक आपसी समझ मिली, जिनके चीनी मिट्टी के बर्तनों को उत्कृष्ट मास्टर ओगाटा केनज़न (केनज़न I, 1663-1743) की परंपराएँ विरासत में मिलीं। हालाँकि, लीच की राय में, उरानो शिगेकिची के काम और रिम्पा आर्ट स्कूल में सजावट के प्रति समर्पण में ऊर्जा और शक्ति की कमी थी, इस मास्टर के पास सिरेमिक के पुराने और शानदार राजवंश से संबंधित सभी तकनीकी ज्ञान थे, और प्रारंभिक शिक्षा देने के लिए तैयार थे। एक विदेशी छात्र को सिरेमिक सजावट की।

दो साल तक, लीच ने टोमिमोटो केनकिची के साथ मिलकर यूरेनो शिगेकिची कार्यशाला में काम किया, जिन्होंने पहले एक अनुवादक के रूप में भी काम किया, क्योंकि लीच को अभी तक जापानी भाषा अच्छी तरह से नहीं आती थी। यूरानो की कार्यशाला में, रूपों का निर्माण कार्य का हिस्सा नहीं था: पेंटिंग के लिए रिक्त स्थान अन्य कार्यशालाओं से खरीदे जाते थे या आमंत्रित कुम्हारों द्वारा बनाए जाते थे, लेकिन लीच ने स्वयं रूप बनाने में सक्षम होने के लिए मिट्टी के बर्तनों के शिल्प में भी महारत हासिल करना शुरू कर दिया। उन्होंने कहा कि, जापानी नहीं होने के कारण, वह पारंपरिक रूपों और सजावट के चरित्र को पूरी तरह से महसूस नहीं कर सके। मास्टर द्वारा कई प्रारंभिक कार्य (1911-1913) जापानी मिट्टी के बर्तनों और कलात्मक परंपरा के अपवर्तन में यूरोपीय सिरेमिक शैलियों की विशिष्ट व्याख्या करते हैं। बाद में, लिच का काम दुनिया भर के सिरेमिक से भी काफी प्रभावित हुआ। सुदूर पूर्वऔर अफ़्रीकी देश.


एक साल की प्रशिक्षुता के बाद, उरानो ने बी. लीच को अपनी संपत्ति पर बगीचे के एक कोने में अपनी कार्यशाला स्थापित करने और एक छोटा राकू भट्ठा बनाने की अनुमति दी। इस कार्यशाला के निर्माण के एक साल बाद, यूरानो ने उन्हें और टोमिमोटो केनकिची को केनज़न परिवार की परंपरा विरासत में मिलने के आधिकारिक प्रमाण पत्र (घने:) प्रदान किए, और बर्नार्ड लीच को आधिकारिक तौर पर केनज़न VII के मास्टर के रूप में मान्यता दी गई।

केनज़न नाम के साथ, बर्नार्ड लीच को ग्लेज़ और अन्य उत्पादन रहस्यों के व्यंजनों के साथ "पारिवारिक" दस्तावेजों का एक संग्रह भी प्राप्त हुआ, जिसमें राकू फायरिंग की मूल बातें भी शामिल थीं, जो केनज़न परिवार की संपत्ति का हिस्सा थे। बाद में लीच ने अपने कार्यों में उनके कुछ हिस्सों को प्रकाशित किया, जिसमें 1940 में प्रकाशित द पॉटर बुक भी शामिल थी और जिसका बीसवीं सदी के मध्य में पश्चिमी कार्यशालाओं के सिरेमिक पर बहुत बड़ा प्रभाव था। लीच ने स्टूडियो सिरेमिक की कलात्मक भाषा को समृद्ध करने में रुचि रखने वाले सभी सेरेमिस्टों के लिए पारंपरिक तकनीक उपलब्ध कराई। अपने पूरे रचनात्मक जीवन में, जापान और सेंट इवेस में काम करते हुए, मास्टर ने बार-बार राकू तकनीक की ओर रुख किया।

