الفنون الزخرفية والتطبيقية في اليابان ▲. أنواع الحرف اليدوية اليابانية ما هو اسم الفن الزخرفي الياباني
اليابان دولة شرقية مذهلة تقع على الجزر. اسم آخر لليابان هو أرض الشمس المشرقة. المناخ المعتدل الدافئ الرطب وسلاسل الجبال من البراكين ومياه البحر تخلق مناظر طبيعية رائعة يترعرع وسطها الشباب الياباني، مما يترك بلا شك بصمة على فن هذه الدولة الصغيرة. هناك أشخاص هنا مع السنوات المبكرةيعتادون على الجمال، والزهور النضرة ونباتات الزينة والحدائق الصغيرة مع البحيرة هي سمة من سمات منازلهم. الجميع يحاول تنظيم قطعة لأنفسهم الحياة البرية. مثل جميع الجنسيات الشرقية، حافظ اليابانيون على ارتباطهم بالطبيعة، التي كرموها واحترموها طوال قرون حضارتهم.
ترطيب الهواء: تقوم غسالة الهواء “WINIX WSC-500” بتوليد جزيئات صغيرة من الماء..أوضاع تشغيل غسالة Winix WSC-500: تتميز غسالة الهواء "WINIX WSC-500" بوضع تشغيل تلقائي مناسب. في الوقت نفسه، يتم الحفاظ على الرطوبة المثالية والمريحة في الغرفة - 50-60% ويتم تشغيل وضع تنقية الهواء والتأين بالبلازما ("Plasma Wave™") افتراضيًا.
الهندسة المعمارية في اليابان
لفترة طويلة، كانت اليابان تعتبر دولة مغلقة، وكانت الاتصالات فقط مع الصين وكوريا. لذلك، اتبع تطورهم طريقه الخاص. في وقت لاحق، عندما بدأت الابتكارات المختلفة في اختراق أراضي الجزر، قام اليابانيون بتكييفها بسرعة لأنفسهم وأعادوا صنعها بطريقتهم الخاصة. يتميز الطراز المعماري الياباني بمنازل ذات أسقف منحنية ضخمة لحمايتها من الأمطار الغزيرة المستمرة. القصور الإمبراطورية ذات الحدائق والأجنحة هي عمل فني حقيقي.
من بين المباني الدينية الموجودة في اليابان، يمكننا تسليط الضوء على معابد الشنتو الخشبية والمعابد البوذية ومجمعات المعابد البوذية التي بقيت حتى يومنا هذا، والتي ظهرت في فترة لاحقة من التاريخ، عندما دخلت البوذية البلاد من البر الرئيسي وتم إعلان الدولة دِين. المباني الخشبية، كما نعلم، ليست متينة وضعيفة، ولكن من المعتاد في اليابان إعادة إنشاء المباني بشكلها الأصلي، فحتى بعد الحرائق يتم إعادة بنائها بنفس الشكل الذي بنيت عليه في ذلك الوقت.
النحت الياباني
كان للبوذية تأثير قوي على تطور الفن الياباني. تمثل العديد من الأعمال صورة بوذا، لذلك تم إنشاء العديد من التماثيل والمنحوتات لبوذا في المعابد. كانت مصنوعة من المعدن والخشب والحجر. فقط بعد مرور بعض الوقت ظهر أساتذة بدأوا في صنع منحوتات شخصية علمانية، ولكن بمرور الوقت اختفت الحاجة إليها، لذلك بدأ استخدام النقوش النحتية ذات المنحوتات العميقة بشكل متزايد لتزيين المباني.
يعتبر تمثال نتسوكي المصغر شكلاً فنيًا وطنيًا في اليابان. في البداية، لعبت هذه الأرقام دور سلسلة المفاتيح، والتي كانت متصلة بالحزام. كان لكل تمثال فتحة لسلك تم تعليق العناصر الضرورية عليه، لأن الملابس في ذلك الوقت لم يكن بها جيوب. تصور تماثيل نتسوكي شخصيات علمانية أو آلهة أو شياطين أو أشياء مختلفة لها معنى سري خاص، على سبيل المثال، الرغبة في السعادة العائلية. تُصنع النتسوكي من الخشب أو العاج أو السيراميك أو المعدن.
الفنون الزخرفية في اليابان
تم رفع تصنيع الأسلحة الحادة إلى مستوى الفن في اليابان، ليصل إلى الكمال في تصنيع سيف الساموراي. وكانت السيوف والخناجر وإطارات السيوف وعناصر الذخيرة القتالية بمثابة نوع من الحلي الرجالية التي تدل على الانتماء إلى الطبقة، فكانت مصنوعة على يد حرفيين ماهرين ومزينة بالأحجار الكريمة والمنحوتات. تشمل الحرف الشعبية اليابانية أيضًا السيراميك والطلاء والنسيج والنقش على الخشب. يتم طلاء منتجات السيراميك التقليدية بواسطة الخزافين اليابانيين بأنماط وألوان زجاجية مختلفة.
اليابان اللوحة
في الرسم الياباني، ساد في البداية نوع اللوحات أحادية اللون، المتشابكة بشكل وثيق مع فن الخط. تم إنشاء كلاهما وفقًا لنفس المبادئ. جاء فن صناعة الدهانات والحبر والورق إلى اليابان من البر الرئيسي. في هذا الصدد، بدأت جولة جديدة من تطوير فن الرسم. في ذلك الوقت، كان أحد أنواع الرسم الياباني عبارة عن مخطوطات أفقية طويلة من إيماكينومو، والتي تصور مشاهد من حياة بوذا. بدأ رسم المناظر الطبيعية في اليابان في التطور بعد ذلك بكثير، وبعد ذلك ظهر فنانون متخصصون في مشاهد من الحياة الاجتماعية، ورسم صور شخصية ومشاهد الحرب.
في اليابان، كانوا يرسمون عادةً على الشاشات القابلة للطي والشوجي وجدران المنازل والملابس. بالنسبة لليابانيين، لا تعد الشاشة عنصرًا وظيفيًا في المنزل فحسب، ولكنها أيضًا عمل فني للتأمل، مما يحدد المزاج العام للغرفة. الملابس الوطنية، الكيمونو، هي أيضًا قطعة من الفن الياباني، تحمل نكهة شرقية خاصة. يمكن أيضًا تصنيف اللوحات المزخرفة على رقائق الذهب باستخدام الألوان الزاهية على أنها أعمال فنية يابانية. لقد حقق اليابانيون مهارة كبيرة في صنع أوكييو-إي، وهو ما يسمى بالنقش الخشبي. كان موضوع هذه اللوحات عبارة عن حلقات من حياة سكان المدن العاديين والفنانين وجيشا، فضلا عن المناظر الطبيعية الرائعة، والتي أصبحت نتيجة لتطور فن الرسم في اليابان.
على مر الزمن، ابتكر الشعب الصيني العديد من الحرف اليدوية المشهورة عالميًا. منذ القدم، توارثت مهارات وأسرار صنع المنتجات من مختلف أنواع الحجر والخشب والطين والورنيش، وكذلك أسرار إنتاج الأقمشة والتطريز. بالفعل في العصور القديمة، تعلم السادة الصينيون تحديد وإظهار الصفات الفنية للمادة، واستخدموا لهذا الغرض لعبة ألوانها، والبقع، والاختلافات في الأشكال، ونعومة السطح. وتتميز أقدم الأواني المصنوعة من الطين والحجر، مثل الأواني القديمة، بالتناغم التام بين الأشكال ووضوح الأقسام.
اعتمد الحرفيون الصينيون العديد من المهارات والأخلاق والتقنيات والأنماط التقليدية منذ العصور القديمة. ومع ذلك، فإن الاحتياجات ذاتها التي طرحها العصر التاريخي الجديد أدت إلى ظهور العديد من الأنواع والتقنيات الجديدة للحرف الفنية. نظرًا لارتباطها بالحياة اليومية والاحتياجات المتزايدة لسكان الحضر، أصبحت الحرف الفنية في الفنون الجميلة في الصين ليست فقط واحدة من أكثر الأنواع انتشارًا وشعبية، ولكنها أيضًا واحدة من أكثر الأنواع نشاطًا.
يستخدم العالم كله المزهريات والأكواب الصينية وغيرها من الأشياء. في وطنه، يتمتع الخزف الصيني، إلى جانب أنواع أخرى من الفنون، بأوسع تطبيق. يستخدم السيراميك الصيني أيضًا في تكسية الأعمال النحتية.
سيراميك. بالفعل في العصور القديمة، استخدم الصينيون أنواعًا مختلفة من الطين عالي الجودة في صناعة الفخار. ومع ذلك، فإن الفضل الحقيقي في اختراع الخزف يعود إلى أسياد الصين في العصور الوسطى. في عصر تانغ، خلال فترة الازدهار الكبير في جميع مجالات الحياة الروحية الصينية، ظهرت أولى منتجات الخزف وانتشرت بسرعة. كان الشعراء يغنون الخزف ويعتبرونه كنزًا. تم تسهيل إنتاج البورسلين في الصين من خلال رواسب غنية بالمواد اللازمة له: حجر البورسلين (مركب طبيعي من الفلسبار والكوارتز) والطين المحلي - الكاولين. يوفر الجمع بين هذين المكونين خصائص الليونة والانصهار اللازمة. تم التفكير بعمق في كل قطعة من قطع الخزف الصيني، ولم يتم تنفيذها كقطعة فنية، بل كعمل فني مستقل. أشكال الأوعية الرفيعة مستديرة وناعمة وضخمة. كان الخزف الأبيض الثلجي الذي تم إنتاجه في مدينة شينغتشو مشهورًا بشكل خاص في هذا الوقت، وهو ناعم وغير لامع، مما يحافظ على الآثار الأثرية للمنتجات القديمة. تم طلاء العديد من الأواني في هذا الوقت بطبقة زجاجية زاهية الألوان، تم فيها خلط أكاسيد النحاس والحديد والمنغنيز، مما أعطى درجات غنية باللون الأصفر والبني والأخضر والأرجواني. لكن الخزف وصل إلى تنوعه الخاص ونبله في القرنين الحادي عشر والثالث عشر. خلال فترة تانغ، كان للسيراميك مجموعة متنوعة من الألوان. لكن في عهد سونا كانت تتميز بالفعل بالبساطة والتواضع. يتميز السيراميك الصيني بخطوط دقيقة ودقيقة وبساطة في اللون. يعد استخدام الألوان الطبيعية أمرًا معتادًا في هذا الوقت. غالبًا ما يمكن العثور على الألوان الرمادية والأزرق والرمادي والأخضر على طبق أو مزهرية صينية. الشقوق الصغيرة ليست عيبًا في السيد، ولكنها خطوة مدروسة بمهارة. تعطي المخالفات في التزجيج والقطرات المجففة من القشرة والشقوق الصغيرة على كامل سطح المنتج إحساسًا بالاكتمال.
خزف مينغ، على عكس خزف سونغ، متعدد الألوان. استخدم الحرفيون سطحه الأبيض الثلجي كخلفية خلابة، حيث وضعوا عليه مناظر طبيعية كاملة أو تركيبات من النوع. هناك الكثير من الموضوعات وأنواع اللوحات، بالإضافة إلى مجموعات الألوان: الخزف الأزرق والأبيض المطلي تحت طلاء الكوبالت من النوع والنمط الناعم والنبيل، والزجاج الملون الغني بالألوان، وثلاثة ألوان وخمسة ألوان. ظهرت المزيد من تقنيات وأنواع الخزف في القرنين السابع عشر والثامن عشر. تظهر أوعية سوداء وناعمة ولامعة، أوعية مطلية من الأعلى بمينا لامعة ومتألقة. حتى نهاية القرن الثامن عشر، عندما كانت جميع أشكال الفن الأخرى في تراجع بالفعل، ظل المستوى الفني للخزف الصيني مرتفعًا. على عكس الفترات السابقة، كانت أشكال المنتجات الخزفية خلال عهد أسرة تشينغ (القرنين السابع عشر والتاسع عشر) أكثر تعقيدًا وصقلًا. يكتسب تكرار النماذج القديمة أبعادًا أكثر أناقة، وبحلول نهاية القرن الثامن عشر. يتطور الطنانة المفرطة في الخطوط العريضة. منذ ذلك الوقت، تتميز زخرفة الخزف بتنوع وثراء الزخارف والموضوعات، وفي بعض الحالات، بتشبع أكبر للزخرفة. وهذا ملحوظ بشكل خاص في الرسم بالكوبالت وفي نطاق ما يسمى بـ "العائلة الخضراء". تتميز المشاهد المعقدة متعددة الأشكال أو الزخارف النباتية الصغيرة أو أي من موضوعات الرسم التي لا تعد ولا تحصى بالتعقيد الكبير والتفكير في البنية التركيبية.