बीसवीं सदी की शुरुआत में यूरोपीय कलात्मक चीनी मिट्टी की सामान्य स्थिति के बारे में बोलते हुए, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि यह बी. लीच ही थे जो यूरोप में एक स्वतंत्र स्टूडियो स्थापित करने वाले पहले कलाकार बने (1920 में सेंट इवेस, कॉर्नवाल में, उसके बाद) इंग्लैण्ड लौटना)। धीरे-धीरे, लीच और यानागी सोएत्सु ने विश्व कलात्मक परंपरा में शिल्पकार की भूमिका की एक नई समझ विकसित की: यह आंशिक रूप से विलियम मॉरिस और कला और शिल्प आंदोलन के विचारों से मेल खाता था (इस आंदोलन का इतिहास दोनों के बीच बातचीत में एक लगातार विषय था) बर्नार्ड लीच और यानागी सोएत्सु)। मॉरिस की तरह, लीच ने शिल्प के औद्योगीकरण और मानकीकृत उत्पादन में इसके परिवर्तन का विरोध किया।

यानागी सोएत्सु के लिए, साथ ही बीसवीं सदी की शुरुआत के कई जापानी कलाकारों और विचारकों के लिए, नए जापान के अपरिहार्य औद्योगीकरण की संभावना हस्तशिल्प और लोक शिल्प की विशिष्ट संस्कृति के लिए एक गंभीर खतरा लग रही थी। 1920 के दशक में, लोक परंपरा को संरक्षित करने की इच्छा के परिणामस्वरूप प्रभावशाली मिंगेई आंदोलन हुआ, जिसकी स्थापना हमदा शोजी और कावई कांजीरो (河井寛次郎, 1890-1978) ने की थी। पुरानी सिरेमिक कार्यशालाओं की परंपराओं को 1930 के दशक में अरकावा टोयोज़ो (荒川豊蔵, 1894-1985) द्वारा पुनर्जीवित किया गया था और मुख्य रूप से मोमोयामा युग (1573-1615) की मिनो-सेटो कार्यशालाओं की सिरेमिक से संबंधित थी।

बीसवीं शताब्दी के पूर्वार्ध में पुरानी कलाओं का पुनर्वास जापान की राष्ट्रीय नीति का एक महत्वपूर्ण हिस्सा था; इस नीति को उस युग के दार्शनिकों और कलाकारों से सबसे ईमानदार और उत्साही प्रतिक्रिया मिली। 1906 में प्रकाशित ओकाकुरा कोकुज़ो की "चाय की पुस्तक" का राष्ट्रीय परंपरा में रुचि के निर्माण पर बहुत प्रभाव पड़ा: (岡倉覚三, 1862-1913) - पारंपरिक कलाओं पर प्रोग्रामेटिक कार्यों में से एक, जिसमें चाय समारोह के स्थायी नैतिक और सौंदर्य मूल्य को चा-नो यू द्वारा प्रमाणित किया गया था। अंग्रेजी में प्रकाशित यह पुस्तक पश्चिमी पाठकों के लिए एक रहस्योद्घाटन बन गई। बर्नार्ड लीच की द पॉटर बुक के साथ, द टी बुक का न केवल पश्चिमी सिरेमिकिस्टों पर, बल्कि बीसवीं सदी के मध्य में कलाकारों, लेखकों और विचारकों की एक विस्तृत श्रृंखला पर भी बड़ा प्रभाव पड़ा।

कॉर्नवाल में, बर्नार्ड लीच और हमादा शोजी न केवल रचनात्मक, बल्कि शिक्षण गतिविधियों में भी लगे हुए थे। लीच के पहले अमेरिकी छात्रों में से एक वॉरेन मैकेंज़ी (जन्म 1924) थे, जिन्होंने 1949 से 1951 तक सेंट इवेस कार्यशाला में अध्ययन किया।

1940 के दशक के अंत और 1950 के दशक की शुरुआत में अमेरिकी कलाकारों की जापानी मिट्टी के बर्तनों की परंपरा में रुचि बढ़ने लगी। महामंदी की लंबी आर्थिक गिरावट और द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान अर्थव्यवस्था के सैन्यीकरण के बाद, संयुक्त राज्य अमेरिका में स्थिरता का समय आया, जो सजावटी और व्यावहारिक कलाओं के विकास को प्रभावित नहीं कर सका। बीसवीं सदी के मध्य में, अमेरिकी सेरेमिस्टों की रुचि मुख्य रूप से सिरेमिक तकनीकों और ग्लेज़ फॉर्मूलेशन में सुधार के आसपास केंद्रित थी। युद्ध के बाद के दशक में, व्यावहारिक कलाओं का सौंदर्यशास्त्र - न केवल चीनी मिट्टी में, बल्कि फर्नीचर डिजाइन, कलात्मक वस्त्र आदि में भी - मौलिक रूप से बदल गया। सैन्य उद्योग द्वारा बनाई गई नई सामग्रियों के प्रसार से डिजाइन संभावनाओं का विस्तार हुआ।

प्रसिद्ध शोजी हमदा द्वारा व्याख्यान

1950 की शुरुआत में, क्राफ्ट होराइजन्स पत्रिका ने शिल्पकारों के काम के बारे में प्रकाशन प्रकाशित करना शुरू किया; 1953 में, अमेरिकी शिल्पकार शैक्षिक परिषद ने ब्रुकलिन संग्रहालय के साथ मिलकर "शिल्पकारों-डिजाइनरों" की एक प्रदर्शनी का आयोजन किया; 1956 में, उसी एसोसिएशन ने न्यूयॉर्क में आधुनिक शिल्प संग्रहालय खोला। ऐसे शैक्षणिक संस्थानों की संख्या जहां शिल्प और सजावटी और व्यावहारिक कलाओं का अध्ययन किया जाता था, बढ़ी और धीरे-धीरे संयुक्त राज्य अमेरिका में विभिन्न प्रकार की सजावटी और व्यावहारिक कलाओं के कलाकारों और उस्तादों के काम के लिए एक उपयोगी वातावरण बनाया गया।

युद्धोपरांत तेजी से बदलती दुनिया को एक नई कलात्मक भाषा की आवश्यकता थी। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद दुनिया का काफी विस्तार हुआ और पूर्व के देशों में रुचि भी बढ़ी। जापान में अमेरिकी सैन्य अड्डों की मौजूदगी के सहवर्ती प्रभाव से दूर की संस्कृति के बारे में अमेरिकियों की समझ का विस्तार हुआ और जापान में स्थायी रुचि का उदय हुआ। जापानी सौंदर्यशास्त्र ने धीरे-धीरे अमेरिकी कलाकारों के दिल और दिमाग को जीत लिया: "जैविक" कला के विचार, प्राकृतिक रूपों से निकटता - यह सब तकनीकी संस्कृति और युद्धकालीन डिजाइन की प्रतिक्रिया थी।

जापान की आध्यात्मिक संस्कृति में भी रुचि पैदा हुई, जिसका केंद्र ज़ेन बौद्ध धर्म था। इस बौद्ध स्कूल का ज्ञान सुज़ुकी डाइसेत्सु टीटारो (鈴木大拙貞太郎, 1870-1966) और धार्मिक विद्वान और दार्शनिक एलन विल्सन वाट्स (1915-1973) के प्रकाशनों और सक्रिय शैक्षिक गतिविधियों के कारण पश्चिम में फैल गया। ज़ेन बौद्ध धर्म के लोकप्रिय के रूप में वाट्स की गतिविधियों के अलावा, ड्र्यूड हाइट्स कम्यून (कैलिफ़ोर्निया, यूएसए) के प्रभाव में पैदा हुए लागू कला के सौंदर्यशास्त्र के बारे में उनके विचारों पर ध्यान देना उचित है। एलन वॉट्स सहित लेखक एल्सा गिडलो (1898-1986) द्वारा स्थापित इस कम्यून के निवासियों ने प्राकृतिक और कार्यात्मक सौंदर्यशास्त्र के बारे में विचारों द्वारा निर्देशित होकर, सभी आवश्यक घरेलू सामान स्वयं बनाए। वाट्स ने अमेरिकी शौकिया कलाकारों के "अनुप्रयुक्त सौंदर्यशास्त्र" के सरल रूपों और उन चीजों के सौंदर्यशास्त्र के बीच सीधा संबंध देखा, जो उन कलाओं के लिए जापानी वाबी सौंदर्यशास्त्र की भावना में बनाए गए थे जो ज़ेन परंपरा (चाय समारोह, इकेबाना) के अनुरूप विकसित हुए थे। फूलों की व्यवस्था, आदि)। साथ ही, ज़ेन बौद्ध धर्म की नैतिकता और इसके सौंदर्यशास्त्र दोनों को वाट्स और उनके अनुयायियों ने "आंतरिक आप्रवासन" के एक तरीके के रूप में माना, एक रूढ़िवादी राज्य में अपनी आवाज़ ढूंढना और अमेरिका में जीवन के सभी रूपों को एकजुट करना। फ्री-फॉर्म सिरेमिक ने संयुक्त राज्य अमेरिका की कला और शिल्प में एक प्रमुख स्थान पर कब्जा कर लिया है।