تتنوع أنواع الفنون التطبيقية لـ Tang و Song. في هذا الوقت، تم صنع المرايا البرونزية وفقًا للنماذج القديمة، وهي مزينة بشكل غني على الجانب الخلفي بنمط بارز من النباتات المزهرة والحيوانات المرحة والطيور والفواكه. غالبًا ما كانت هذه المرايا مصنوعة من الفضة ومغطاة بطبقة رقيقة من الذهب ومطعمة بعرق اللؤلؤ والأحجار الكريمة.
أنماط الأقمشة "ke-sy" (الحرير المقطوع) قريبة بشكل خاص من اللوحة في هذا الوقت. تم إنشاؤها بناءً على نماذج من فنانين مشهورين. يتميز Ke-sy بنعومته الاستثنائية وحنانه وملمسه الحبيبي الثمين غير اللامع. الطيور الخفيفة على الأغصان، والمناظر الطبيعية، والبراعم المتفتحة لبرقوق ميهوا الوردي الناعم هي العناصر الرئيسية التي تم تصويرها في كي-سي.
يعود ظهور ورش المينا المطلية في الصين إلى فترة كانغشي، المرتبطة بالتأثيرات الأوروبية الغربية المنبعثة من فرنسا. يمكن تفسير تأثير النقوش الدينية التي جلبها المبشرون اليسوعيون من خلال المينا الصينية المعتادة على المعدن في القرن الثامن عشر. تقنيات التظليل وتتبع الصور على طول الكفاف وغيرها من وسائل التعبير الفني الرسومية بشكل أساسي. تظهر آثار التأثيرات الأوروبية ليس فقط في موضوعات الرسم وطريقة الرسم، ولكن أيضًا في أشكال المينا الصينية في القرن الثامن عشر. غالبًا ما كانت منتجات النحاس والفضة الألمانية والإنجليزية في القرنين السادس عشر والثامن عشر بمثابة نماذج أولية. كانت المينا المصنوعة للاستخدام الأعلى تسمى "huang zhi" - "الأوعية الصفراء (أي" الإمبراطورية")، حيث يعتبر اللون الأصفر منذ فترة طويلة اللون الرمزي للإمبراطور الصيني. تهيمن على ديكور هذه المينا الصور من النوع "huangyao" ("زهرة الطيور")، ومشاهد الحبكة الصينية والتركيبات الزخرفية: صور رؤوس زهرة اللوتس المنسوجة في براعم النباتات على شكل كرمة، وصورة حيوانية. نمط يعود إلى ديكور الأواني البرونزية القديمة. في المينا المطلية، تحظى المجموعات المركبة من الألواح ذات الأشكال المختلفة بشعبية كبيرة، والتي تم تطويرها في الخزف الصيني بالفعل خلال فترة كانغشي. غالبًا ما كانت اللوحات على شكل مروحة مفتوحة ومزينة بصور من نوع "الزهور والطيور" على خلفية بيضاء. في عدد من الحالات، يرتبط الخزف والمينا على المعدن بطرق الوصول المشتركة إلى أوروبا وتشابه الأشكال وزخارف الرسم والألوان. ومع ذلك، وعلى الرغم من التشابه الذي لا شك فيه مع الخزف، فإن المينا المطلية على المعدن تتميز بأصالة فنية واضحة للغاية كنوع خاص تماما من الحرف الصينية، التي اتصلت بالفن الأوروبي بجرأة أكبر من أنواعه التقليدية.
يُطلق على الحرف الفنية والفنون التطبيقية في اليابان اسم "kogei". كان مصدر معظم الأفكار الفنية للأعمال الفنية هو الحب العميق للطبيعة. لقد شعر الناس منذ فترة طويلة بجمالها في أكثر الظواهر اليومية العادية والصغيرة.
تشمل أعمال الفن الزخرفي والتطبيقي الياباني تقليديًا منتجات الطلاء والبورسلين والسيراميك والمنحوتات الخشبية والعظمية والمعدنية والأقمشة والملابس المزخرفة فنيًا وأعمال الأسلحة وما إلى ذلك. خصوصية أعمال الفن التطبيقي هي كما يلي: لديهم طابع بحت استخدام عملي ونفعي، لكنها في الوقت نفسه تلعب أيضًا دورًا جماليًا بحتًا، حيث تعمل كديكور للحياة اليومية للشخص. لم تكن جماليات الأشياء المحيطة بالنسبة لليابانيين أقل أهمية من الغرض العملي منها.
محظوظ. منتجات الطلاء معروفة في اليابان منذ العصور القديمة، وبقاياها موجودة في المواقع الأثرية لعصر جومون. في المناخات الحارة والرطبة، تحمي طبقات الورنيش المنتجات الخشبية والجلدية وحتى المعدنية من التدمير. لقد وجدت منتجات الطلاء في اليابان أوسع تطبيق: الأطباق والأدوات المنزلية والأسلحة والدروع. الورنيش الياباني التقليدي هو الأحمر والأسود، وكذلك الذهب؛ وبحلول نهاية فترة إيدو، بدأ إنتاج الورنيش الأصفر والأخضر والبني. العودة إلى الأعلى
القرن العشرين تم الحصول على ورنيش من الألوان الأبيض والأزرق والأرجواني. هناك العديد من التقنيات الزخرفية المرتبطة باستخدام الورنيش: ماكي إي - استخدام مسحوق الذهب والفضة؛ أوروشي-إي - طلاء بالورنيش؛ Hyomon - مزيج من الطلاء بالورنيش مع ترصيع الذهب والفضة وعرق اللؤلؤ. حتى منتصف القرن السابع عشر تقريبًا. ظلت كيوتو المركز الرئيسي لتطوير فن الورنيش. بدأ أوجاتو كورين حياته المهنية هناك. تميزت منتجات الورنيش الخاصة به بوحدة خاصة في الشكل والديكور، و"تتدفق" بسلاسة من جانب واحد من المنتج إلى الجانب الآخر. خلق مزيج المواد المختلفة نسيجًا سطحيًا غير عادي ومجموعة نادرة من الألوان.
سيراميك. لدى اليابانيين شغف خاص بمنتجات السيراميك. وأقدمها معروفة من خلال الحفريات الأثرية ويعود تاريخها إلى عصر جومون (العصر الحجري). تأثر تطور الخزف الياباني، ثم الخزف لاحقًا، بشكل كبير بالتقنيات الصينية والكورية، ولا سيما الحرق والطلاء الزجاجي الملون. من السمات المميزة للسيراميك الياباني الاهتمام ليس فقط بالشكل والزخرفة الزخرفية واللون للمنتج، ولكن أيضًا بالأحاسيس اللمسية التي يسببها عند ملامسته لكف الشخص. تضمن النهج الياباني في التعامل مع السيراميك أشكالًا غير متساوية، وخشونة السطح، والشقوق المنتشرة، وخطوط التزجيج، وبصمات أصابع الفنان، وعرضًا للنسيج الطبيعي للمادة. تشمل المنتجات الخزفية الفنية في المقام الأول أوعية احتفالات الشاي وأباريق الشاي والمزهريات والأواني والأطباق المزخرفة وأواني الساكي. في البداية كان شكل الإناء مصنوعًا من الأغصان والعشب، ثم تم تغليفه بالطين، وعند حرقه احترقت الأغصان والعشب، تاركة آثارها على جدران الأواني. سفن الوسط و فترة متأخرةجومون يشبه بالفعل أوعية النحت. في القرون السادس إلى الحادي عشر. تحت تأثير الخزافين الكوريين، تحول الحرفيون اليابانيون إلى إطلاق منتجات الطين بطبقة زجاجية صفراء مخضرة. في نفس الوقت تقريبًا، ظهرت منتجات مصنوعة من الخزف الحقيقي - طين استرطابي مغطى بالزجاج.
منتجات البورسلين هي في الأساس مزهريات ذات جدران رقيقة ذات ديكور رائع وأطقم شاي ونبيذ وتماثيل مختلفة. في كتلة المنتجات الخزفية التي تم إنتاجها في القرنين السابع عشر والثامن عشر. تم التمييز بين نوعين رئيسيين في جميع أنحاء البلاد: المنتجات باهظة الثمن والمرسومة بدقة من ورش عمل كوتاني ونبيشيما، وخزف أريتا وسيتو، الذي تم إنتاجه في سلسلة كبيرة. كانت منتجات ورش كوتاني ذات شكل بلاستيكي غير متساوٍ. تم رسمهم باستخدام بقع كبيرة من الألوان وتم وضعها بحرية على سطح الأوعية. كانت منتجات نبيشيما تزين عادةً بصورة نبات واحد مصنوع في طلاء تحت التزجيج، ويُستكمل أحيانًا برسومات متعددة الألوان فوق التزجيج. أنتجت ورش عمل أريتا وسيتو منتجات بكميات كبيرة. وقد تم تزيين هذا الطبق بتركيبات زخرفية أنيقة من الزهور والفراشات والطيور. تم إنتاج جزء كبير من الخزف الياباني خصيصًا للتصدير إلى الدول الغربية.
المينا. الفترة من منتصف إلى نهاية القرن السابع عشر. أصبح مثمرًا جدًا في تاريخ تطور فن المينا في اليابان. في هذا الوقت، حقق الماجستير اليابانيون الكمال في اللون. وباستخدام طريقة أخذ العينات، اختاروا اللون الأمثل للزجاج، الذي كان بمثابة أساس المينا، وأنواع مختلفة من الأكاسيد التي أعطته ظلًا خاصًا أو شفافية أو لمعان لؤلؤي حليبي، وميضًا غامضًا. أصبحت جميع الوصفات الناجحة سرًا، وتتم حراسته بعناية في عائلة السيد. في اليابان، كان يسمى المينا "سيبو"، وهو ما يعني "سبعة أحجار كريمة". وهذا يعني أنه في المجوهرات، يمكن أن يحل المينا محل الذهب والفضة والزمرد والمرجان والعقيق والكريستال واللؤلؤ. يعود أقدم مثال للمينا المكتشف في اليابان إلى نهاية القرن السابع. انتشرت تقنيتان معروفتان على نطاق واسع للمينا - Champlevé وCloisonné - إلى اليابان في وقت واحد تقريبًا. استخدم الحرفيون مينا مصوغة بطريقة لتزيين حراس (تسوبا) سيوف الساموراي والأقواس والسهام المزخرفة، لتزيين المنازل والصناديق والأدراج لتخزين الفرش والحبر للخط ومسحوق الشاي والبخور. كانت ورش عمل الحرفيين الأوائل الذين عملوا على المينا تقع في كيوتو، بالقرب من قصور الأباطرة والنبلاء، الذين كانوا المشترين الرئيسيين لهذه المنتجات.