1950 के दशक में अमेरिकी सिरेमिक विशेषज्ञों पर बर्नार्ड लीच का बहुत बड़ा प्रभाव था, जिनकी कृति द पॉटर बुक 1947 में संयुक्त राज्य अमेरिका में प्रकाशित हुई थी। हालाँकि, कलाकारों पर सबसे बड़ा प्रभाव 1952 में डार्टिंगटन हॉल (डेवोनशायर) में आयोजित एक सम्मेलन के बाद व्याख्यान और मास्टर कक्षाओं की एक श्रृंखला के साथ संयुक्त राज्य अमेरिका में अंग्रेजी मास्टर, यानागी सोएत्सु और हमादा शोजी के आगमन का था। यह एंग्लो-जापानी सम्मेलन सिरेमिक और कलात्मक बुनाई की कला को समर्पित था, इसका मुख्य लक्ष्य इस कलात्मक क्षेत्र में अंतर्राष्ट्रीय सहयोग की व्यापक संभावनाओं को प्रदर्शित करना था।

हमादा शोजी की मास्टर कक्षाओं के लिए धन्यवाद (मास्टर शायद ही कभी सार्वजनिक व्याख्यान देते थे, लेकिन हर जगह अपने काम को प्रदर्शित करने का अवसर मिला - किसी भी कुम्हार के चाक पर और किसी भी मिट्टी के साथ जो उन्हें प्रदान की गई थी), अमेरिकी सिरेमिक विशेष प्लास्टिक गुणों से परिचित हो गए। जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें. जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें को मूर्तिकला की परिभाषाओं में माना जाने लगा, इस कला की सभी संभावनाओं के साथ एक जटिल रूप बनाने में, आसपास के स्थान के साथ बातचीत में, आंतरिक गतिशीलता को व्यक्त करने के लिए बनावट (और रंग) के महत्व को ध्यान में रखते हुए रूप, आदि

1950-1960 के दशक में, किताओजी रोसंजिन (北大路 魯山人, 1883-1959) और कनेशिगे टोयो (金重陶陽, 1896-1967) जैसे प्रमुख जापानी मास्टर्स ने भी संयुक्त राज्य अमेरिका का दौरा किया था, जिनका अमेरिकी कलाकारों पर भारी प्रभाव था। ऐसे व्याख्यानों और मास्टर कक्षाओं में सबसे अधिक रुचि रखने वाले प्रतिभागियों में से एक पॉल सोल्डनर (1921-2011) थे, जिन्हें "अमेरिकन राकू" का आविष्कारक माना जाता है, जो समय के साथ सिरेमिक की एक पैन-पश्चिमी दिशा बन गई। वह अपने समय के सबसे प्रतिष्ठित और प्रभावशाली सिरेमिक कलाकारों में से एक, पीटर वोल्कोस (पैनागियोटिस वोल्कोस, 1924-2002) के छात्र थे। शिक्षक और छात्र के बीच छोटे - केवल तीन साल - उम्र के अंतर ने मास्टर्स को एक साथ प्रयोग करने और सिरेमिक के नए रूपों की तलाश करने की अनुमति दी।

सोल्डनर ज़ेन दर्शन, चाय समारोह और जापानी कुम्हारों के काम से बहुत प्रभावित थे, लेकिन इन घटनाओं का उनके शुरुआती कार्यों - कुम्हार के चाक पर बने स्मारकीय, जटिल टुकड़ों पर अधिक प्रभाव नहीं पड़ा। हालाँकि, 1960 में, स्क्रिप्स इंस्टीट्यूट में छात्रों के लिए एक कक्षा की तैयारी करते समय, उन्हें राकू सिरेमिक में रुचि हो गई और उन्होंने रचनात्मक स्वतंत्रता और सुधार की अनंत संभावनाओं की खोज की जो इस प्रकार के सिरेमिक की विशेषता है।

सोल्डनर ने प्रकृति के करीब, "जैविक" रूपों के पक्ष में जटिल रूपों को त्याग दिया, जिसके कारण कुम्हार के पहिये को भी त्यागना पड़ा - मोल्डिंग के तरीके क्योटो में राकू कार्यशालाओं में अपनाए गए तरीकों से अधिक निकटता से मिलने लगे। फायरिंग के लिए विशेष शोध की आवश्यकता थी: सिरेमिक उत्पाद बनाने के इस चरण में सबसे बड़े बदलाव (जापानी राकू की तुलना में) किए गए थे।

जानकारी के मुख्य स्रोत के रूप में, सोल्डर ने बी. लीच द्वारा "पॉटर बुक" में राकू सिरेमिक के विवरण और इसके निर्माण की तकनीक का उपयोग किया। इसका उपयोग हो रहा है संक्षिप्त वर्णनऔर अपने स्वयं के कार्य अनुभव का लाभ उठाते हुए, सोल्डनर ने एक छोटा भट्ठा बनाया। कई घंटों की गोलीबारी के बाद, सोल्डनर ने गर्म चीनी मिट्टी के बर्तन को हटा दिया और इसे पास के जल निकासी खाई से नम पत्तियों में लपेट दिया, जिससे टुकड़ा ठंडा होने पर कम करने वाला वातावरण बन गया। इस प्रक्रिया को "धूम्रपान" सिरेमिक कहा जाता था और यह ऑक्सीकरण वाले वातावरण में राकू उत्पादों को ठंडा करने की पारंपरिक जापानी विधि से बिल्कुल अलग थी। हालाँकि, यह वह विधि थी जिसने तथाकथित "अमेरिकी कैंसर" की नींव रखी और दुनिया भर के कई देशों में फैल गया।


सोल्जर ने अपने स्वयं के डिजाइन के भट्टे बनाना जारी रखा: 1960 के दशक में, उन्होंने विभिन्न तापमानों पर और विभिन्न रेडॉक्स स्थितियों में उत्पादों को जलाने के लिए ग्यारह भट्टियां बनाईं, जिनमें राकू के लिए भट्टियां और कटौती कक्ष भी शामिल थे। सीलबंद स्टील स्मोकहाउस चैंबर लगभग 1.2 मीटर व्यास के थे और कम करने वाले वातावरण में एक साथ 6-10 उत्पादों को ठंडा करना संभव बनाते थे। उत्पादों की सतह का आंशिक ऑक्सीकरण करने के लिए (जिसने उन्हें एक उज्ज्वल व्यक्तित्व दिया), ऐसी भट्ठी का ढक्कन कुछ समय के लिए उठाया जा सकता है। इस प्रकार, हमारे अपने डिज़ाइन के ओवन के साथ कई प्रयोगों के दौरान, विभिन्न व्यंजनों के ग्लेज़ आदि विभिन्न रूपों मेंसोल्डर के उत्पाद पारंपरिक राकू ओवन में उपयोग की जाने वाली मूल जापानी तकनीकों से बहुत दूर चले गए।