يرتبط إحياء تقنية المينا بعمل السيد تسونيكيتشي كاجي (1803-1883)، الذي عاش في ضواحي ناغويا. لقد درس الحرف الأجنبية التي جاءت إلى اليابان، وخاصة الأوروبية، وعلى أساس ذلك قام بتطوير تقنيات جديدة للعمل مع المينا المصوغة بطريقة. ألهم نجاح كاجي الحرفيين الآخرين. بدأ البحث عن أساليب عمل جديدة. لذلك ظهرت في ذلك الوقت تقنية "المينا المضادة"، وهي تقنية جين باري، والتي تتكون من لصق رقائق الفضة على سطح نحاسي مغطى بطبقة رقيقة من المينا. تضمنت تقنية موسن-جيبو، التي طورها المعلم سوسوكي ناميكاوا (1847-1910)، إزالة الأسلاك الفاصلة بعد تجفيف الطبقة الأولى من المينا وإعادة تعبئتها بالمينا الشفافة. كان هناك عدة عشرات من الاختلافات في التقنية - Moriage، Uchidashi، Akasuke، Kodai Moe، Nagare-gusuri وغيرها، مما جعل من الممكن تحقيق نتائج ممتازة عند دمجها. اليابان هي الدولة الأولى في العالم التي بدأ فيها تطبيق المينا ليس فقط على الفراغات المعدنية، ولكن أيضًا على السيراميك والبورسلين. أصبح المعلم ياسويوكي ناميكاوا (1845-1927)، الذي عمل في كيوتو، مشهورًا في تقنية طلاء المينا على السيراميك.
كانت الأنماط النموذجية المستعارة من الصين لمنتجات المينا اليابانية هي صور الزهور (الأقحوان، والفاوانيا، ونورات بولونيا، والخوخ، والكرز) وصور يابانية إلى حد ما للتنانين والأسود والحيوانات الأسطورية الأخرى والطيور والفراشات. في كثير من الأحيان تم تضمين رمزية التمنيات الطيبة في الصور. تختلف ظلال اللوحة حسب الغرض من المنتج. وهكذا، تم تنفيذ سلع التصدير بألوان زاهية وحتى براقة، والتي فضلها العملاء الأوروبيون، وتم طلاء تلك المخصصة للاستخدام المنزلي بألوان هادئة، وأكثر اتساقًا مع النظرة الجمالية للعالم الياباني.
إن فن وثقافة الصين واليابان أصلية للغاية، والتي كانت دائمًا موضع اهتمام وجذب الأوروبيين. ابتداء من القرن السابع عشر، اخترقت الزخارف الصينية واليابانية الاتجاهات الفنية والأسلوبية في أوروبا الغربية. حتى يومنا هذا، تعتبر ثقافة هذين البلدين مثيرة للاهتمام للدراسة والاقتراض.
يشمل مجال المنتجات المعدنية الفنية منحوتات المعبد والأواني والأسلحة والأشياء الزخرفية المستخدمة في الحياة اليومية، وقد تم الجمع بين تنوع وكمال معالجة المعادن التقليدية (البرونز والحديد والنحاس والصلب) مع استخدام السبائك المعقدة التي تتميز بـ ثروة من ظلال الألوان والخصائص البلاستيكية. وأكثرها شيوعًا كان شاكودو، الذي أنتج ظلالًا مختلفة من الأسود والبني والأزرق والأرجواني، وشيبويتشي، الذي كان بمثابة مصدر لا ينضب تقريبًا من درجات اللون الرمادي. كانت وصفات صنع السبائك سرًا مهنيًا وتم نقلها من المعلم إلى الطالب.
في القرون السابع عشر والثامن عشر. بأمر من سكان البلدة الأثرياء، تم صنع الصور النحتية لمذابح المنزل، وكذلك الصور ذات المعنى الخيري وحماية موقد الأسرة. ومن بينهم داروما، الراهب الأسطوري، الذي يرتبط اسمه في اليابان بأصل الشاي، ودايكوكو - إله السعادة والثروة، ويوروجين - إله السعادة وطول العمر.
إلى جانب هذا، كانت بعض الأدوات المنزلية تستخدم لأغراض الديكور. وكانت هذه المباخر، والمزهريات، والصحون، والصناديق، والصواني، والتي تتميز بدمج المعادن المختلفة في منتج واحد، واستخدام المنحوتات المخرمة، والنقوش، والشقوق، والمطعمة.
جاء تقليد تطبيق ديكور المينا على قاعدة معدنية إلى اليابان من الصين في نهاية القرن السادس عشر. تتكون تقنية المينا من أربعة أنواع: مصوغة بطريقة، وشامبلفي، ومنقوشة ومرسومة. كانت تسمى المينا "سيبلو" - سبع جواهر: الذهب والفضة والزمرد والمرجان والماس والعقيق واللؤلؤ، والتي، وفقا للأسطورة، جلبت السعادة للناس. تميزت مينا مصوغة بطريقة يابانية في القرنين السابع عشر والثامن عشر، والتي تعتمد إلى حد كبير على العينات الصينية، بلوحة محدودة من الألوان الصامتة قليلاً، ونمط هندسي واضح، وخلفية خضراء داكنة عميقة. في منتصف القرن التاسع عشر. شهدت تقنية المينا ولادة جديدة. تم الحصول على مينا لامعة متعددة الألوان، والتي كانت ملتصقة بإحكام بالقاعدة المعدنية وكان من السهل طحنها. ازدهار فن المينا المصوغة بطريقة في نهاية القرن التاسع عشر. ارتبط باسم المعلم الشهير ناميكاوا ياسويوكي. خرجت منتجات صغيرة الحجم من ورشته، مغطاة بالكامل بالمينا، ومُطبقة بالعناية بالمجوهرات. وجدت صور الزهور والطيور والفراشات والتنانين والعنقاء وأنواع عديدة من الزخارف التقليدية مكانًا في الدانتيل المنسوج بشكل معقد للنمط. أدى استخدام رقائق الذهب إلى خلق لمعان متلألئ على السطح المصقول للمنتج.
صناعة الأسلحة وتزيينها لها تقاليد قديمة في اليابان. كان يُنظر إلى السيف على أنه شيء مقدس قدمته إلهة الشمس أماتيراسو أوميكامي لحفيدها، الذي أرسلته ليحكم الأرض ويقضي على الشر. أصبح السيف المستقيم ذو الشحذ على الوجهين (كين أو تسوروجي) أحد ملحقات عبادة الشنتو وأصبح أحد الشعارات الإمبراطورية.
وفي العصور الوسطى، أصبح السيف رمزًا لطبقة المحاربين، حيث يجسد قوة الساموراي وشجاعته وكرامته. وكان يعتقد أيضًا أن أرواح الأجداد المتوفين تعيش فيها. في القرن السابع تم إنشاء شكل السيف مع انحناء طفيف على الجزء الخلفي من النصل، وشحذ من جانب واحد، والذي بقي دون تغيير تقريبًا حتى القرن التاسع عشر. وكان يسمى "نيهونتو" (السيف الياباني).
من القرن السادس عشر طُلب من الأرستقراطيين وممثلي الطبقة العسكرية ارتداء سيفين: طويل - "كاتانا" وقصير - "واكيزاشي"، والذي كان مخصصًا لارتكاب طقوس الانتحار. في حالة انتهاك ميثاق الشرف، لم يُسمح للعلماء والحرفيين والفلاحين، إلا بإذن خاص، بارتداء واكيزاشي أو سيف بدون حارس "أيكوتشي".
تم ترتيب عملية صنع الشفرة الطويلة والمكثفة للعمالة كطقوس مهيبة، مصحوبة بصلوات خاصة، ونوبات، وإلباس الحداد ملابس احتفالية. تم لحام النصل من عدة شرائح، وتم تزويره خمس مرات على الأقل، وطحنه وصقله. من نهاية القرن الثاني عشر. بدأ تزيين الشفرات بأخاديد وصور الشمس والقمر والنجوم والتنانين والنقوش التعويذة المصنوعة من النقش والنقش المتعمق.
تفاصيل وإطار السيف من القرن السادس عشر. تم إنشاؤها بواسطة حرفيين خاصين - تجار الأسلحة والمجوهرات. يتم إدخال النصل في مقبض، تتكون قاعدته من كتلتين خشبيتين، مثبتتين بحلقة معدنية "فوتي" وأطراف "كسيرة"، وكان المقبض غالبًا ملفوفًا بجلد سمكة القرش أو الراي اللساع، ويسمى "نفسه". (سمك القرش). كان هناك اعتقاد بأن مثل هذا المقبض يحافظ على نقاء السيف ويحمي صاحبه. تم ربط أجزاء "مينوكا" معدنية صغيرة منقوشة بالمقبض على كلا الجانبين، مما يضمن قبضة أكثر أمانًا للسيف بكلتا اليدين. علاوة على ذلك، تم لف المقبض بسلك أو جديلة، مما يخلق نمطًا مضفرًا على السطح. من التفاصيل المهمة للسيف كان "تسوبا" (الحارس) - البلاستيك الواقي الذي يفصل النصل عن المقبض؛ غالبًا ما كان غمد السيف الصغير مزينًا بألواح معدنية "كوزوكا" مصقولة بعناية، والتي تمثل مقبض سكين صغير. يتم إدخالها في جيب خاص في الغمد.
في القرنين السابع عشر والتاسع عشر. أصبحت الأسلحة التي فقدت قيمتها العملية إضافة زخرفية لبدلة الرجل. تم استخدام مواد وتقنيات مختلفة لصنع المجوهرات والنحت المخرم والترصيع بالسبائك وطرق مختلفة لإنشاء تركيبات بارزة والمينا والورنيش في زخرفتها. اكتسب تسوبا كمالًا فنيًا خاصًا وبدأ يُنظر إليه على أنه عمل فني مستقل. كانت موضوعات الصور عبارة عن زخارف تقليدية مميزة لأنواع أخرى من الفن: الزهور، والطيور، والمناظر الطبيعية، والأمثال البوذية، والأساطير التاريخية، وحتى تقييمات الحياة الحضرية. تم دمج تفاصيل سيف واحد في أسلوب التنفيذ وغالبًا ما كانت تمثل تطورًا لمؤامرة واحدة.
ومن بين صانعي الأسلحة المتخصصين في تزيين السيوف، كان صانع الأسلحة الذي تأسس في القرن الخامس عشر مشهورًا بشكل خاص. مدرسة غوتو، التي حافظت أجيالها السبعة عشر على مجدها لمدة 400 عام.
كان مصدر معظم الأفكار الفنية للأعمال الفنية والأدبية هو الحب العميق للطبيعة. لقد شعر الناس منذ فترة طويلة بجمالها في أكثر الظواهر اليومية العادية والصغيرة. كما يتضح من القصائد التي تم جمعها في القرن الثامن في مختارات "مانيوشو" - أقدم نصب شعري في اليابان - لم تمنح الزهور والطيور والقمر فحسب، بل أيضًا أوراق الشجر التي تأكلها الديدان والطحالب والحجارة والعشب الذابل. قوة دافعة للخيال الشعري الغني للشعب.
هذا الإحساس المتزايد بجمال الطبيعة يرجع إلى حد كبير إلى المناظر الطبيعية الخلابة في الجزر اليابانية. تعطي التلال المغطاة بأشجار الصنوبر في يوم مشمس انطباعًا بوجود لوحات زخرفية مشرقة من لوحة ياماتو-إي. في الطقس الغائم، يغلف الهواء الرطب الحقول والغابات والجبال بضباب فضي ذائب. تكون حدود الأجسام ضبابية ويبدو أنها تذوب تدريجيًا في الضباب الرمادي. وليس من قبيل المصادفة أن المناظر الطبيعية اليابانية تشبه اللوحات أحادية اللون المرسومة بالحبر الأسود السميك وغسلها على الحرير الأبيض.
أدى البحث الدؤوب عن التعبير الفني إلى مجموعة مذهلة من تقنيات معالجة المواد، وهي سمة أخرى من سمات الفن الزخرفي والتطبيقي الياباني.
لقد أكدت أعمال الفن الياباني منذ فترة طويلة على القيمة العملية المباشرة للشيء نفسه. البساطة والدقة هي السمات المميزة الرئيسية للفن التطبيقي الياباني. يفضل الأساتذة اليابانيون الأشكال الواضحة والهادئة دون أي ادعاء أو اصطناع.
تطورت مدرسة ياماتو-إي الوطنية للرسم خلال القرنين العاشر والثاني عشر، وكان لها تأثير كبير على كل من الفنون الجميلة والزخرفية في القرون اللاحقة. ابتكر فنانو هذه المدرسة أعمالاً على الشاشات والفواصل والأبواب المنزلقة في قصور الأرستقراطية الإقطاعية أو سجلات مصورة لتلك الأوقات وروايات مكتوبة على لفائف أفقية طويلة تحكي عن حياة وهواية الطبقة الأرستقراطية في البلاط.
إن تسطيح الصورة وعموميتها، والتقليدية والألوان الزاهية للميزات، التي تجلت فيها الصفات الزخرفية للوحة ياماتو-إي، هي أيضًا سمة من سمات الفن التطبيقي في اليابان.
تم التعبير عن تشابه الأساليب الفنية في الفنون الجميلة والزخرفية، بالإضافة إلى ذلك، في ممارسة الجمع بين العنصر البصري والخط في اللوحات والأدوات المنزلية. الحروف الهيروغليفية المكتوبة بمهارة، كما لو كانت تتدفق فوق الصورة، وتشكل قصيدة قصيرة أو جزء منها، تثير الضوء في المشاهد. الجمعيات وزيادة التأثير الزخرفي. أثناء الإعجاب بشيء ما، يستمد الشخص الياباني المتعة ليس فقط من مظهره، ولكن أيضًا من قراءة وفك رموز الكتابة المتصلة التي تكمل التكوين.
العصر الحجري (عصر جومون)
يعتقد معظم العلماء أن الجزر اليابانية كانت مأهولة بالبشر بالفعل خلال العصر الحجري القديم (40-12 ألف قبل الميلاد). لا يوجد سيراميك في العصر الحجري القديم، ولهذا السبب يطلق علماء الآثار اليابانيون أحيانًا على العصر الحجري القديم فترة الثقافة غير الخزفية.
ثقافة العصر الحجري الحديث غنية ومتنوعة، وكانت الفترة القديمة في اليابان تسمى "جومون" (الألفية الثامنة - النصف الأول من الألفية الأولى قبل الميلاد). ومن إنجازات ثقافة جومون، تحتل الأواني الخزفية التي تم نحتها دون استخدام عجلة الفخار مكانة خاصة. تغير شكل السفن مع مرور الوقت. في البداية كان شكل الإناء مصنوعًا من الأغصان والعشب، ثم تم تغليفه بالطين، وعند حرقه احترقت الأغصان والعشب، تاركة آثارها على جدران الأواني. وفي وقت لاحق، قام الحرفيون بنحت الوعاء، ولفوه بحبل عشبي لمنعه من الانهيار. ("جومون" تعني "زخرفة الحبل"). مع تطور ثقافة جومون، تغير الغرض الوظيفي للأوعية، وبدأ الكثير منهم في اكتساب رمزية الطقوس. إن أوعية فترة جومون الوسطى والمتأخرة تشبه بالفعل أوعية النحت. تعكس الزخارف المطبقة بعصا أو قوقعة، وكذلك الأنماط المقولبة، المفهوم الأسطوري والجمالي المعقد للنظرة العالمية لمبدعيها. في هذه المرحلة، تم تطوير تقنية عالية بالفعل. معالجة المنتج.
يتضح أيضًا تعقيد الأفكار الدينية لمبدعي جومون من خلال منحوتات دوجو الطينية. تمائم دوغو صغيرة الحجم. لها شكل بيضاوي أو مستطيل ومزينة بالضرورة بالزخارف.
ثقافة الفترة الأولى للمجتمع القديم (ثقافة يايوي)
في منتصف الألفية الأولى قبل الميلاد. ه. تحدث تغييرات نوعية في التاريخ العرقي والثقافي لليابان. تم استبدال ثقافة جومون بثقافة يايوي (القرن الثالث قبل الميلاد - القرن الثالث الميلادي). هناك وجهتا نظر حول ظهور البيض. يعتقد البعض أن يايوي نشأت من جومون. ويقول آخرون أن مبدعي يايوي كانوا قبائل هاجرت من أراضي شبه الجزيرة الكورية.
كان شعب الهان، الذي عاش في القارة، قد دخل بالفعل عصر المعدن ونقله إلى الجزر اليابانية. دخلت اليابان على الفور العصرين البرونزي والحديدي.
سيراميك يايوي فريد من نوعه. الجديد هو استخدام عجلة الخزاف. لا يوجد أي شيء مشترك بين الشكل والنمط البلاستيكي البسيط والهادئ للخطوط المستقيمة المتأصلة في سيراميك يايوي مع سيراميك جومون الذي يتميز بتنوع الأشكال وتعقيد التصميم. هذه الأوعية مصنوعة باستخدام عجلة الفخار، وهي كروية ومتماثلة. تتكون التصاميم من خطوط متموجة أو مستقيمة تمتد في جميع أنحاء السفينة. يكمن جمال شكل هذه الأوعية في هندستها وصورة ظلية واضحة وامتثالها لغرضها الوظيفي.
أخيرًا، في عصر يايوي، حدث انتقال من الأدوات الحجرية إلى البرونزية، ثم إلى الحديد. ترافق آثار يايوي عناصر فردية: السيوف والرماح البرونزية (خاصة في شمال كيوشو)، والأجراس البرونزية (كيناي).
استمر تكوين الشعب الياباني القديم، والذي بدأ بشكل أساسي بظهور حاملي ثقافة يايوي على الجزر اليابانية، لعدة قرون (من القرن السادس إلى الخامس قبل الميلاد إلى القرنين الأول والثاني بعد الميلاد). خلال فترة يايوي، تشكلت أخيرًا سمات النوع الاقتصادي والثقافي المتأصل في اليابانيين حتى يومنا هذا وفي جوهره. هناك زراعة مكثفة للأرز المروية مع زراعة شتلات مسبقة النمو في مناطق خاصة في الحقل. وبدون الأرز والمنتجات المصنوعة منه، من المستحيل تصور أي جانب من جوانب الثقافة اليابانية وتطور أشكالها الحديثة.
وهناك عنصر مهم آخر من عناصر الثقافة يرتبط في الأصل بثقافة يايوي. وهذا العنصر هو اللغة اليابانية نفسها. من حيث الجذور الأساسية والنحو وبناء الجملة، ترتبط اللغة اليابانية باللغة الكورية، وقد تم جلبها من كوريا عن طريق المستوطنين، حاملي ثقافة يايوي.
العصر البرونزي
تشكل أحد مراكز الثقافة البرونزية في مطلع عصرنا في شمال كيوشو. كانت الرموز الثلاثة الرئيسية لهذه الثقافة هي السيوف البرونزية ذات النصل العريض والمرايا البرونزية وتمائم ماجاتاما. لا تزال هذه العناصر الثلاثة رموزًا للقوة الإمبراطورية اليابانية. ربما كانت هذه الأشياء رموزًا للأرستقراطية الناشئة. وقد تم العثور على العديد من السيوف العريضة خارج سور الهيكل، وربما كانت تقدم كذبائح. تحتوي العديد من المرايا البرونزية التي تم العثور عليها على زخرفة خطية فريدة على الجانب الخلفي، محاطة بشرائط ومثلثات وأشكال هندسية. يثير مظهر هذه الزخرفة الخطية ارتباطًا بأشعة الشمس. كان سكان شمال كيوشو يقدسون المرايا ويربطونها بعبادة الشمس. ولعبادة الشمس المشرقة، تم تعليق المرايا (مع السيوف) على أغصان الأشجار.
مركز آخر للثقافة البرونزية في اليابان القديمة كان في كيناي (وسط هونشو). المعالم الأكثر إثارة للاهتمام في هذه الثقافة هي رؤوس الأسهم البرونزية والأساور وخاصة الأجراس - دوتاكو. لم يتجاوز ارتفاع الأجراس الأولى 10 سم، أما أكبر الأجراس اللاحقة فقد وصل ارتفاعها إلى 1 م 20 سم، وجميع الأجراس لها مقطع عرضي بيضاوي وقمة مسطحة. بعضها خالي تمامًا من الديكور أو به زخرفة سحرية على شكل تجعيد لولبي. تحتوي معظم دوتاكو على قوس في الأعلى مزين بالزخارف. دائمًا ما يكون الجزء السفلي من السطح الخارجي للأجراس خاليًا من الزخارف. ويبدو أن هذا الجزء بالذات كان بمثابة سطح ضرب، وتم ضرب الجرس من الخارج. ومن الغامض أن ذكريات الأجراس اختفت من ذاكرة الناس، فلا يوجد ذكر لها في الأساطير والأساطير اليابانية. (تم العثور على معظم الأجراس في خنادق خاصة على أعلى التلال. وربما كان لها أهمية طقسية وسحرية لعبادة السماء أو الجبال. وقد احتفظت الأجراس بصور القوارب، وبيت الصيد على ارتفاعات المتوحشين.)
تسمح لنا البيانات الأثرية والأسطورية، وكذلك الأدلة من المصادر المكتوبة، بإثبات أنه في عملية التفاعل بين هذين المركزين للثقافة البرونزية، بدأت عملية تكوين المجموعة العرقية اليابانية القديمة بشكل مكثف، وبلغت ذروتها في القط. أصبحت ثقافة العصر الحديدي - ثقافة ياماتو.
العصر الحديدي (ياماتو)
حدثت أهم مرحلة في التاريخ العرقي لليابانيين القدماء في النصف الأول من الألفية الأولى الميلادية. ه. خلال هذه الفترة، تم الانتهاء من تشكيل العرقية اليابانية القديمة. وقف مجتمع دولة ياماتو (الثالث - أوائل القرن السادس) على عتبة تشكيل الدولة.
في القرون الرابع إلى السادس الميلادي. ه. تم توحيد اليابان سياسيا تحت ولاية ياماتو القديمة.
وفي الرابع، غزت اليابان شبه الجزيرة الكورية. تبدأ عملية إدراك الثقافة القارية المتطورة للغاية.
تنعكس هذه العملية في القطع الفنية: المرايا النحاسية، والخوذات الذهبية، والأقراط الذهبية والفضية، والأساور الفضية، والأحزمة، والسيوف، وأواني السويكي، المصنوعة على أساس تقنيات فخارية متطورة للغاية مستوردة من القارة.
ثقافة المجتمع خلال فترة نظام قانون Ritsure (قبل الثاني عشر)
مقدمة البوذية. يتم إنفاق مبالغ ضخمة على بناء المعابد البوذية الفاخرة، وإقامة التماثيل الرائعة لبوذا، وتصنيع أواني المعبد. تتطور ثقافة الأرستقراطيين الفاخرة.
سيراميك.نظرًا لأن فن السيراميك في اليابان نشأ في العصور القديمة، فقد تطور ببطء شديد.
في القرنين السادس والحادي عشر، تحت تأثير الخزافين الكوريين، تحول الحرفيون اليابانيون إلى إطلاق منتجات الطين بطبقة زجاجية صفراء مخضرة. في نفس الوقت تقريبًا، ظهرت منتجات مصنوعة من الخزف الحقيقي - طين استرطابي مغطى بالزجاج.
حتى القرن السادس عشر، كان إنتاج السيراميك يمثله عدد قليل من الأفران. كانت السفن ذات الشكل التقريبي مصنوعة من الخزف، وفي كثير من الأحيان مما يسمى. "الكتلة الحجرية" - طين صلب غير مسترطب، وبالتالي لا يتطلب التزجيج. أنتجت مدينة سيتو في مقاطعة أواري فقط منتجات ذات جودة أعلى. وكانت المنتجات مغطاة بطبقة من الزجاج الأخضر والأصفر والبني الداكن، وتم تزيينها بزخارف مختومة ومنحوتة ومطبقة. كان الخزف في هذا المركز مختلفًا تمامًا عن المنتجات الخام في الأماكن الأخرى لدرجة أنهم حصلوا على اسمهم الخاص، سيتومونو.