पारंपरिक नुस्खे का यह निःशुल्क उपयोग केवल अंतर्ज्ञान और अनुभव द्वारा निर्देशित, आगे बढ़ने की आवश्यकता में सोल्डर के गहरे विश्वास से तय हुआ था। उसी समय, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, कलात्मक रचनात्मकता के परिणाम की सहजता और अप्रत्याशितता के प्रति अपनी विशेष प्रतिबद्धता के साथ, सोल्डनर के समकालीनों के विचारों के अनुसार, ज़ेन स्वाभाविकता और सहजता के सिद्धांतों के बराबर था। इस प्रकार, बीसवीं सदी के मध्य में जापानी मध्ययुगीन परंपरा एकदम आधुनिक लगने लगी।

1960 के दशक में सोल्जर ने ओटिस छात्रों के एक समूह के हिस्से के रूप में जो चव्हाण कटोरे बनाए थे, वे जापानी सिरेमिक परंपरा की उनकी विशिष्ट लेकिन सावधानीपूर्वक व्याख्या से प्रतिष्ठित हैं। रूप जापानी के करीब हैं; कटोरे के किनारों की असमान सतह ढीलेपन से ढकी हुई है
रंगीन (काले, लाल, पीले या भूरे) ग्लेज़ की बूंदें, जिनके किनारे बड़े रंगे हुए क्रेक्वेलर्स स्थित होते हैं। मास्टर ने अपने लंबे रचनात्मक करियर के दौरान जापानी सिरेमिक के इन क्लासिक रूपों की ओर रुख किया, और मुक्त राकू शैली में नई और नई मूल विशेषताओं को पेश किया। 1980 के दशक में और अधिक प्रयास किये गये जटिल आकार, पहले से ही एक मूर्तिकला और एक कला वस्तु के करीब, सोल्डनर ने सजावट को भी जटिल बना दिया: मास्टर ने अलग-अलग मोटाई की परतों में शीशे का आवरण लगाया, जिससे बिना शीशे वाले टुकड़े से रंगीन शीशे के मोटे, सूजे हुए क्षेत्रों में जटिल बदलाव हुए।

2012 की एक प्रदर्शनी में, मिसौला कला संग्रहालय ने पॉल सोल्डनर द्वारा निर्मित एक बड़ा, लगभग गोलाकार जहाज दिखाया, जो भूरे रंग के शीशे से ढका हुआ था और राकू परंपरा में पकाया गया था। गहरे भूरे सिरेमिक द्रव्यमान से बने बर्तन, आकार में समान, शीशे की एक पतली परत से ढके हुए थे और शीर्ष पर एन्गोब और रंगीन ग्लेज़ से सजाए गए थे - अभिव्यक्तिवादी, प्रतिच्छेदन स्ट्रोक और रेखाओं के अमूर्त पैटर्न, विभिन्न पैटर्न के साथ लकड़ी के टेम्पलेट्स के निशान - में कंघी की धारियों, छोटे खरोजों आदि का रूप।

1960 के दशक तक, अमेरिकी सिरेमिक विशेषज्ञों के बीच "राकू" क्या है, इसके बारे में पहले से ही कई विचार थे: ये या तो धुएँ वाले कक्षों ("धुएँ वाले") में जलाई गई वस्तुएँ थीं, या सुलगते ईंधन या पानी के साथ कक्षों में पकाई और ठंडी की गईं। इस तरह की विविधता 21वीं सदी की शुरुआत में स्टीफन ब्रैन्फ़मैन के राकू तकनीक के विवरण में भी दर्ज की गई थी: उन्होंने राकू सिरेमिक को पहले से गरम भट्ठी में पकाया जाता है, भट्ठी से फायरिंग कक्ष में अधिकतम तापमान पर निकाला जाता है और धीरे-धीरे पानी में ठंडा किया जाता है, के रूप में परिभाषित किया है। दहनशील सामग्री वाला कंटेनर या सिर्फ बाहर।