من النصف الثاني من القرن السابع عشر. بدأ ازدهار الخزف الياباني، الذي كان يتمتع بصفات زخرفية مميزة لجميع فنون فترة عزلة البلاد. ترتبط بداية هذا العصر بعمل نونومورا نينسي. ولد في محافظة تامبا. نينسي هو شكل تقليدي من الفخار الشعبي من مقاطعتها، مطلي بطلاء المينا. لقد ابتكر نوعًا جديدًا من السيراميك، ياباني بحت في الروح والصور (نينسي ياكي)، يستخدم في حفل الشاي.
كان لأوغاتا كينزان تأثير ملحوظ على تطور إنتاج السيراميك في كيوتو والمقاطعات الأخرى. أصبحت منتجاته مشهورة بلوحاته التي استخدم فيها تقنيات الرسم متعدد الألوان لمدرسة ياماتو إي والرسم الأحادي اللون بالحبر الأسود.
معدن.تعرف اليابانيون لأول مرة على المنتجات البرونزية والحديدية المستوردة من القارة في مطلع عصرنا. في القرون اللاحقة، بعد تحسين أساليب التعدين ومعالجة المعادن، بدأ الحرفيون اليابانيون في صنع السيوف والمرايا والمجوهرات وأحزمة الخيول.
مع بداية النزاعات الإقطاعية الدموية في القرن الثاني عشر، زاد عدد الحدادين وصانعي الأسلحة الذين صنعوا الدروع والسيوف وما إلى ذلك، وتعود القوة والقوة المشهورتان للشفرات اليابانية إلى حد كبير إلى تجار الأسلحة في ذلك الوقت، الذين انتقلوا إلى صناع الأسلحة في ذلك الوقت. أحفاد أسرار تزوير وتصلب السيوف.
ولوحظت نجاحات كبيرة خلال فترة عزلة البلاد في العمل الفني على المعدن. تم تصنيع الأجزاء المعدنية المطبقة التي تزين مقبض السيف وغمده من قبل صائغين متخصصين، كما كان من قبل، تم إيلاء الاهتمام الرئيسي لتصنيع الحارس.
النسيج والصباغة.كما تم تطوير النسيج والصباغة بنجاح. كان التطور الأكثر أهمية في إنتاج المنسوجات خلال هذه الفترة هو اختراع عملية صباغة يوزين-زومي. أتاحت هذه الطريقة إعادة إنتاج تصميمات رسومية رائعة على الملابس، وهي لا تزال نوعًا خاصًا من الصباغة اليابانية.
منتجات الورنيش.وصل الإنتاج الفني لمنتجات الطلاء إلى ذروة استثنائية في اليابان، على الرغم من أن الصين هي موطن تكنولوجيا الطلاء.
يتم الحصول على الورنيش من عصارة شجرة الورنيش. إنها تغطي بشكل متكرر السطح الأملس المجهز مسبقًا لقاعدة منتج مصنوع من الخشب أو القماش أو المعدن أو الورق.
تعود المعلومات الموثوقة الأولى حول إنتاج الطلاء في اليابان كحرفة فنية إلى ذروة ثقافة البلاط في القرنين الثامن والثاني عشر. ثم انتشر على نطاق واسع إنتاج التفاصيل المعمارية والتماثيل البوذية والمواد الفاخرة والأدوات المنزلية من الورنيش، من الأثاث إلى عيدان تناول الطعام.
على مدى القرون التالية، أصبحت منتجات الطلاء ذات أهمية متزايدة في الحياة اليومية للشعب الياباني. بدأ استخدام منتجات مثل الأطباق وصناديق أدوات الكتابة وصناديق المراحيض وصناديق التعليق على الأحزمة والأمشاط والدبابيس والأحذية والأثاث على نطاق واسع.
تعتبر كائنات تقنية ماكي إي أنيقة بشكل خاص: يتم تثبيت مسحوق الذهب أو الفضة المنتشر على السطح بالورنيش ثم صقله. تم تجسيد الأذواق المورقة والمزهرة في ذلك الوقت بالكامل في منتجات الطلاء، وقد تلقت تطورًا مهمًا بشكل خاص كأشياء زخرفية. وعلى بحيرة بيوا توجد جزيرة تشيكوبو، حيث تم الحفاظ على معبد، وهو مثال على استخدام طلاء الذهب لتزيين الجزء الداخلي من المبنى.
كما تم استخدام الورنيش المزخرف بشكل غني في صناعة الأدوات المنزلية والأطباق المستخدمة في المساكن الاحتفالية. من بينها جميع أنواع الطاولات، والحوامل، والصناديق، والصناديق، والصواني، ومجموعات أدوات المائدة وأدوات الشاي، والأنابيب، ودبابيس الشعر، ومضغوطات البودرة، وما إلى ذلك. هذه الأشياء، المزينة بشكل غني بالذهب والفضة، تجسد بوضوح روح عصر موموياما. (سيد الورنيش هونامي كويتسو).
حتى منتصف القرن السابع عشر تقريبًا. ظلت كيوتو المركز الرئيسي لتطوير الفنون الزخرفية والتطبيقية. بدأ أوجاتو كورين حياته المهنية هناك. لقد ابتكر روائع ليس فقط من الرسم، ولكن أيضًا من السيراميك والأواني المطلية بالورنيش وطلاء القماش والمراوح وما إلى ذلك. تميزت منتجات الأواني الشهيرة من كورين بوحدة خاصة في الشكل والديكور، و"تتدفق" بسلاسة من جانب واحد من المنتج إلى الجانب الآخر. خلق مزيج المواد المختلفة نسيجًا سطحيًا غير عادي ومجموعة نادرة من الألوان.
ومن بين أساتذة الطلاء الآخرين، برز إيس أوجاوا هاريو. في أعماله، استخدم على نطاق واسع ترصيع الخزف والعاج والورنيش الأحمر المنحوت وصدف السلحفاة والذهب والفضة والرصاص وغيرها من المواد.
الفن الزخرفي والتطبيقي في أواخر القرن السادس عشر وأوائل القرن السابع عشر. كان متنوعا، لأنه يلبي احتياجات نمط حياة مختلف الطبقات الاجتماعية في المجتمع.
في الفنون الزخرفية والتطبيقية، كما هو الحال في مجالات الثقافة الأخرى، انعكست جميع الاتجاهات الأيديولوجية والجمالية الرئيسية في ذلك الوقت.
إن الميول الجديدة للفن والثقافة اليابانية نحو الأبهة المتفاخرة والديكور المفرط، المرتبط بنمط الحياة والمتطلبات الثقافية للنخبة الإقطاعية العسكرية الجديدة الصاعدة بسرعة والطبقات الحضرية الغنية سريعة النمو، انعكست بوضوح في الفنون الزخرفية والتطبيقية.
سلاح.احتلت الأسلحة مكانة خاصة في حياة الطبقة العسكرية. كان السلاح الرئيسي للساموراي هو السيف، حيث تم تقدير جودة النصل وتصميمه.
تم إنتاج السيوف من قبل عائلات صانعي الأسلحة الذين نقلوا مهاراتهم من جيل إلى جيل. اختلفت منتجات المدارس المختلفة من حيث النسب وشكل الشفرة والجودة. كتب الحرفيون المتميزون أسمائهم على الشفرات، ويتم الاحتفاظ بمنتجاتهم في مجموعات المتحف حتى يومنا هذا.
تم تزيين مقبض النصل وغمده بواسطة تجار الأسلحة والمجوهرات. تم تزيين السيوف القتالية بشكل صارم تمامًا، لكن السيوف التي ترتدي ملابس مدنية كانت مزخرفة بشكل غني جدًا.
تم وضع واقي مسطح، عادة ما يكون ذو تصميم فني، بين النصل والمقبض. أصبحت زخرفة الحرس فرعًا خاصًا من الفن الياباني. بدأ التطوير المكثف لهذا الفن في النصف الثاني من القرن الخامس عشر. كان الفنان المتميز الذي وضع الأساس لسلالة من الحرفيين المتخصصين في زخرفة السيف هو الساموراي غوتو يوجو.
ازدهر فن صناعة الحراس في نهاية القرن السادس عشر وبداية القرن السابع عشر. لتزيينها، تم استخدام جميع أنواع المعالجة المعدنية - البطانة، والنحت، والإحراز، والإغاثة.
في مطلع القرون السادس عشر إلى السابع عشر. وفي زخرفة الأسلحة، كما هو الحال في أشكال الفن الأخرى، بدأت تظهر ملامح البذخ. أجزاء من أحزمة الخيول وأغماد سيوف الساموراي، في انتهاك للتقاليد الفولاذية، مصنوعة من السيراميك المغطى بطبقة زجاجية لامعة (فوروتا أوريبي).
مع انتشار طقوس الشاي والشاي في القرنين الخامس عشر والسابع عشر، ظهرت مهنة جديدة للحرفيين الذين صنعوا أواني الشاي، وعلى وجه الخصوص، أباريق الشاي الحديدية، الصارمة والمكررة الشكل، ذات الزخارف المتناثرة.
نحت الخشب.في القرنين السابع عشر والثامن عشر، حدث تقدم كبير في نحت خشب الزينة في اليابان، والذي وصل إلى درجة عالية من الكمال. وقد زينت مباني المعابد والقصور ومساكن الشوغون، واستخدمت على نطاق واسع في صناعة الأدوات المنزلية الصغيرة للمواطنين.
كان أحد المجالات المهمة جدًا لتطبيق فن النحاتين هو إنتاج الأقنعة لمسرح نوه ورؤوس الدمى لمسرح دزيروري. يُعتقد أن أفضل الأمثلة على أقنعة المسرح تم إنشاؤها في القرنين الخامس عشر والسادس عشر، في وقت ذروتها، وأقنعة القرنين السابع عشر والثامن والعشرين. لم تكن سوى تقليدًا للأشياء القديمة، ولكن التقليد كان ماهرًا جدًا لدرجة أنها لا تزال تُستخدم حتى اليوم وتحظى بتقدير كبير جدًا.
بورسلين.كتلة المنتجات الخزفية في القرنين السابع عشر والثامن عشر. تم إنتاجه في جميع أنحاء البلاد، وكان هناك نوعان رئيسيان: منتجات باهظة الثمن ومطلية بدقة من ورش عمل كوتاني ونبيشيما، والخزف من أريتا وسيتو، الذي تم إنتاجه في سلسلة كبيرة.
كانت منتجات ورش كوتاني في الفترة المبكرة ذات شكل بلاستيكي غير متساوٍ. تم رسمهم باستخدام بقع كبيرة من الألوان وتم وضعها بحرية على سطح الأوعية. في وقت لاحق اتخذ خزف كوتاني أشكالًا وزخارف جافة ومنقوشة.
كانت منتجات نبيشيما تزين عادةً بزخارف نباتية واحدة مصنوعة من الطلاء تحت التزجيج، وتُستكمل أحيانًا برسومات متعددة الألوان فوق التزجيج.
أنتجت ورش عمل أريتا وسيتو منتجات بكميات كبيرة. تم تزيين هذه الأطباق بتركيبات زخرفية أنيقة من الزهور والطيور والفراشات وغيرها.
يعمل سلالة راكو الخزفية اليابانيةيحتل مكانة خاصة وفريدة في تاريخ صناعة الخزف وجميع الفنون الزخرفية والتطبيقية في اليابان. حافظت أسرة حرفيي كيوتو على استمراريتها لخمسة عشر جيلًا، واستمرت في صناعة الخزف بنفس التقليد الفني الذي نشأت فيه في منتصف القرن السادس عشر.
لم تكن منتجات ممثلي أسرة راكو تهدف في البداية إلى الإنتاج الضخم أو حتى الإنتاج الضخم، ولكن إلى إنشاء أعمال فريدة من نوعها لدائرة ضيقة من خبراء حفل شاي تشا نو يو. تتألف ذخيرة ورشة العمل بشكل أساسي من أوعية الشاي (شاوان)، والمباخر (كورو)، وبشكل أقل شيوعًا، صناديق البخور (كوجو) والمزهريات لتنسيق الزهور (الكبائن). أدى هذا القيد الواضح لقدرات أساتذة Raku إلى تحسين وبلورة أسلوب الورشة. تحمل كل هذه الأشياء بصمة حية لفردية الأساتذة الذين صنعوها والزمن الذي تنتمي إليه.
كان أساس تقنية عائلة Raku هو تقنيات القولبة والتزجيج التي تم تطويرها في نهاية القرن السادس عشر أثناء عمل المعلم المتميز، مؤسس سلالة Raku، Raku Tejiro (楽 長次郎، ?-1589). تم تشكيل المنتجات يدويًا (ربما بسبب انخفاض اللدونة للطين المحلي، مما جعل من المستحيل تمديدها على عجلة الخزاف) ومغطاة بزجاج من الرصاص القابل للانصهار بطريقة متعددة الألوان (تقليدًا لسيراميك سانتساي الصيني ثلاثي الألوان من عصر مينغ (1368-1644)) أو طلاء زجاجي أحادي اللون باللونين الأحمر والأسود. كانت المنتجات أحادية اللون هي الأكثر شهرة بين أساتذة الشاي وكان يطلق عليها اسم aka-raku (raku الأحمر) و kuro-raku (raku الأسود). 
المرحلة التكنولوجية الأكثر تميزًا في Raku هي إطلاق النار: عند درجة حرارة في غرفة الإطلاق تتراوح بين 850 إلى 1000 درجة مئوية، تتم إزالة المنتجات بسرعة وتبريدها في الهواء الطلق أو عن طريق غمرها في الماء (الشاي الأخضر). كل من الأشكال المتواضعة والحيوية والمعبرة للأوعية، وتأثيرات التزجيج التي تحدث أثناء التبريد الحاد، أعطت منتجات الورشة تعبيرًا وتفردًا واستوفت متطلبات جماليات الوابي التي حددت حفل الشاي في سين نو ريكيو (1522-1522). 1591) وأقرب أتباعه. في القرن السابع عشر، انعكس التعرف على هذا النمط المبتكر للسيراميك ليس فقط في القيمة العالية لعمل تشاوان في ورشة راكو، ولكن أيضًا في التقليد والتفسيرات العديدة لأوتسوشي ("نسخ مع اختلافات") التي ابتكرها العديد من الفنانين. فناني السيراميك. هونامي كويتسو (1558-1673) وأوغاتا كينزان (1663-1743)، أكثر أساتذة الفنون الزخرفية تأثيرًا في فترة إيدو (1603-1868)، درسوا مع سادة عائلة راكو وشكلوا تفسيراتهم الملونة الخاصة بالفنون الزخرفية. هذا الموديل.
وهكذا، في اليابان في القرن السابع عشر، كانت هناك بالفعل منتجات عائلة راكو وتلك التي صنعها خزفيون من ورش عمل أخرى وفنانون مستقلون على "أسلوب راكو". على الرغم من أن اسم نوع خاص من السيراميك أصبح اسمًا مناسبًا، فقد ورث داخل ورشة كيوتو من راكو تيجيرو: I، إلا أن مصطلح "راكو" اكتسب معنى مستقلاً. هكذا بدأوا يطلقون على السيراميك الذي تم إنشاؤه وفقًا للتقاليد التكنولوجية والجمالية لورشة السيراميك الشهيرة. تم إنشاء عدد كبير من المنتجات بأسلوب راكو (معظمها مخصص لحفل شاي تشا نو يو) من قبل أساتذة طوال القرنين السابع عشر والتاسع عشر.
أدى انفتاح اليابان على الغرب في منتصف القرن التاسع عشر إلى استعارة واسعة النطاق للأشكال والزخارف الزخرفية من الفنون الجميلة والزخرفية اليابانية من قبل فنانين غربيين. ومع ذلك، فإن سيراميك ورشة راكو لم يجذب انتباه الخبراء الغربيين حتى بداية القرن العشرين، حيث أنها لم تلبي توقعات الشركات التجارية الكبرى وكانت خالية من تلك الجودة الزخرفية الجذابة التي تميز منتجات التصدير اليابانية ورش السيراميك في القرن الثاني. نصف القرن التاسع عشرقرن. 
الفنان والخزاف البريطاني برنارد ليتش (1887-1979)
اليوم، يستخدم مصطلح "راكو" على نطاق واسع من قبل صانعي الخزف في روسيا وأوروبا الغربية والشرقية، ومن قبل الحرفيين من الدول الاسكندنافية والولايات المتحدة. ومع ذلك، فقد شهد مفهوم "سيراميك الراكو" تغيرات كبيرة مع انتشاره في جميع أنحاء العالم، ويبدو أن النظر في تشكيل الراكو "الأوروبي" و"الأمريكي" مناسب.
كان أول أوروبي يقدم الخزف على طراز الراكو للغربيين هو الفنان والخزاف البريطاني برنارد ليتش (1887-1979). تدرب كفنان في لندن، وجاء إلى اليابان متأثرًا بكتب باتريك لافكاديو هيرن (1850-1904)، الذي وصف اليابان بأنها بلد الثقافة الراقية والطبيعة الجميلة والناس المسالمين والمجتهدين والنساء الجميلات. عندما وجد نفسه في اليابان عام 1909، تعرف ليتش على دائرة الفلاسفة والفنانين اليابانيين الشباب "شيراكابا" (البتولا الأبيض)، الذي نشر مجلة أدبية وفنية تحمل الاسم نفسه وسعى إلى تقديم العالم لمجموعة واسعة من القراء التراث الفني، غير معروف عمليا في اليابان من قبل أواخر التاسع عشرقرن.
كانت أنشطة ليتش في هذه الجمعية مكرسة في البداية لنشر النقش الأوروبي. في الوقت نفسه، عرّفه عمله النشط في شيراكابا على مفكرين وفنانين شباب مثل ياناجي سويتسو (柳宗悦، 1889-1961)، حمادة شوجي (濱田庄司، 1894-1978) وتوميموتو كينكيتشي (富本憲吉記، 1886). -1963). في عام 1911، بعد معرض فردي في طوكيو، احتل ليتش مكانًا محددًا في الحياة الفنية لطوكيو وكل اليابان باعتباره نقاشًا ومصممًا للنسيج. في نفس العام، تمت دعوته هو وتوميموتو كينكيشي إلى "حفلة راكو" (يسميهم ليتش حفلات راكو في مذكراته).
وكانت مثل هذه الاجتماعات شكلاً شائعًا من أشكال الترفيه الفكري والإبداعي بين اليابانيين المتعلمين. تم تزويد الضيوف بمنتجات السيراميك التي تم إطلاقها مسبقًا؛ قام المشاركون برسمها وتزجيجها وشاهدوا عملية إطلاق النار، والتي كانت مذهلة بشكل خاص في الليل، عندما تتم إزالة العناصر الساخنة من الفرن وتبريدها ببطء في الهواء. من أجل الرسم، كان الناس يجتمعون في غرفة بيت الشاي (تشاشيتسو)، مما أكد على الجو المريح والودي للاجتماع وارتباطه بتقاليد الشاي.
حتى هذه اللحظة، على الرغم من اهتمام B. Leach بالسيراميك كجزء من أنشطة Shirakaba، إلا أنه لم يفكر في العمل بهذه المادة. المشاركة في "لقاء راكو" ومشهد إطلاق النار وتنوع النتائج التي حققها مختلف المشاركين في الاجتماع أجبرت الفنان على تغيير مسيرته الفنية بشكل جذري.
كان أول إنشاء لحفلة راكو لبرنارد ليتش عبارة عن طبق ببغاء. لقد استعار هذا الشكل الزخرفي من مجموعة لوحات الكوبالت تحت التزجيج على الخزف الصيني في عصر مينغ (1368-1644). إذا حكمنا من خلال أوصاف هذا الطبق، فقد كان متعدد الألوان، كما هو الحال مع منتجات الهواة الأخرى لمثل هذه الحفلات، والتي غالبًا ما كانت مزينة برسومات تحت التزجيج ولم تكن قريبة من منتجات Raku الأصلية. تشير هذه الحقيقة إلى أنه في اليابان في بداية القرن العشرين، اكتسبت تكنولوجيا راكو استقلالا معينا، ولم تعد تتوافق مع التقاليد العائلية الأصلية وكان يُنظر إليها على أنها إحدى الطرق المعروفة لتزيين السيراميك.
وفي الوقت نفسه، تجدر الإشارة إلى أن لقاءات الراكو كانت مرتبطة بشكل واضح بالتقاليد القديمة للإبداع الفني، المتجذرة في أخلاقيات وجماليات حفل الشاي، والإبداع الشعري المشترك، ومسابقات الخطاطين، وأساتذة الإيكيبانا في القرنين السابع عشر والتاسع عشر. قرون. كانت العودة إلى هذا التقليد في بداية القرن العشرين بمثابة مرحلة مهمة في تشكيل الثقافة الوطنية الحديثة لليابان: كانت الأشكال الثقافية والفنية المرتبطة بثقافة النخبة الرسمية في اليابان القديمة مطلوبة مرة أخرى. ومن المميز أنه في هذا الوقت في اليابان، كان هناك تجدد الاهتمام بحفل شاي تشا نو يو نفسه، وممارسة الشاي في سينتيا دو وغيرها من الفنون التقليدية، وكذلك في الفنون الدينية والفلسفية والفنية. تعاليم جمالية .
بعد عدة محاولات لإتقان الرسم على الفخار والسيراميك بشكل مستقل، بدأ B. Leach في البحث عن مدرس في طوكيو. ومن بين آخرين، زار ورشة عمل هوريكاوا ميتسوزان، المتخصص في أسلوب الراكو. ومع ذلك، وجد ليتش تفاهمًا متبادلًا أكبر مع أورانو شيجيكيتشي (浦野繁吉، 1851-1923، كينزان السادس)، الذي ورثت أعماله الخزفية تقاليد المعلم المتميز أوغاتا كينزان (كنزان الأول، 1663-1743). على الرغم من أن عمل أورانو شيجيكيتشي والتفاني في الديكور في مدرسة ريمبا للفنون، في رأي ليتش، كان يفتقر إلى الطاقة والقوة، إلا أن هذا المعلم كان يمتلك كل المعرفة التقنية التي تنتمي إلى السلالة القديمة اللامعة لصناع الخزف، وكان مستعدًا لتعليم الأساسيات زخرفة السيراميك لطالب أجنبي.
لمدة عامين، عمل ليتش في ورشة عمل أورانو شيجيكيتشي مع توميموتو كينكيتشي، الذي عمل أيضًا كمترجم في البداية، نظرًا لأن ليتش لم يكن يعرف اللغة اليابانية جيدًا بعد. في ورشة عمل أورانو، لم يكن إنشاء النماذج جزءًا من العمل: فقد تم شراء الفراغات المخصصة للرسم من ورش عمل أخرى أو صنعها الخزافون المدعوون، لكن ليتش بدأ أيضًا في إتقان حرفة الفخار حتى يتمكن من إنشاء النماذج بنفسه. وأشار إلى أنه، وليس يابانيا، لم يتمكن من الشعور بشكل كامل بطابع الأشكال والديكور التقليدي. العديد من الأعمال المبكرة (1911-1913) للسيد تفسر بشكل فريد أنماط السيراميك الأوروبية في انكسار الفخار الياباني والتقاليد الفنية. وفي وقت لاحق، تأثر عمل ليتش أيضًا بشكل كبير بالسيراميك من جميع أنحاء العالم. الشرق الأقصىوالدول الإفريقية. 
بعد عام من التدريب المهني، سمح أورانو لـ B. Leach بإنشاء ورشة عمل خاصة به في زاوية الحديقة في مزرعته وبناء فرن راكو صغير. بعد عام من بناء هذه الورشة، قدم له أورانو وتوميموتو كينكيتشي شهادات رسمية (كثيفة:) لوراثة تقاليد عائلة كينزان، وتم الاعتراف رسميًا ببرنارد ليتش باعتباره سيد كينزان السابع.