पॉल सोल्डर ने प्रौद्योगिकी के माध्यम से राकू सिरेमिक को निश्चित रूप से परिभाषित करने से परहेज किया। वह इस विचार से आगे बढ़े कि राकू सिरेमिक के मुख्य गुण - आंतरिक स्वतंत्रता और सुविधा - प्रौद्योगिकी से परे, जीवन की कलात्मक समझ के क्षेत्र में हैं। 1990 के दशक के अंत में जापान की यात्रा के दौरान मास्टर को अपनी तकनीक और राकू परिवार की मूल परंपरा के बीच अंतर देखने का अवसर मिला। हालाँकि, उस समय तक, 1960 के दशक में उनके द्वारा प्रस्तावित फायरिंग उत्पादों की तकनीक, संयुक्त राज्य अमेरिका की सीमाओं से बहुत दूर "राकू" के रूप में जानी जाने लगी थी - प्रदर्शनियों, प्रकाशनों के लिए धन्यवाद शैक्षणिक गतिविधिसोल्डनर स्वयं और उनके छात्र और अनुयायी दोनों। आज संयुक्त राज्य अमेरिका में बड़ी संख्या में सिरेमिक कलाकार हैं जो अमेरिकी राकू फायरिंग की परंपरा को जारी रखते हैं, लेकिन इस शैली के विभिन्न संस्करण अन्य पश्चिमी देशों में मौजूद हैं।

ब्रिटिश सिरेमिकिस्ट डेविड रॉबर्ट्स (जन्म 1947) राकू शैली में काम करने वाले सबसे प्रभावशाली समकालीन कलाकारों में से एक हैं। उनके काम ने न केवल इन जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें की एक नई अंग्रेजी पुनर्व्याख्या का गठन किया, बल्कि संयुक्त राज्य अमेरिका में राकू में रुचि को पुनर्जीवित किया, जहां उन्होंने नेकेड राकू आंदोलन बनाने में मदद की, जिससे ये चीनी मिट्टी की चीज़ें और भी आधुनिक हो गईं।

इस सिरेमिक के स्मारकीय रूप हाथ से मॉडलिंग (किस्मों का निर्माण) द्वारा बनाए जाते हैं, फिर सतह को समतल किया जाता है और बिस्किट फायरिंग (लगभग 1000-1100 डिग्री सेल्सियस) के बाद इसे कभी-कभी एन्गोब की एक पतली परत के साथ कवर किया जाता है, और फिर शीशे का आवरण के साथ। 850-900 डिग्री सेल्सियस के तापमान पर दूसरी फायरिंग "राकू" कम करने वाले वातावरण में उत्पाद के दीर्घकालिक "धूम्रपान" के साथ समाप्त होती है - कागज और थोड़ी मात्रा में चूरा के साथ एक कंटेनर में। कुछ ही मिनटों में, एन्गोबे और मिट्टी के रंग और यौगिक बहाल हो जाते हैं। तैयार उत्पाद को धोया जाता है और, धोने की प्रक्रिया के दौरान, शीशे को सतह से छील दिया जाता है, जिससे काली सतह के जटिल पैटर्न के साथ एक सफेद एंगोब दिखाई देता है (यही कारण है कि इस तकनीक को "नग्न राकू" कहा जाता है)। कुछ मामलों में, सतह को गहरी चमक देने के लिए तैयार उत्पाद को प्राकृतिक मोम से रगड़ा जाता है।

लैकोनिक काले और सफेद रंग में सजाए गए, रॉबर्ट्स की नवीनतम कृतियाँ पत्थर से उकेरी गई लगती हैं: नसों या हेमेटाइट के जटिल पैटर्न के साथ सफेद संगमरमर। सभी सतहें - मैट या पॉलिश - चमकदार प्रतिबिंबों के बिना गहरी चमक रखती हैं, धीरे-धीरे प्रकाश बिखेरती हैं। यह याद किया जा सकता है कि यह वास्तव में पत्थर की यह क्षमता थी - अर्थात् जेड - जिसने इसे चीनियों की नज़र में एक महान सामग्री बना दिया और चीन में चीनी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी की चीज़ें में जेड की कई नकल को जन्म दिया (12 वीं शताब्दी से) ) और जापान (8वीं शताब्दी से)।