إلى جانب اسم كينزان، تلقى برنارد ليتش أيضًا مجموعة من الوثائق "العائلية" التي تحتوي على وصفات للطلاء الزجاجي وأسرار الإنتاج الأخرى، بما في ذلك أساسيات إطلاق الراكو، والتي كانت جزءًا من ملكية عائلة كنزان. ونشر ليتش بعد ذلك أجزاء منها في أعماله، بما في ذلك كتاب الخزاف، الذي نُشر عام 1940 والذي كان له تأثير كبير على خزف الورش الغربية في منتصف القرن العشرين. جعل ليتش التكنولوجيا التقليدية متاحة لجميع الخزافين المهتمين بإثراء اللغة الفنية لسيراميك الاستوديو. طوال حياته الإبداعية، تحول السيد مرارا وتكرارا إلى تقنية Raku، سواء أثناء العمل في اليابان وفي سانت آيفز.
عند الحديث عن الحالة العامة للخزف الفني الأوروبي في بداية القرن العشرين، تجدر الإشارة إلى أن بي. ليتش هو أول فنان في أوروبا يؤسس استوديوًا مستقلاً (في عام 1920 في سانت آيفز، كورنوال، بعد العودة إلى إنجلترا). تدريجيًا، طور ليتش وياناجي سوتسو فهمًا جديدًا لدور الحرفي في التقاليد الفنية العالمية: تزامن جزئيًا مع أفكار ويليام موريس وحركة الفنون والحرف (كان تاريخ هذه الحركة موضوعًا متكررًا في المحادثات بين برنارد ليتش وياناجي سويتسو). تمامًا مثل موريس، عارض ليتش تصنيع الحرف اليدوية وتحويلها إلى إنتاج موحد.
بالنسبة إلى ياناجي سوتسو، كما هو الحال بالنسبة للعديد من الفنانين والمفكرين اليابانيين في أوائل القرن العشرين، بدا احتمال التصنيع الحتمي لليابان الجديدة بمثابة تهديد خطير للثقافة المميزة للحرف اليدوية والحرف الشعبية. في عشرينيات القرن العشرين، أدت الرغبة في الحفاظ على التقاليد الشعبية إلى ظهور حركة مينجي المؤثرة، التي أسسها حمادة شوجي وكاواي كانجيرو (河井寛次郎، 1890-1978). تم إحياء تقاليد ورش السيراميك القديمة في ثلاثينيات القرن العشرين على يد أراكاوا تويوزو (荒川豊蔵، 1894-1985) واهتمّت بشكل أساسي بخزف ورش عمل مينو-سيتو في عصر موموياما (1573-1615).
كان إعادة تأهيل الفنون القديمة جزءًا مهمًا من السياسة الوطنية اليابانية في النصف الأول من القرن العشرين؛ وقد وجدت هذه السياسة الاستجابة الأكثر صدقًا وحماسة من فلاسفة وفناني ذلك العصر. "كتاب الشاي" لأوكاكورا كوكوزو، الذي نُشر عام 1906، كان له تأثير كبير على تكوين الاهتمام بالتقاليد الوطنية: (岡倉覚三، 1862-1913) - أحد الأعمال البرنامجية عن الفنون التقليدية، حيث تم إثبات القيمة الأخلاقية والجمالية الدائمة لحفل الشاي تشا نو يو. أصبح هذا الكتاب، الذي نُشر باللغة الإنجليزية، مصدر إلهام للقراء الغربيين. جنبا إلى جنب مع كتاب برنارد ليتش كتاب الخزاف، كان لكتاب الشاي تأثير كبير ليس فقط على فناني الخزف الغربيين، ولكن أيضًا على مجموعة واسعة من الفنانين والكتاب والمفكرين في منتصف القرن العشرين.
في كورنوال، لم يشارك برنارد ليتش وحمادة شوجي في الأنشطة الإبداعية فحسب، بل أيضًا في الأنشطة التعليمية. كان وارن ماكنزي (مواليد 1924) أحد طلاب ليتش الأمريكيين الأوائل، الذي درس في ورشة عمل سانت آيفز من عام 1949 إلى عام 1951.
في أواخر الأربعينيات وأوائل الخمسينيات من القرن العشرين، أصبح الفنانون الأمريكيون مهتمين بشكل متزايد بتقاليد الفخار الياباني. بعد التراجع الاقتصادي الطويل للكساد الكبير وعسكرة الاقتصاد خلال الحرب العالمية الثانية، جاء وقت الاستقرار في الولايات المتحدة، والذي لا يمكن إلا أن يؤثر على تطوير الفنون الزخرفية والتطبيقية. في منتصف القرن العشرين، تركزت اهتمامات الخزافين الأمريكيين بشكل أساسي حول تحسين تقنيات السيراميك وتركيبات التزجيج. في عقد ما بعد الحرب، تغيرت جماليات الفنون التطبيقية بشكل جذري - ليس فقط في مجال السيراميك، ولكن أيضًا في تصميم الأثاث والمنسوجات الفنية وما إلى ذلك. أدى انتشار المواد الجديدة التي أنشأتها الصناعة العسكرية إلى توسيع إمكانيات التصميم.
محاضرة للأسطوري شوجي حمادة
ابتداءً من عام 1950، بدأت مجلة Craft Horizons في عرض منشورات حول أعمال الحرفيين. وفي عام 1953، نظم المجلس التعليمي للحرفيين الأمريكيين معرضًا لـ "المصممين الحرفيين" بالتعاون مع متحف بروكلين؛ وفي عام 1956، افتتحت نفس الجمعية متحف الحرف الحديثة في نيويورك. نما عدد المؤسسات التعليمية التي تدرس فيها الحرف والفنون الزخرفية والتطبيقية، وتم إنشاء بيئة مثمرة تدريجيًا لعمل الفنانين وأساتذة أنواع مختلفة من الفنون الزخرفية والتطبيقية في الولايات المتحدة.
يتطلب عالم ما بعد الحرب سريع التغير لغة فنية جديدة. بعد الحرب العالمية الثانية، توسع العالم بشكل كبير، كما زاد الاهتمام بدول الشرق. أدى وجود القواعد العسكرية الأمريكية في اليابان، كتأثير مصاحب، إلى توسيع فهم الأمريكيين للثقافة البعيدة وظهور اهتمام دائم باليابان. استحوذت الجماليات اليابانية تدريجيًا على عقول وقلوب الفنانين الأمريكيين: أفكار الفن "العضوي"، والقرب من الأشكال الطبيعية - كل هذا كان استجابة للثقافة التكنولوجية والتصميم في زمن الحرب.
كما نشأ الاهتمام بالثقافة الروحية في اليابان، والتي كان محورها بوذية الزن. انتشرت المعرفة بهذه المدرسة البوذية في الغرب بفضل المنشورات والأنشطة التعليمية النشطة لسوزوكي دايسيتسو تيتارو: (鈴木大拙貞太郎، 1870-1966) والعالم الديني والفيلسوف آلان ويلسون واتس (1915-1973). بالإضافة إلى أنشطة واتس كمروج لبوذية زن، تجدر الإشارة إلى أفكاره حول جماليات الفنون التطبيقية، التي ولدت تحت تأثير بلدية درويد هايتس (كاليفورنيا، الولايات المتحدة الأمريكية). سكان هذه البلدية، التي أسستها الكاتبة إلسا جيدلو (1898-1986)، بما في ذلك آلان واتس، ابتكروا جميع الأدوات المنزلية الضرورية بأنفسهم، مسترشدين بأفكار حول الجماليات الطبيعية والوظيفية. ورأى واتس وجود صلة مباشرة بين الأشكال البسيطة من "الجماليات التطبيقية" للفنانين الهواة الأمريكيين وجماليات تلك الأشياء التي تم إنشاؤها بروح جماليات الوابي اليابانية لتلك الفنون التي تطورت بما يتماشى مع تقليد الزن (حفل الشاي، الإيكيبانا). تنسيق الزهور وغيرها). في الوقت نفسه، كان واتس وأتباعه ينظرون إلى أخلاقيات بوذية الزن وجمالياتها على أنها وسيلة "للهجرة الداخلية"، وإيجاد صوت الفرد في دولة محافظة وتوحيد جميع أشكال الحياة في أمريكا. احتل السيراميك ذو الشكل الحر مكانة بارزة في الفنون والحرف اليدوية في الولايات المتحدة.
كان لبرنارد ليتش تأثير كبير على فناني الخزف الأمريكيين في الخمسينيات من القرن العشرين، والذي نُشر عمله كتاب الخزاف في الولايات المتحدة عام 1947. ومع ذلك، كان التأثير الأكبر على الفنانين هو وصول أستاذ اللغة الإنجليزية ياناجي سويتسو وحمادة شوجي إلى الولايات المتحدة الأمريكية بسلسلة من المحاضرات ودروس الماجستير في عام 1952، بعد مؤتمر عقد في قاعة دارتينجتون (ديفونشاير). كان هذا المؤتمر الأنجلو ياباني مخصصًا لفن الخزف والنسيج الفني، وكان هدفه الرئيسي إظهار الإمكانيات الواسعة للتعاون الدولي في هذا المجال الفني.
بفضل الفصول الرئيسية لحمادة شوجي (نادرا ما ألقى السيد محاضرات عامة، لكنه وجد الفرصة لإظهار عمله في كل مكان - على أي عجلة فخارية ومع أي طين تم توفيره له)، أصبح الخزافون الأمريكيون على دراية بالصفات البلاستيكية الخاصة من السيراميك الياباني. بدأ أخذ الخزف الياباني في الاعتبار في تعريفات النحت، مع كل إمكانيات هذا الشكل الفني في خلق شكل معقد، بالتفاعل مع الفضاء المحيط، مع مراعاة أهمية الملمس (واللون) لنقل الديناميكيات الداخلية للفن. شكل، الخ.
في الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي، زار الولايات المتحدة أيضًا أساتذة يابانيون بارزون مثل كيتاوجي روزانجين (北大路 魯山人، 1883-1959) وكانيشيجي تويو (金重陶陽، 1896-1967)، الذي كان له تأثير كبير على الفنانين الأمريكيين. كان بول سولدنر (1921-2011) أحد أكثر المشاركين اهتمامًا في مثل هذه المحاضرات والدروس الرئيسية، والذي يعتبر مخترع "الراكو الأمريكي"، والذي تحول بمرور الوقت إلى اتجاه غربي للسيراميك. كان تلميذًا لأحد فناني الخزف الأكثر تميزًا وتأثيرًا في عصره، وهو بيتر فولكوس (باناجيوتيس فولكوس، 1924-2002). سمح الفارق الصغير في العمر بين المعلم والطالب - ثلاث سنوات فقط - للسادة بالتجربة معًا والبحث عن أشكال جديدة من السيراميك.
تأثر سولدنر بشكل كبير بفلسفة الزن، وحفل الشاي، وعمل الخزافين اليابانيين، لكن هذه الظواهر لم يكن لها تأثير كبير على أعماله المبكرة - القطع الضخمة والمعقدة المصنوعة على عجلة الفخار. ومع ذلك، في عام 1960، أثناء إعداد فصل دراسي للطلاب في معهد سكريبس، أصبح مهتمًا بسيراميك راكو واكتشف الإمكانيات التي لا نهاية لها للحرية الإبداعية والارتجال التي يتميز بها هذا النوع من السيراميك.
تخلى سولدنر عن الأشكال المعقدة لصالح الأشكال "العضوية" القريبة من الطبيعة، الأمر الذي أدى أيضًا إلى التخلي عن عجلة الخزاف - بدأت أساليب التشكيل تشبه إلى حد كبير تلك المعتمدة في ورش عمل راكو في كيوتو. يتطلب إطلاق النار بحثًا خاصًا: تم إجراء أكبر التغييرات (مقارنة بالراكو الياباني) في هذه المرحلة من إنشاء منتج سيراميك.