रॉबर्ट्स की चीनी मिट्टी की चीज़ें राकू की जापानी कार्यशाला के कार्यों से उतनी ही दूर हैं जितनी कि वे पॉल सोल्डर के प्रयोगों से। बदले में, उनके "राकू" ने दुनिया के कई देशों में नए, "नग्न" राकू के उज्ज्वल स्वामी की एक आकाशगंगा के उद्भव को जन्म दिया। पश्चिमी मास्टर्स में चार्ली और लिंडा रिग्स (अटलांटा, यूएसए) और पाउलो रीस (दक्षिण अफ्रीका) का नाम लिया जा सकता है।

विभिन्न कार्यशालाओं में, कलाकार मिट्टी, एंगोब और ग्लेज़ की विभिन्न रचनाओं, स्मोकहाउस में पुनर्स्थापना प्रक्रिया के लिए विभिन्न दहनशील सामग्रियों के साथ-साथ पारंपरिक फूलदान से लेकर तत्वों तक सिरेमिक उत्पादों के नए रूपों के साथ प्रयोग करते हैं।
आंतरिक सज्जा और कला वस्तुएँ। रूस और पड़ोसी देशों में कई सेरेमिस्ट "अमेरिकन राकू" तकनीक का उपयोग करके काम करते हैं और ग्लेज़ रंगों से समृद्ध, मोटे कार्बनिक रूपों के साथ पारंपरिक जापानी उत्पादों की शैली का पालन करते हैं।

20वीं सदी के पश्चिमी सेरेमिस्टों के कार्यों में "राकू सेरेमिक" की घटना के अध्ययन का सारांश - XXI की शुरुआतशताब्दी, यह कहा जाना चाहिए कि "राकू सिरेमिक" शब्द को सजावटी और व्यावहारिक कला और सिरेमिक पर आधुनिक साहित्य के साथ-साथ सिरेमिक कलाकारों के अभ्यास में बेहद व्यापक व्याख्या मिली है। सामग्री के आधार पर, "कैंसर" की निम्नलिखित परिभाषाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है:

राकू परिवार (क्योटो) के उस्तादों द्वारा पारंपरिक जापानी तकनीक और सौंदर्यशास्त्र में निर्मित सिरेमिक;
अन्य जापानी कार्यशालाओं में पारंपरिक जापानी तकनीक का उपयोग करके निर्मित चीनी मिट्टी की चीज़ें;
अंततः, पश्चिमी उस्तादों द्वारा चीनी मिट्टी की चीज़ें जो प्रौद्योगिकी और सौंदर्यशास्त्र दोनों के संदर्भ में जापानी परंपरा की व्याख्या करती हैं।

तीसरे समूह में संक्षेपित सिरेमिक के प्रकारों की महान तकनीकी और शैलीगत विविधता के बावजूद, वे एक महत्वपूर्ण कलात्मक सिद्धांत से एकजुट हैं: प्रकृति का अनुसरण करना, एक कलात्मक छवि बनाने में इसके साथ सहयोग करना (जो "जैविक दिशा" और सिद्धांतों से मेल खाता है) बीसवीं सदी की वास्तुकला और डिजाइन में चयापचय का)।

पश्चिमी चेतना में मुख्य रूप से ज़ेन दर्शन और वाबी सौंदर्यशास्त्र से जुड़ा यह सिद्धांत, सभी आधुनिक सेरेमिस्टों को खुद को जापानी आध्यात्मिक और मिट्टी के बर्तनों की परंपरा का उत्तराधिकारी और व्याख्याकार मानने की अनुमति देता है, भले ही उनका काम "प्राथमिक स्रोतों" से कितना भी दूर क्यों न हो। रचनात्मकता की स्वतंत्रता और सहजता, सामग्री के साथ कलाकार का सहयोग, अंतिम परिणाम की अप्रत्याशितता और सौंदर्य संबंधी मौलिकता राकू सिरेमिक को सभी कलाकारों के लिए आकर्षक बनाती है।

राकू परिवार की जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें, जिसने 16वीं शताब्दी से प्रौद्योगिकी और सौंदर्यशास्त्र के बुनियादी सिद्धांतों को संरक्षित किया, इस प्रकार 20वीं शताब्दी की सजावटी और व्यावहारिक कला के सबसे प्रभावशाली प्रकारों में से एक बन गई।