كمصدر رئيسي للمعلومات، استخدم سولدنر وصف سيراميك راكو وتكنولوجيا إنشائه في كتاب بوتر ليتش. استخدامه وصف قصيروبالاعتماد على خبرته العملية، أنشأ سولدنر فرنًا صغيرًا. بعد عدة ساعات من إطلاق النار، قام سولدنر بإزالة الوعاء الخزفي الساخن ولفه بأوراق رطبة من قناة صرف قريبة، مما أدى إلى خلق بيئة مختزلة أثناء تبريد القطعة. كانت هذه العملية تسمى سيراميك "التدخين" وكانت مختلفة جذريًا عن الطريقة اليابانية التقليدية لتبريد منتجات الراكو في بيئة مؤكسدة. إلا أن هذه الطريقة هي التي وضعت الأساس لما يسمى "السرطان الأمريكي" وانتشر في العديد من البلدان حول العالم. 
استمر سولدنر في صنع الأفران من تصميمه الخاص: في الستينيات، قام ببناء أحد عشر فرنًا لحرق المنتجات في درجات حرارة مختلفة وفي ظروف الأكسدة والاختزال المختلفة، بما في ذلك الأفران وغرف الاختزال للراكو. يبلغ قطر غرف الدخان الفولاذية المغلقة حوالي 1.2 متر، مما يسمح بتبريد 6-10 منتجات في بيئة مخفضة في وقت واحد. من أجل الأكسدة الجزئية لسطح المنتجات (التي أعطتها شخصية مشرقة)، يمكن رفع غطاء هذا الفرن لبعض الوقت. وهكذا، خلال العديد من التجارب مع أفران من تصميمنا، تم الحصول على طلاء زجاجي لوصفات مختلفة و بأشكال مختلفةابتعدت منتجات سولدنر كثيرًا عن التقنيات اليابانية الأصلية المستخدمة في أفران راكو التقليدية.
هذا الاستخدام الحر للوصفة التقليدية أملته قناعة سولدنر العميقة بالحاجة إلى المضي قدمًا، مسترشدًا فقط بالحدس والخبرة. في الوقت نفسه، كانت التعبيرية التجريدية، بالتزامها الخاص بالعفوية وعدم القدرة على التنبؤ بنتيجة الإبداع الفني، وفقًا لأفكار معاصري سولدنر، قابلة للمقارنة بمبادئ طبيعية الزن والعفوية. وهكذا، بدا التقليد الياباني في العصور الوسطى حديثًا بشكل حاد في منتصف القرن العشرين.
تتميز أوعية تشاوان التي ابتكرها سولدنر كجزء من مجموعة طلاب أوتيس في الستينيات بتفسيرها المميز والدقيق لتقاليد الخزف الياباني. النماذج قريبة من اليابانية. السطح غير المستوي لجوانب الأوعية مغطى بمادة فضفاضة
قطرات من الزجاج الملون (أسود أو أحمر أو أصفر أو بني) توجد على طوله craquelures كبيرة ملونة. تحول السيد إلى هذه الأشكال الكلاسيكية من السيراميك الياباني طوال مسيرته الإبداعية الطويلة، حيث قدم ميزات أصلية جديدة وجديدة في أسلوب الراكو الحر. في الثمانينات، حاول المزيد الأشكال المعقدة، بالقرب بالفعل من منحوتة وجسم فني، قام سولدنر أيضًا بتعقيد الديكور: قام السيد بتطبيق التزجيج في طبقات مختلفة السماكة، مما أدى إلى إنشاء انتقالات معقدة من قطعة غير مزججة إلى مناطق سميكة ومنتفخة من التزجيج الملون.
في معرض عام 2012، أظهر متحف ميسولا للفنون وعاءً كبيرًا شبه كروي من تصميم بول سولدنر، مغطى بطبقة زجاجية بنية اللون ومُشعل وفقًا لتقليد الراكو. كانت الأوعية المصنوعة من كتلة خزفية رمادية داكنة، متشابهة الشكل، مغطاة بطبقة رقيقة من التزجيج ومزينة من الأعلى بالبطانة والزجاج الملون - أنماط تعبيرية مجردة من الخطوط والخطوط المتقاطعة، وبصمات قوالب خشبية بأنماط مختلفة - في شكل خطوط مشط، مسافات بادئة صغيرة، إلخ.
بحلول الستينيات، كان هناك بالفعل العديد من الأفكار بين خبراء السيراميك الأمريكيين حول ماهية "الراكو": كانت هذه إما أشياء يتم حرقها في غرف مدخنة ("مدخنة")، أو يتم إطلاقها وتبريدها في غرف بوقود مشتعل أو في الماء. تم تسجيل هذا التنوع أيضًا في بداية القرن الحادي والعشرين في وصف ستيفن برانفمان لتقنية الراكو: فهو يعرّف سيراميك الراكو على أنه يتم حرقه في فرن مسخن مسبقًا، ويتم إزالته من الفرن عند درجة الحرارة القصوى في غرفة الحرق ويتم تبريده ببطء في الماء، في حاوية بمواد قابلة للاحتراق أو في الهواء الطلق فقط.
تجنب بول سولدنر تحديد سيراميك الراكو بشكل نهائي من خلال التكنولوجيا. لقد انطلق من فكرة أن الصفات الرئيسية لسيراميك Raku - الحرية الداخلية والراحة - تكمن وراء التكنولوجيا، في مجال الفهم الفني للحياة. وقد أتيحت للسيد الفرصة لرؤية الفرق بين أسلوبه الخاص والتقليد الأصلي لعائلة راكو خلال زيارته لليابان في أواخر التسعينيات. ومع ذلك، بحلول ذلك الوقت، أصبحت تقنية منتجات إطلاق النار، التي اقترحها في الستينيات، تُعرف باسم "راكو" خارج حدود الولايات المتحدة - وذلك بفضل المعارض والمنشورات والعروض الترويجية. النشاط التربويكل من سولدنر نفسه وطلابه وأتباعه. يوجد اليوم عدد كبير من صانعي الخزف في الولايات المتحدة الذين يواصلون تقليد حرق الراكو الأمريكي، ولكن توجد إصدارات مختلفة من هذا الأسلوب في بلدان غربية أخرى.
يعد صانع الخزف البريطاني ديفيد روبرتس (مواليد 1947) واحدًا من أكثر الفنانين المعاصرين تأثيرًا الذين يعملون بأسلوب الراكو. لم يشكل عمله إعادة تفسير إنجليزي جديد لهذه الخزفيات اليابانية فحسب، بل أدى أيضًا إلى إحياء الاهتمام بالراكو في الولايات المتحدة، حيث ساعد في إنشاء حركة Naked Raku، مما جعل هذه الخزفيات أكثر حداثة.
يتم إنشاء الأشكال الضخمة لهذا السيراميك عن طريق النمذجة اليدوية (بناء الخيوط)، ثم يتم تسوية السطح وبعد حرق البسكويت (حوالي 1000-1100 درجة مئوية) يتم تغطيته أحيانًا بطبقة رقيقة من الغطاء، ثم بالتزجيج. الحرق الثاني "راكو" عند درجة حرارة 850-900 درجة مئوية ينتهي بـ "تدخين" المنتج على المدى الطويل في بيئة مخفضة - في حاوية بها ورق وكمية صغيرة من نشارة الخشب. وفي غضون دقائق قليلة، تتم استعادة الأصباغ ومركبات البطانة والطين. يتم غسل المنتج النهائي، وأثناء عملية الغسيل، يتم تقشير الطبقة الزجاجية من السطح، مما يكشف عن طبقة بيضاء ذات نمط معقد لسطح أسود (ولهذا السبب تسمى هذه التقنية "راكو عارية"). في بعض الحالات، يتم فرك المنتج النهائي بالشمع الطبيعي لإعطاء السطح لمعانًا عميقًا.
تبدو أحدث أعمال روبرتس، المزينة باللونين الأبيض والأسود، منحوتة من الحجر: رخام أبيض بنمط معقد من الأوردة أو الهيماتيت. تتمتع جميع الأسطح - غير اللامعة أو المصقولة - بلمعان عميق بدون انعكاسات ساطعة، مما يؤدي إلى تشتيت الضوء بلطف. وتجدر الإشارة إلى أن قدرة الحجر هذه - أي اليشم - هي التي جعلت منه مادة نبيلة في نظر الصينيين وأدت إلى ظهور عدد من تقليد اليشم في الخزف والسيراميك في الصين (من القرن الثاني عشر). ) واليابان (من القرن الثامن).
إن سيراميك روبرتس بعيد كل البعد عن أعمال ورشة Raku اليابانية كما هو الحال مع تجارب بول سولدنر. أدى "راكو" الخاص به بدوره إلى ظهور مجرة من أسياد الراكو "العراة" الجدد في العديد من دول العالم. من بين الأساتذة الغربيين يمكن تسمية تشارلي وليندا ريجز (أتلانتا، الولايات المتحدة الأمريكية) وباولو ريس (جنوب أفريقيا).
في ورش عمل مختلفة، يقوم الفنانون بتجربة تركيبات مختلفة من الطين والبطانة والزجاج، ومواد مختلفة قابلة للاحتراق لعملية الترميم في بيوت التدخين، بالإضافة إلى أشكال جديدة من منتجات السيراميك - من المزهريات التقليدية إلى العناصر
الديكور الداخلي والأشياء الفنية. يقوم العديد من صانعي الخزف في روسيا والدول المجاورة بإنشاء أعمال باستخدام تقنية "الراكو الأمريكية" ويلتزمون بأسلوب المنتجات اليابانية التقليدية ذات الأشكال العضوية الخشنة والغنية بألوان التزجيج.
تلخيص دراسة ظاهرة "خزف الراكو" في أعمال الخزافين الغربيين في القرن العشرين - بداية الحادي والعشرينفي القرن العشرين، ينبغي القول أن مصطلح "سيراميك راكو" قد تلقى تفسيرًا واسعًا للغاية في الأدب الحديث حول الفنون الزخرفية والتطبيقية والسيراميك، وكذلك في ممارسة فناني السيراميك. بناءً على المحتوى، يمكن تمييز التعاريف التالية لكلمة "سرطان":
السيراميك الذي تم تصنيعه باستخدام التكنولوجيا والجماليات اليابانية التقليدية على يد أساتذة عائلة راكو (كيوتو)؛
والسيراميك الذي تم تصنيعه باستخدام التكنولوجيا اليابانية التقليدية في ورش يابانية أخرى؛
وأخيرًا، السيراميك على يد فنانين غربيين يفسرون التقاليد اليابانية من حيث التكنولوجيا والجماليات.
على الرغم من التنوع التكنولوجي والأسلوبي الكبير لأنواع الخزف، والتي تتلخص في المجموعة الثالثة، إلا أنها تجمع بين مبدأ فني واحد مهم: اتباع الطبيعة، والتعاون معها في خلق صورة فنية (وهو ما يتوافق مع “الاتجاه العضوي” والمبادئ الأيض في الهندسة المعمارية والتصميم في القرن العشرين).
هذا المبدأ، المرتبط في الوعي الغربي بشكل رئيسي بفلسفة الزن وجماليات الوابي، يسمح لجميع الخزفيين المعاصرين بأن يعتبروا أنفسهم استمرارًا ومفسرين للتقاليد الروحية والفخارية اليابانية، بغض النظر عن مدى بعد أعمالهم عن "المصادر الأولية". إن حرية وعفوية الإبداع، وتعاون الفنان مع المادة، وعدم القدرة على التنبؤ بالنتيجة النهائية والأصالة الجمالية تجعل سيراميك الراكو جذابًا لجميع الفنانين.
وهكذا تبين أن الخزف الياباني لعائلة راكو، الذي حافظ على أساسيات التكنولوجيا وعلم الجمال من القرن السادس عشر، هو أحد أكثر أنواع الفنون الزخرفية والتطبيقية تأثيرًا في القرن العشرين.
